Ciencia ficción

Ciberpunk y algo más de regalo

2011-12-21T03:53:00.000-08:00

Martínez, Rodolfo (1995)

La sonrisa del gato.

Miraguano: Madrid.

Me acerqué a La sonrisa del gato (1995), de Rodolfo Martínez, pensando que se trataba de una obra ciberpunk. Quería observar de qué manera un autor autóctono había abordado la parafernalia tecnológica y la narración de novela negra para reflejar un mundo de personajes nihilistas, traficantes de información, donde priman los intereses de las grandes empresas que dominan el mundo. El resultado es satisfactorio, aunque no porque cumpla con muchos de los tópicos de este subgénero de la ciencia ficción, sino porque en otros aspectos, los supera. Su pretensión fue presentarse como una novela más actual y atrevida que otras de su tiempo y considero que consiguió dicho objetivo.

El comienzo de la novela resulta impactante, y quizás para un neófito se convierta en un sinsentido, pues aparece un interrogatorio donde no existe la voz del narrador, sólo el diálogo de dos policías y las largas explicaciones del interrogado, que va rememorando los hechos acaecidos. Por lo tanto, encontramos un comienzo in media res, que después irá desvelando lo sucedido hasta el momento del interrogatorio. Este personaje, que después se desvelará como el protagonista, Memo, se expresa con una jerga juvenil llena de neologismos (“peri”) o nuevos usos léxicos (“¿Confirmas?”), junto a menciones de lugares o entidades desconocidas al lector (“Confederación”, “Irregulares”).

El siguiente capítulo retoma una narración más clásica, acorde a los modelos de la novela negra, que nos va presentando a los personajes involucrados en la trama: Arthur Conan Chandler (llamado Con y Chandler, homenaje al escritor sir Arthur Conan Doyle), Memorión (llamado Memo, que recuerda al Johnny Nmonic de Gibson) y el fanático religioso Abdul Yasir ibn al-Murahi. Todos ellos actúan en la consecución de un chip que contiene datos secretos, con lo que tenemos el detalle que conlleva la transmutación de la información en un objeto, el cual funciona como detonante de la trama y de la acción de los personajes. A ellos se le suma una inteligencia artificial, Chessire, que moverá los hilos de la estación espacial en la que se encuentran, la Peonza. Este personaje poderoso supone la inclusión de la vertiente digital propia del ciberpunk en la novela. Además, es de destacar el nombre, puesto que Chessire es el nombre del gato de Lewis Carroll y de ahí el título de la novela. Por último, tampoco se puede ignorar la presencia de personajes secundarios muy característicos, como el pirata informático Vaquero.

La estructura de intercalación del interrogatorio y la trama de espionaje ha llevado a varios lectores a considerar la proximidad de La sonrisa del gato con El jinete en la onda del shock (1975), de John Brunner. Por parte de la novela del español, los dos modelos de capítulo indicados se intercalarán para desvelarnos una trama de espionaje en un espacio cerrado, asilado por la inmensidad del cosmos, y una ambientación futurista, mucho más extrañada temporalmente hacia el porvenir que otros ejemplos del ciberpunk. Ello permite mayor verosimilitud a la inclusión de elementos como la existencia de la Peonza, el transportador dentro de la estación o los increíbles avances médicos que permiten la regeneración de extremidades amputadas.

Por otra parte, Rodolfo Martínez no sólo se permitió jugar con la estructura, también jugó con la tipografía al presentar los diálogos de la policía en negrita o las intervenciones de Chessire en mayúscula, e incluso la eliminación de los guiones de los personajes en otros momentos. A ello debemos sumarle la hibridación de géneros, pues la trama presentada en forma de novela negra es la que permite al lector superar el fuerte distanciamiento ficcional del comienzo y adentrarse en la historia, porque las explicaciones aparecen en La sonrisa del gato cuando está muy avanzado el argumento. Éstas serán explicaciones sobre el mundo ficcional, es decir, sobre la estación espacial y sobre el pasado de los personajes. En palabras del propio Rodolfo Martínez, comentadas recientemente en su blog:

“Me parecía que estaba escrita con garra, tenía una buena ambientación, un ritmo adecuado, una trama que no decaía en ningún momento y varios personajes bastante logrados. Y me gustaba la estructura que había armado para contar la historia, dividida en capítulos alternos. En unos, se seguía una narración convencional en tercera persona y en pasado. En los otros, había una secuencia de puro diálogo, sin acotación alguna y que enseguida quedaba claro que sucedía algunos meses después de lo narrado en tercera persona”.

La novela negra le sirve para incluir aspectos de la ambientación como la ilegalidad, las desviaciones y depravaciones sexuales, y la actitud cínica ante los delitos y el horror. El ciberpunk le permite la aparición de elementos tecnológicos, de la jerga de los personajes (de la cual se incluye un glosario al final de libro) y de su actitud vital siempre al límite. Lo relevante en La sonrisa del gato será, sin duda, el enfrentamiento entre Memo, el joven híbrido (parte de su cerebro es un implante de memoria), inadaptado en medio de esa ciudad caótica y desorbitada, con la inteligencia artificial Chessire, el superordenador dotado de autoconsciencia. Un enfrentamiento constituido al modo de un juego lógico, como un ajedrez, donde un movimiento en falso puede suponer el fin de la partida y donde no importan los peones perdidos con tal de obtener la victoria. También se puede resaltar que, en este enfrentamiento, Fernando Moreno, en el análisis que de esta novela realiza en su tesis, observó similitudes con la obra de Stanislaw Lem Un valor imaginario (1973).

Respecto al universo ficcional que rodea la novela, el autor comentó, en el artículo indicado de su blog personal, que toda la idea le vino por la imagen de una estación espacial con forma de peonza en mitad del espacio, imagen que se convertiría en la Estación de Convergencia Uno. Esto le permitió encuadrar la historia dentro de un universo ficcional que venía desarrollando en varios escritos anteriores, el universo Drímar. Este detalle posibilita atisbar en la novela un mundo ficcional muy desarrollado del que sólo conoceremos una pequeña parte. Dicho mundo tiene ciertas similitudes con la Guerra Fría, pues encontraremos dos grandes bloques enfrentados, la Confederación y el Mandato Sáver, en una situación tensa que no llega na culminar en el conflicto.

Curiosamente, en La sonrisa del gato se halla otra postura en relación a ese mundo tecnologizado. La religión aparece de la mano del espía fanático Abdul, quien, para colmo de ironía, ignora que su Dios es una máquina. Su discurso tecnofóbico plantea una oposición al progreso técnico, y una abogacía por la tradición, aunque también podría verse como un ejemplo de la dificultad del hombre para adaptarse a cambios rápidos. Aunque la ironía la encontramos en muchos otros aspectos de la novela, y especialmente justifica la existencia del narrador omnisciente que filtra en muchas ocasiones sus opiniones y juicios de valor.

Por lo ya analizado, considero que la novela de Rodolfo Martínez está más que recomendada para aquellos lectores que aún no se hayan acercado a ella. Desde luego, cabe recordar que estamos ante una obra bien conocida dentro del fandom español, y un autor que también tiene una labor destacada en el seno de los aficionados. ¿Qué es entonces La sonrisa del gato? Les insto a leerla, no perderán el tiempo.

[Fotos tomadas de:

http://leelibros.com/biblioteca/?q=node/3987

http://www.bemonline.com/portal/index.php/noticias-mainmenu-2/1818-embrion-disponible-en-la-web ]

Una space-opera con mucha picaresca

2011-11-30T01:08:00.000-08:00

Marín, Rafael (1981)

Lágrimas de luz.

Gigamesh: Barcelona, 2008.

Fue en 1982 cuando apareció por primera vez Lágrimas de luz, de Rafael Marín, como parte de otro de los proyectos editoriales que quiso empezar Domingo Santos desde Nueva Dimensión, aunque ya los días de la mítica revista se acercaban al final. Desde entonces, la novela se ha reeditado varias veces y en diversos idiomas. Incluso puede jactarse de ser una de las pocas obras españolas aparecida en el seno de la colección de la editorial Gigamesh, una de las más conocidas entre los aficionados. Dicho bagaje tiene explicación: Lágrimas de luz es una novela clave en la historia del género en España, una parada indispensable para el aficionado cienciaficcionero que desee conocer el cultivo de la CF en España.

Para empezar, Lágrimas de luz se plantea la pretensión de introducir el género de la picaresca -muy propio de la tradición literaria española- en la ciencia ficción, en este caso en el modelo de la space-opera. No es tampoco la única novela que ha pretendido esta fusión, puesto que también lo intentó Carlos Saiz Cidoncha con Memorias de un merodeador estelar (1995). Pero los logros, a nivel literario, son mayores en la obra del gaditano que en el ciudadrealeño, que peca de un resultado sumamente irregular que alterna buenos pasajes (muy picarescos) con otros muy mediocres de humor entre infantil y adolescente

El modelo picaresco le permite a Marín la creación de un protagonista que narre su vida en primera persona y que relate sus desventuras como personaje socialmente marginado. Así aprovecha esta posibilidad para realizar un crítica y una reflexión sobre el mundo en el que vive. Por su parte, la space-opera le brindará como escenario todo el cosmos y un tiempo diferente en el que desarrollar un modelo social distinto al de nuestro presente. La fusión es acertada: el resultado otorga novedad y una lenguaje propiamente hispano en una ciencia ficción preocupada por abandonar la fase de imitación de quien ostenta la batuta dirigente, la ciencia ficción anglosajona, y emprender el camino hacia un cultivo del género con una identidad propia.

Sobre el uso de la picaresca, también se encuentran similitudes en la estructura de la novela, pues comienza a fine (hacia el final), igual que El lazarillo de Tormes (1554), para después en un extenso flashback remontarse a la juventud del protagonista y relatar todas las circunstancias vitales que le han llevado a la situación presente (desde la que cuenta la historia) y justificar dicha situación. En el caso de Lázaro la justificación del relato se refiere a las acusaciones de la mancebía de su esposa con el arcipreste, en el caso de Hamlet Evans, el protagonista de Lágrimas de luz, su postura de individuo frente al estado manipulador que se personifica en su ubicación espacial, la ciudad de Nueva York.

Por otra parte, el mundo ficcional de la novela nos presenta una sociedad de corte medieval, fuertemente estratificada, extrapolada a un futuro de conquista permanente, un mundo cuyo sostenimiento, igual que el antiguo imperio romano, se halla en la conquista. El protagonista comenzará en un estrato inferior, en el seno de una familia de trabajadores. Pero gracias a su formación, obtiene una plaza de formación en el Monasterio, aislado lugar en un asteroide donde se esconden los restos de conocimiento y se forma a nuevos aprendices que después los gobernantes usarán para desarrollar una cultura siempre bajo el férreo control e intereses del estado omnipotente, llamado siempre, como he indicado, Nueva York. El protagonista consigue así convertirse en compositor de cantares de gesta que elogien la labor de conquista.

El puesto de poeta le permite ingresar en la vida de otro estrato de esta sociedad, el militar, y por él iremos descubriendo diferentes personalidades existentes en este mundo, desde el frío y utilitarista capitán Ares Wayne, al pobre soldado incapaz de cuestionarse el mundo, como Turin Macnamara, o al perfecto y eficiente oficial que acaba sacrificando su vida por su superior, Whynnom Salvador. Además le permite al autor realizar diversas reflexiones sobre el sentido de la guerra y el valor, la muerte como pérdida y el escaso o nulo beneficio que otorga la conquista bélica.

El mundo de los poderosos, la elite, aparece en Lágrimas de luz cuando Hamlet, tras desertar como poeta, es abandonado en el planeta Mandara, al que llaman Castigo por sufrir un embargo económico. Allí, para subsistir, debe deleitar con espectáculos a los señores que dominan este mundo. De esta forma se nos describirá a unos aristócratas degenerados, eudemonistas cuyo único objetivo vital es el placer en las formas más excéntricas posibles, individuos enfermos, abúlicos, cuya existencia carece de sentido.

A esta sociedad estratificada le debemos añadir que el autor justifica las posibilidades evasivas de sus ciudadanos alienado principalmente a través de una libertad sexual que suena un poco irreverente en la novela, puesto que se limita en la mayoría de ocasiones a relaciones orgiásticas y homosexuales, sin desarrollar otro tipo de parafilias que podrían ser propias de ese planteamiento. En cierto modo supone la apertura temática del sexo dentro del género, tal y como estaba sucediendo en la España del momento que venía alejándose de las represiones franquistas, pero al margen de la circunstancia histórica en la que se inserta la novela, el tratamiento sexual resulta un poco, a mi juicio, incoherente dentro de la obra.

Aunque uno de los aspectos más destacados de la novela de Marín es el estilo literario del que dota a su discurso. El autor gaditano consigue un lenguaje sumamente lírico, subjetivo, que explota al máximo referencias literarias, imágenes que buscan belleza, reflexiones del personaje sobre la vida y la sociedad de ese mundo futuro, etc. Ello no evita ciertos errores de un escritor novel que innova con el lenguaje y busca su estilo, pero sí demuestra su honda formación filológica, de la que carecían los autores hispanos predecesores, y que le ha permitido hacer literatura en un género y en un país que todavía no había intentado explotar todas las posibilidades a nivel lingüístico. De esta forma, Lágrimas de luz inició el camino hacia una ciencia ficción más lírica, característica que se ha destacado de la literatura española y de la CF en concreto desde los años ochenta. Por todo ello, se trata de una lectura amena e indispensable para todo aficionado que se precie.

[Fotos tomadas de:

http://librodenotas.com/cuadernosdecienciaficcion/14099/autores-contemporaneos-vi-rafael-marin

http://ablibros.com/libros/fantasia/96208636-LAGRIMAS-DE-LUZ-BOLSILLO-9788496208636.html ]

De extranjero a mesías, una nueva heinleiniada (II)

2011-10-24T01:55:00.000-07:00

Heinlein, Robert A. (1961)

Forastero en Tierra Extraña (Stranger in the Strange Land)

Traducción de Domingo Santos.

Plaza & Janés, Barcelona, 1998.

[Segunda entrada: continuativa de la anterior]

En la anterior entrada empezábamos a analizar una de las obras de Heinlein más conocidas, Forastero en Tierra extraña, y cuestionaba yo las virtudes achacadas a esta novela. Mencioné el largo periodo de gestación que tuvo esta extenso y magno clásico del género, y buscaba después características apreciables al común de la obra de este autor estadounidense.

Dado el largo proceso de escritura de este novela, pregunto: ¿hay contradicciones internas en el contenido, en las ideas que plasma en ella? La ideología de Heinlein está palpable como en el resto de sus obras, aunque quizás más en esta porque la longitud de Forastero en tierra extraña permitió al escritor estadounidense explayarse más en sus ideas personales sobre la sociedad que le rodeaba. Aún así, dejemos por un momento de lado las diferencias políticas plasmadas en sus novelas, antes indicadas, y que tan controvertido le hicieron en su momento.

Así descubrimos que, si algo caracteriza a Robert Anson Heinlein, es la defensa a ultranza del individuo, detalle que le atraería de las reivindicaciones de esos movimientos juveniles. Si algo defienden los personajes de esta obra es su identidad y libertad frente a las normas establecidas, especialmente de índole sexual. Se trata de un individualismo extremo que se desprende del lema “Tú eres Dios”, forma en que se saludan los integrantes de la iglesia creada por Smith. En palabras del periodista Ben Caxton: “-Mike no es gentil, Jubal. Matar a un hombre no le preocuparía lo más mínimo. Pero es el anarquista definitivo..., encerrar a un hombre es una incorrección. Libertad para uno mismo..., y absoluta responsabilidad personal para uno mismo. «Tú eres Dios»” (790).

Ahora bien, la mayor parte de la crítica en la novela se centra en las intituciones eclesiásticas como centros de hipocresía que se deleitan en imposiciones morales a individuos, reglas éticas sobre lo que se puede y no se puede hacer, aunque sus máximos representantes practiquen los actos que ellos mismos denuncian como ilícitos. Todo es una ironía donde Heinlein se ríe abiertamente del discurso de la doble moral tan vigente hoy no sólo en Estados Unidos, sino también incluso en muchas otras parte del mundo, incluido nuestro país. Por un lado denunciamos actitudes; por otro las realizamos. Cohartamos nuestra libertad con ideas artificiales y absurdas. Por eso, el protagonista de Forastero en Tierra extraña, Mike, quiere situarse por encima de ese juego que no entiende, quiere ser un individuo único, moralmente sano.

Desde esta perspectiva, se puede entender la comparación que se establece en la novela entre Smith y Jesucristo, pues lo que pretende el Hombre de Marte puede entenderse como una alegoría revisionista de la historia del personaje de Jesús de Nazaret tal y como aparece no sólo en los evangelios oficiales, sino también en los apócrifos. En palabras de uno de los seguidores fieles de Smith, uno que, anteriormente a la afiliación al culto de Mike, fue judío: “Jesús no intentó tenerlo todo terminado para el miércoles próximo. Fue paciente. Estableció una sólida organización y la dejó crecer. Mike también es paciente. La paciencia tiene tanta parte de disciplina que ni siquiera es paciencia; es algo automática” (812).

Pero otro tipo de críticas aparecen en Forastero en tierra extraña. Ya se ha indicado que la novela está plagada de conversaciones, especialmente entre el viejo Harshaw y Mike, pero también el sabio anciano y otros personajes, sobre muchas cuestiones. En numerosas ocasiones, es fácil percibir la voz del propio Heinlein escondida tras la de Harshaw. Por ejemplo, se pueden observar las consideraciones literarias del escritor estadounidense: “Las mejores obras rinden dividendos cuando ya no puede cobrarlos el que las ha creado” (758). Además, el propio personaje de Harshaw es escritor de novelas populares que firma con múltiples seudónimos, lo que ayuda más a la identificación aquí propuesta. Otro posible caso que corrobora esta afirmación aparece en un momento, donde Harshaw indica los motivos que le han llevado hacia la creación literaria, la cual concibe como una escritura subordinada a los gustos del gran público y con el fin de obtener ganancias económicas, y sin la pretensión de grandes adornos ni experimentalismos ni pretensiones elevadas, es decir, no se plantea una literatura que hable de sí misma, sino una paraliteratura.

Aunque, también deben ser destacada una conversación sobre arte, que mantiene Harshaw con el periodista Ben mientras examinan la colección personal del anciano millonario (652-656), con estatuas principalmente de Rodín como «La belle Heaulumière» o «la Cariátide caída bajo el peso de su piedra». Allí se desprenden interpretaciones artísticas interesantes sobre las figuras del escultor francés, horripilantes en un primer momento, pero poéticas en el fondo.

Sin embargo, preguntábamos, ¿es tan progresista Heinlein? Toda la exposición realizada hasta ahora parece indicar que sí, aunque si nos adentramos en cuestiones más propiamente literarias, puede que la respuesta no siga siendo la misma. En primer lugar, el escritor estadounidense repite el modelo tríptico de personajes tan presente en muchas de sus obras: protagonista, ahora el Hombre de Marte, Valentin Michael Smith; el hombre sabio, Jubal Harshaw; y la chica, la enfermera Gilliam Boardman. La repetición del tríptico puede entenderse como la utilización de fórmula establecidas de creación literaria propia de un autor criado en la literatura popular y las revistas pulp.

En segundo lugar, sus personajes femeninos no sólo continúan siendo secundarios, sino que nunca adquieren relevancia por encima de los hombres, a no ser que los personajes masculinos hayan quedado temporalmente incapacitados. Nunca sus personajes femeninos toman posiciones de mando por encima de un hombre, tal y como se observa en la estructura jerárquica de la Iglesia formada por el Hombre de Marte. La mayoría de ellas siempre considera como metas vitales el matrimonio o los hijos. En el caso de que aparezcan insertas en el mundo laboral, los trabajos que desempeñan son preminentemente femeninos, y casi esa cualidad parece castigarlas a una soltería perpétua, puesto que, si se casan, dejan de trabajar: Jill es enfermera y Jubal se rodea de tres secretarias -Dorcas, Miriam y Anne- que también son sus cuidadoras, sirvientas y cocineras. Además de estos casos, muchas veces, cuando se le hace un pregunta a un personaje femenino que requiere algún tipo de deducción o pensamiento abstracto, antes de que conteste, se le dice “no se rebane los sesos”, y después se le explica la respuesta, igual que a los niños. Además, las mujeres deben ser piropeadas por sus cualidades físicas, siempre sobresalientes por encima de cualquier otra de sus características como personas. “Para ser mujer, eres extraordinariamente brillante” (60). E incluso puedo añadir que ni los homosexuales quedan ajenos a esta cosmovisión, dado que la voz narradora los tilda como invertidos en más de una ocasión.

Además, este tradicionaismo en la concepción literaria de Heinlein también se observa al analizar cualidades estilísticas: coincidencia de orden cronológico casi absoluta de historia y fábula, es decir, no hay un desorden entre los acontecimientos narrador y la forma de contarlos. Sólo discrepan en la parte cuarta donde se alterna la voz de Ben y la voz del narrador contando lo que le había pasado al periodista cuando fue a visitar la iglesia de Smith, para mi juicio, una de los momentos de mayor juego con las voces narrativas.

También destaca la escasa frecuencia de descripciones, y las que aparecen pausan del todo el ritmo del discurso. Siempre hay una colosal cantidad de diálogos -casi parece una novela dialogada, y con ellos se realiza el avance de la trama. Por lo tanto, preferencia por un ritmo narrativo de escena, que se refiere a un tipo de ritmo narrativo donde coinciden la duración de la historia y la del discurso. Por su parte, la voz narradora también es muy tradicional -heterodiegética y extradiegética, de focalización cero-, comúnmente llamado narrador omnisciente. Además, tanto diálogo relega a un segundo plano esa voz narradora. Ello favorece que los personajes hablen por sí mismos. Pero lo que sucede es que muchas veces incluso de confunden las voces personales de los personajes, por ejemplo, Ben llama a Gill con muchos apodos cariñosos -aunque siempre referidos al físico femenino-, como pies “pies bonito” (83), algunos de los cuales aparecen después en boca de Harshaw.

Claro, ahora pensarán: Heinlein es un autor de la Edad Dorada, no de la New Wave, no se le pueden pedir peras al olmo. Tendrán razón, pues al igual que sus compañeros de generación, muchos pecan de escasa “literariedad” -como lo entendían los formalistas rusos-, pero desarrollaron tramas muy inteligentes, como los juegos lógicos de los relatos de Asimov, especialmente lo referentes a las tres leyes de la robótica que él mismo planteó en Yo, Robot (I, Robot, 1950). No niego haber disfrutado con la lectura de esta obra de Robert Anson Heinlein -incluso mucho más que con las que leí anteriormente de él-, pero sólo plasmo aquí una opinión argumentada, la opinión de un filólogo tras una primera lectura. Otro tendrán otras, puede que incluso mejor argumentadas. Sobre gustos no hay nada escrito. Les invito a expresarlas y a mantener viva una obra de tan rico contenido como Forastero en tierra extraña.

[Imágenes tomadas de:
http://rescepto.wordpress.com/2010/05/14/forastero-en-tierra-extrana/
http://www.umbella.com/heinlein/libros/hisparah_siasl_61.html]

De extranjero a mesías, una nueva heinleiniada (I)

2011-10-24T01:48:00.000-07:00

Heinlein, Robert A. (1961)

Forastero en Tierra Extraña (Stranger in the Strange Land)

Traducción de Domingo Santos.

Plaza & Janés, Barcelona, 1998.

[Aviso: Dada la extensión del siguiente artículo, éste aparecerá en dos entradas diferentes]

Parece increíble que no haya tenido suficiente Heinlein ya, pero aquí vuelvo a la carga con uno de los autores más representativos de la Edad Dorada. Por lo menos, debo reconocer que una lectura de varias de sus obras me va permitiendo atisbar una visión general del controvertido Robert Anson Heinlein y de su concepción de la literatura. Esta vez le ha tocado el turno a una de sus obras más famosas, también ganadora del premio Hugo, y nuevamente obra que causó enorme polémica en su momento, Forastero en tierra Extraña (Stanger in the Strange Land, 1961).

A modo de sinopsis, Heinlein escribe esta novela a partir de una idea inicial: un humano que ha sido criado por alienígenas y ya mayor, retorna a la Tierra con sus congéneres. Dada su instrucción, alejada de los estandarizados modelos humanos, el protagonista se verá obligado a aprender toda una nueva cosmovisión de la vida, y toda una nueva forma para expresarla. Esto permitió al autor incluir numerosas y extensas digresiones y parlamentos donde se discuten muy distintas cuestiones del comportamiento humano que tantas veces damos por sentadas, pero que, analizadas en la distancia, mediante un proceso de relativización, se muestran como constructos artificiales.

Eso es lo que hace constantemente Valentin Micheal Smith en Forastero en Tierra Extraña. Gracias a sus largas conversaciones con el anciano y escéptico millonario Jubal Harshaw, Mike irá deconstruyendo muchas de las concepciones éticas y morales que rigen la sociedad descrita por Heinlein, la cual coincide en gran parte con la de su propio tiempo -no hay en la novela un distanciamiento muy grande en el tiempo, pues Heinlein la sitúa medianamente cercana en el futuro-. De esta forma, en esta novela aparecen diversas críticas de muchas cuestiones, pero principalmente se censura a las instituciones eclesiásticas y sus imposiciones de códigos morales que limitan el comportamiento humano. Esto justifica que, en la trama, el protagonista acabe formando una secta en la cual instruir a los hombres en el código marciano y conducirlos a una concepción del mundo donde prima la libertad personal, donde quedan despojados de necesidades materiales y en convivencia armónica con sus congéneres. Mike se convierte en un nuevo Jesucristo, un nuevo Mesías, e igual que su predecesor, compartirá el mismo destino.

En su época esta extensa novela se convirtió incluso en cabecero de cama de cualquier joven simpatizante del movimiento hippie, sin duda por el modelo de iglesia que funda Mike donde preconiza el naturismo, el amor libre o la igualdad de sexos, y donde el hombre se despoja de necesidades materiales, y con ello de la obsesión, la envidia, una iglesia que se fundamenta en un amor por el prójimo. Y esto lo desarrolla en pequeñas sociedades libres de carácter anárquico donde todo es de todos y todos colaboran por la comunidad. Ciertamente, estos fundamentos tienen gran similitud con las reivindicaciones de los hippies en contra de las estrechas miras de papel maché del Estados Unidos de los años cincuenta.

Parece un contenido muy revolucionario para su época, pero ¿realmente fue Heinlein tan innovador en esta obra como para recibir este tipo de tratamiento? En primera instancia debo recordar que este escritor ya fue vilipendiado por supuestas inclinaciones fascistas a causa del mundo militarizado que plasmó en Tropas del Espacio (Starship Troopers, 1959). Misteriosamente, todavía tornará a visiones que cojearán en el extremo contrario, como la visión de la revolución selenita en La Luna es una cruel amante (The Moon is a Hars Mistress, 1966). En este aspecto, resulta difícil encuadrar ideológicamente a este autor. Sólo un elemento repite a lo largo de sus obras, el culto al individualismo, a la libertad del individuo. Y en esta obra, personificado en el Hombre de Marte, este principio adquiere gran fuerza.

Creo que para resonder a la cuestión planteada, primero habría que detenerse en el proceso de elaboración de Forastero en Tierra Extraña. Para la versión completa y definitiva de la obra, Virginia Heinlein, ya viuda del autor, explica que su difunto marido escribió esta magna novela en varias fases. Declara que la idea surgió de un brainstorming para un relato que se llamaría “Golfo”. A Heinlein le entusiasmó la propuesta de un humano criado y educado por alienígenas, algo que sería similar a los niños salvajes perdidos en la jungla, como el retratado en El Libro de la Selva (The Jungle Book, 1894), de Rudyard Kipling. Pero esa idea le pareció extensa para un relato.

Aún así, le seguía atrayendo, así que Heinlein la abordó varias veces y la abandonó posteriormente porque no era capaz de cerrar la historia. No obstante, finalmente lo hizo a las puertas de los años sesenta. Por tanto, hablamos de más de un decenio de gestación, realizada en diferentes momentos, con lo que se pueden observar discrepancias en el contenido: entre un Heinlein más próximo a una ideología conservadora donde él se crió y ciertas ideas innovadoras que empezaban a pulular en EE. UU. en esa época; y entre un Heinlein que ha aprendido a escribir en los cuentos pulp, literatura de consumo rápido, y un Heinlein de mayor pericia como escritor, mayor fluidez y mayor libertad para desarrollar los argumentos.

Esta es la contradicción mayor de este autor. Por un lado, vive anclado en los prejuicios y tradiciones de un Estados unidos retrógrado, racista, clasista con un férreo y limitado discurso establecido por el poder que atacaba todo tipo de heterodoxia, por otro está un Heinlein que procura seguir la naturaleza de la ciencia ficción de situarse en l futuro, dar un paso más allá, y plantear una sociedad donde se potencian aspectos de los nuevos tiempos. Y los nuevos tiempos venían marcados, como hemos dicho, primero por la generación beat, luego por los hippies, que propugnaban una apertura de ese limitador discurso del poder.

Además de las diferencias ocurridas en el contexto histórico, en la vida del autor, y en la forma de cultivar el género fantacientífico en esos años, y que todo ello determinó de una u otra manera el producto literario final, debemos añadir que el editor obligó inicialmente a Heinlein a reducir la obra. En el epílogo Domingo Santos, también su traductor al español, afirma que ha realizado un estudio comparativo entre ambas versiones, la extensa y la que fue reducida por petición del editor, y sólo percibe un excelente trabajo por parte de Heinlein en la poda que tuvo que realizar a la primera versión de Forastero en tierra extraña.

[Continúa en la siguiente entrada]

[Imágenes tomadas de:
http://unlibroparaestanoche.com/2011/07/26/forastero-en-tierra-extrana-robert-a-heinlein/
http://www.forjadores.net/index.php?option=com_content&task=view&id=1927&Itemid=48]

Marcianos traviesos

2011-09-07T01:59:00.000-07:00

Brown, Fredric (1955)

Marciano, vete a casa (Martians, go home)

Traducción de Francisco Blanco.

Martínez Roca, Barcelona, 1982.

Merece un elogio en este blog el tratamiento cómico que consiguió el autor estadounidense Fredric Brown para tratar un tema tan manido dentro de la ciencia ficción: la invasión extraterrestre. Se trata de novela coral, donde los pocos personajes resaltados, como Luke Devereux, sirven como ejemplificaciones de las consecuencias de la convivencia con los marcianos. Brown, por tanto, especula, con gran humor, los posibles efectos de estos molestos alienígenas.

En este caso los marcianos de Fredric Brown, lejos de un tradicional BEM inspirado en el horripilante ser que describió Wells en La guerra de los Mundos (The War of the Worlds, 1898), aunque físicamente tienen todos los tópicos: verdes, pequeños, cabezones, etc. Pero en carácter se asemejan más a los duendes de las leyendas fantásticas propias del folclore de muchos pueblos. Esto lo afirmo no sólo por su piel verdusca y su reducido tamaño, sino porque son traviesos, anárquicos, infantiles, molestos, hostiles, respondones, perversos, peleones, sarcásticos, hirientes, etc. Obviamente, enervan a los humanos con este comportamiento, pero su naturaleza casi holográfica los hace inmunes a cualquier ataque, con lo que sólo queda aguantarlos.

No se explica por qué vienen a la Tierra, simplemente kimmaron (una especie de teleportación mental) nuestro planeta en masa con la intención de estudiar a los humanos. Sin embargo, nos tildan de seres inferiores y se mofan constantemente del prójimo, y siempre andan en busca de situaciones conflictivas, curiosas o íntimas en las que entretenerse y divertirse. Por eso, aparecen cuando uno menos se lo espera, y se dedican a sacar de quicio a la gente. La invasión no busca el terror, simplemente, sino el mayor fastidio posible.

Tanto caos generan que tras su llegada sacan a la luz todos los secretos militares del mundo, con sus molestas intervenciones consiguen acabar con los programas televisivos y radiofónicos y consecuentemente, generan una enorme crisis económica a cuyo lado la gran depresión del 29 parece un incremento de la economía. E incluso afecta al crimen organizado, porque los marcianos delatan a los criminales durante su acto ilícito, y a las relaciones sexuales de los matrimonios, pues se descubre que los marcianos pueden ver incluso a través de la ropa, con lo que se pierde la intimidad del acto. Brown analiza todos los pormenores e inconvenient es que causan estos misteriosos visitantes, y todos ellos dotados de gran carga humorística.

Lo interesante es que el escritor de novelas populares Luke Devereux, cerca del ecuador de la novela, sufre una apoplegía y cuando se recupera, es incapaz de ver a los marcianos. Ni les oye, ni les ve, ni les siente. Él no cree que existan marcianos, y los que vio lo achaca a una alucinación, pero los demás sí. Entonces, se convierte en un loco, pero como demente, está más cuerdo que todos los demás humanos que sí deben soportar a los pesados de los marcianos. En este punto Brown juega y se ríe también sobre la locura y la cordura.

Devereux se ve a sí mismo como una persona mentalmente estable y a los demás como perturbados. Tras mucho pensar llega a la conclusión de que él creo inicialmente toda esta paranoia marciana, puesto que la novela comienza con él en una cabaña asilada en el desierto cuando se le aparece uno de los visitantes verdes. Podría ser todo un desvarío de Luke en la cabaña mientras intentaba diseñar un argumento para su nueva novela fantacientífica. Al menos eso cree el lector. Sin embargo...

Sin embargo, finalmente, de la misma forma que vinieron, los insoportables seres verdes se van. Desaparecen. ¡Puf!. Adiós. Brown no nos aclara el motivo: ¿es el invento de Oberdorffer, es el hechizo de Bugasi, es la paranoia de Luke Devereux, que había escrito alguna novela de ciencia ficción? ¿en verdad eran marcianos? El mismo misterio que los trajo a la Tierra se los lleva, y no sabemos ni entendemos ese misterio. En un epílogo Final, Brown coloca la guinda a este pastel. Sus editores le solicitan una explicación a todo el desvarió de la novela, y éste responde:

“Luke tiene razón; el universo y todo lo que ocntiene sólo existe en su imaginación. Él lo inventó, como también a los marcianos.

Pero entonces, yo inventé a Luke. De manera que, ¿dónde quedan él o los marcianos?

¿O cualquiera de ustedes?” (166)

¡Chapeau, señor Brown!

[Imágenes tomadas de:

http://ciertadistancia.blogspot.com/2009/05/fredric-brown-y-la-gorra-roja.html

http://www.papelenblanco.com/novela/marciano-vete-a-casa-de-fredric-brown ]

El verdadero sentido de la revolución selenita

2011-08-16T05:14:00.000-07:00

Heinlein, Robert A. (1966)

La Luna es una cruel amante (The Moon is a Harsh Mistress)

Traducción de Manuel Mata.

La factoría de ideas, Madrid, 2003.

¿Esta novela obtuvo el premio Hugo en 1967? Me cuesta entenderlo; no encuentro argumentos que justifiquen el galardón que obtuvo Robert A. Heinlein por La Luna es una cruel amante. Para mi gusto, su lectura ha sido una decepción por varios factores como la reescritura de la revolución americana o los personajes planos, pero especialmente los fallos de la edición española.

Desde luego, lo más enervante ha sido la edición, llena de erratas, oraciones agramaticales (“a la residencia del el Alcaide, 23), dequeísmo (“advertimos de que nuestras bombas”, 298), cacofonías, falta de coherencia (“Manuel -dijo el Profe-, como bien ha señalado el Profe”, 263), estructuras oraciones extrañas en español... cuestiones éstas que no sólo dificultan la lectura, sino que provocan la pérdida del contenido original. Con estos elementos se hace más difícil disfrutar la obra, o calificarla de buenas maneras. Hacía tiempo que no encontraba una edición y una traducción tan pésima.

Ahora bien, a ello le sumo el disgusto que me ha supuesto la enorme cantidad de guiños a la revolución de independencia americana (la revuelta del té, el trío dirigente, el triunfo celebrado el 4 de julio...), porque La Luna es una cruel amante relata la incubación, desarrollo y éxito de la independencia de nuestro satélite, colonizado por expresidiarios, detalle éste que trae a la memoria el uso que el imperio británico tenía con Australia.

Probablemente la presencia de tanto americanismo se debe al peso que la política adquiere en la obra, tanto que muchas veces se asemeja a un panfleto libertario revolucionario, en especial, a través de las ideas anarquistas del Profesor Bernardo de la Paz. Aunque también hay que advertir que tanta reminiscencia al sentimiento patriótico estadounidense entra en contradicción con la abundancia de términos soviéticos que remite a la revuelta bolchevique: da, nyet, gospazha (el término de 'señora' en ruso es 'gospozha', otra errata de la novela), gospodin, tovarisch, tovarischee, bolshoyeh spasebaw (en realidad 'Bolshoye spasibo!', es decir, '¡muchas gracias!'), el periódico Lunaya Pravda... A esto se añaden creaciones propias del autor, como el curioso lema selenita ¡NEEAG! -¡no existe almuerzo gratis!-, que viene a indicar que todo triunfo conlleva un precio, que nada es altruista en la Luna, puesto que “cualquier cosa gratis cuesta el doble a la larga o termina por carecer de valor” (148). ¡Menudo mejunje!

La característica principal que determina este libro reside en la relevancia que se le oto

rga a la política, tanta que en considerables ocasiones se asemeja a un panfleto libertario revolucionario, pues muchos diálogos reflejan discusiones sobre modelos de gobierno, donde cobran protagonismo especial las ideas anarquistas del Profesor Bernardo de la Paz. A este respecto observa Sergio Mars en su blog cómo las ideas del propio autor se filtran en la novela:

“Tenemos todas sus señas de identidad: defensa a ultranza de liberalismo libertario (preponderancia de la libertad individual sobre cualquier tipo de gobierno estatal), sociedad de frontera, ruptura de las convenciones sexuales, triunvirato protagonista (chico-heinlein, Manuel Garccía O'kelly, chica-heinlein, Wyoming Knott, viejo-heinlein, Profesor Bernardo de la Paz) y, por supuesto, personajes tan, tan listos y capaces que se salen con la suya sin sufrir demasiados percances” (http://rescepto.wordpress.com/2009/10/15/la-luna-es- una-cruel-amante/).

Efectivamente, este ambiente lo desarrolla Heinlein en una sociedad de frontera, regida por una anarquía donde no existe el estado de bienestar, ni policía, ni tampoco un sistema judicial. Esta situación le permitió al autor especular con modelos familiares diferentes, como la poliandria, o incluso más curiosas, como la adoptada por la familia Davis (la de Mannie), que es un matrimonio lineal, un modelo poligámico en el cual se van adoptando nuevos cónyuges manteniendo un equilibrio de hombres y mujeres y una edad media, y donde la voz cantante la lleva la mujer de mayor edad.

Por otra parte, en La Luna es una cruel amante está la especulación del ordenador, Mike (abreviatura de Mycroft Holmes, el hermano listo de Sherlock Holmes), el cognum puro, una inteligencia artificial que ha tomado autoconsciencia y ayuda en la revolución selenita. A lo largo de la novela va creciendo y aprendiendo de las relaciones humanas, pero se trata de un niño que considera todo como un juego, incluida la revolución o el lanzamiento de rocas a la tierra durante el conflicto entre nuestro planeta y nuestro satélite, cerca del final de la novela.

Dado que esta obra se escribió en los años sesenta, la especulación sobre este ordenador pensante me parece un buen ejercicio especulativo por parte de Heinlein, aunque se aprecia que al final, tras la revolución, este personaje sobra y debe ser silenciado. Este detalle se debe también a la justificación de la historia: Mannie escribe su visión sobre la independencia selenita para desacreditar las versiones de los historiadores puesto que sólo él, Wyoh y el Profe conocían la existencia de Mike.

Sin embargo, Heinlein expone una “supuesta” ideología abierta, pero eso no sucede en el fondo. El caso más grave se da con los personajes femeninos, en especial con Wyoh. Una mujer independiente, autónoma y revolucionaria, lo cual no es óbice para que ostente un gran atractivo físico, sonría ante los piropos de los hombres y pase a un segundo plano en la historia y en la lucha por debajo del protagonista, Mannie.

Heinlein parece que pretendió desarrollar en la Luna un modelo familiar matriarcal, que justifica por la ausencia de mujeres en ese mundo colonial, pero muchas veces la libertad de las mujeres viene únicamente otorgada en una libertad de elección sexual, mientras que los principales cargos de la sociedad están ostentados todos por hombres, incluso en el nuevo gobierno que se forma en la Luna.

Esto me lleva a una de las afirmaciones que se suele hacer sobre Heinlein, su contrariedad ideológica mostrada en diferentes novelas, desde el sistema militar autoritario que aparece en Brigadas del espacio (Starship Troopers, 1959), hasta la postura revolucionaria izquierdista mostrada en esta novela, la cual de por sí tampoco se libra de múltiples contradicciones internas.

Esta variedad de registros y de mundos ficcionales de Heinlein no se debe, desde mi punto de vista a posibles ideologías del autor, sino a su naturaleza como escritor. Heinlein escribía como una forma de ganarse la vida. Escribía bien, era muy ingenioso y propuso muchos nuevos temas y perspectivas para al ciencia ficción, pero sus novelas parecen esquemas, llenas de arquetipos y elementos que siguen una fórmula. Es decir, desde mi punto de vista, Heinlein concebía la literatura como un medio, no como un fin en sí misma. En este sentido, La Luna es una cruel amante novela es otra prueba que corrobora mi opinión.

La liberación del amor

2011-07-26T09:12:00.001-07:00

Los Amantes (The Lovers, 1952)

Philip José Farmer

Traducción de Sebastián Nusta.

Acervo, Barcelona, 1982.

Al enfrentarse a los clásicos del género tanto se puede uno encontrar obras elogiadas hasta una sobrevalorización, cuya lectura actual permite atisbar lo desfasadas que se encuentran, como también se puede encontrar el punto contrario, obras cuya lectura actual continúe deleitando de igual manera al momento en que fueron escritas. La lástima reside en que a veces este segundo grupo de obras ha tendido a caer más en el olvido frente a los best-sellers que componen el primero. En este caso la sorpresa la he encontrado con Los amantes (The Lovers, 1952), de Philip José Farmer.

En Los amantes, Farmer nos presenta una sociedad futura distópica surgida de una terrible guerra bactereológica que ha exterminado a casi toda la humanidad a excepción de unos pocos grupos étnicos que han conformado tres grandes estados: la unión Haijac, conformada principalmente por hawaianos e islandeses; las repúblicas israelíes; y la federación malaya. El primero de los tres, en el que vive el protagonista, Hal Yarrow, es un estado teocrático totalitario (el Inglestado), todavía más creíble hoy que cuando fue escrito: estricta moral, control férreo, anulación de las libertades, educación cerrada en busca de una fidelidad absoluta al Inglestado, etc.

Por si fuera poco, este mundo está tan superpoblado que la población vive dividida en dos regímenes diurnos de 12 horas, de tal manera que media población trabaja mientras la otra media duerme. Por esta razón -la búsqueda de nuevos espacios y nuevos recursos-, el gobierno mantiene encubierto un programa de colonización de nuevos planetas, para extender por la fuerza los valores teocráticos del Inglestado. Hal Yarrow, un inadaptado en el mundo del Inglestado, se embarca en uno de nave colonizadora por su cualidad técnica de atón, es decir, un generalista que conoce un poco de varios ámbitos científicos sin ser especialista en ninguno. En la nueva sociedad alienígena artrópoda que puebla el planeta al que arriban, Yarrow irá descubriendo un mundo nuevo, libre, diferente, que le abrirá nuevas posibilidades, lo que llevaba buscando en la vida, la faceta que el Inglestado pretendía extirparle y que en el nuevo planeta se desarrolla.

Sin embargo, Hal Yarrow es un mediocre lingüista, por tanto, no comprende el prototipo de héroe, y vivirá su despertar a un nuevo mundo gracias a la amistad con el insecto Fobo y el amor que descubre en la extraterrestre de formas homínidas Jeannette. Ádemás, en la profesión de Yarrow se puede deducir una crítica a la especialización extrema donde las ámbitos científicos se convierten en ínsulas independientes o departamentos estanco donde surge la necesidad de generalistas capaces de traducir la información de un campo científico a otro.

La trama se estructura como un tríptico. En la primera parte se nos presenta la vida de Hal Yarrow en la Tierra, atormentado bajo el control del Inglestado, inserto en una sociedad en la que no consigue adaptarse y con un matrimonio abocado al fracaso. Debo destacar de esta parte de la obra la dura discusión matrimonial entre Yarrow y su esposa, Mary, que culmina con una relación amorosa carnal, vacía, realizada por la rutina que establecen los preceptos de la sociedad religiosa que les domina. La crudeza con la que el narrador revela la relación entre estos dos personajes, sumida en un odio mutuo encubierto en un amor fingido que les ha impuesto la sociedad, me resultó impresionante.

La segunda comprende el enfrentamiento entre la rebeldía creciente de Yarrow frente al control cada vez más estricto de su mentor espiritual, Pornsen, y que finaliza con la muerte del segundo, conocedor de la verdadera identidad de Yarrow y su desvío moral de las normas establecidas por Sigmen, el profeta de la religión del Inglestado. Dicho enfrentamiento no podía terminar de otra manera, para asistir al despertar de Hal, éste debía librarse de los brazos del Inglestado, representado por el mentor Pornsen.

La tercera es la que desarrolla a mistad de Hal con Fobo y el idilio romántico entre Yarrow, cada vez más libre de prejuicios, y la alienígena Jeannette, idilio que acaba en tragedia y con la revelación de todos los enigmas de la trama. El personaje de Yarrow ha conseguido su plena identidad y recibe toda la información nueva como un jarro de agua fría, pero el nuevo modelo de amor que ha conocido le parece tan puro que se ve incapaz de sentir repugnancia por haber estado con un insecto parasitario con cuerpo antropomórfico. Todo lo contrario, la sigue amando y así lo demuestra en su parlamento final: “¡Jeannette! ¡Jeannette! Si sólo me hubieras amado lo suficiente para decirme...” (227).

Se desprende en la obra un crítica al peligro que pueden suponer las religiones al controlar una sociedad y conducir un estado hacia el fanatismo religioso. En esta distopía de Farmer no existe diferencia entre religión y estado, pero, más que eso, la religión, con su profeta Sigmen, ha generado unos rígidos preceptos morales que oprimen la libertad y la naturaleza humana, e incluso su visión hacia el futuro, pues pretenden imponer el porvenir como una línea temporal fija e indiscutible, no como un sendero impredecible y enigmático.

La hipocresía moral de las religiones tan bien plasmada por Farmer en esta obra no ha perdido fuerza en nuestros días, pero curiosamente es el extraterrestre Fobo, en conversaciones de Yarrow, qien le discute los errores de los preceptos religiosos del Inglestado y quien le enseña que el hombre no tiene por qué regirse con un modelo moral prefijado, sino que puede elegir puesto que existen otros modelos de vida. Por esta razón, me sorprendió en la novela que son los humanos, con esa sociedad fanática, los que encierran en sí mismos la visión negativa de la humanidad, mientras que unos extraterrestres artrópodos, menos evolucionados tecnológicamente, representan las virtudes de la naturaleza humana.

Por otro lado, también merece la pena destacar el ejercicio prospectivo de ámbito biológico realizado por el autor. Farmer desarrolla un mundo alienígena con dos continenetes, uno donde la especie evolutiva dominante fueron los homínidos y en el otro los insectos, y cómo tras varios conflictos son los segundos los que se impusieron y exterminaron a los primeros. Pero no detiene ahí la especulación biológica, puesto que describe la sociedad de los insectos y sus diferentes posibilidades de evolución, incluido el formidable caso de parasitismo que representa la especie de Jeannette.

En conclusión, el escritor estadounidense Philip José Farmer consigue en Los amantes una mezcolanza interesante de tópicos clásicos del género (como la sociedad alienígena insectoide) junto a una visión y un tratamiento innovador (donde destaco el tratamiento que se le da a la relación matrimonial de Yarrow en la Tierra).

[Imagenes de:

http://clubdecatadores.files.wordpress.com/2011/04/philip-jose-farmer2.jpg

http://4.bp.blogspot.com/_ZvCGSCjzY_A/Sap47ZC6VOI/AAAAAAAARgQ/VrOLf4xP2HE/s1600-h/losamantes.jpg ]

TENSIÓN, COMPRENSIÓN Y COMIENZA LA DEMOLICIÓN

2011-06-21T08:42:00.000-07:00

Bester, Alfred (1953)

El hombre demolido (The Demolished Man)

Traducción de Manuel Figueroa

Minotauro, Barcelona, 2003.

Muchas veces se critican las obras denominadas híbridos, a pesar de que vivimos en una época donde la originalidad reside en el hibridismo, y en verdad muchos híbridos son criticables y no consiguen una armonía entre los elementos que ponen en juego. Éste no es el caso, Alfred Bester consiguió con su primera novela una lograda fusión entre la ciencia ficción y el género policíaco.

En un mundo futurista, un demenciado empresario, Ben Reich, ávido de poder, decide asesinar al magnante dirigente de la compañía que compite con la suya, Craye D'Courtney. El problema reside en que en ese futuro una pequeño porcentaje de la población posee percepción extrasensorial, o ESP (según siglas inglesas), por lo que son llamados “ésper”.

No se puede esconder un crimen a los telépatas, así que la novela no se centra en la intriga por desenmascarar al crimen, como un juego mental al estilo de la novela policíaca clásica como las de Agatha cristie o Arthur Conan Doyle. El hombre demolido se constituye como el enfrentamiento de la fuerte personalidad de sus dos protagonistas, el magnate megalómano Ben Reich, que en los momentos de mayor demencia acaba por deificarse a sí mismo, y el prefecto de policía, el ésper Lincoln Powell, obsesionado por cazar al asesino, por incriminar a Reich. Son personalidad obsesivas, que se enfrentan en objetivos contrarios: uno el acto del crimen, y el otro la salvaguardia del crimen. Así lo declara Santiago L. Moreno:

“En este auténtico thriller de ciencia-ficción lo importante no es el imposible crimen, que conocemos desde el principio, sino la lucha entre dos personas obsesionadas con sus respectivos papeles; policía y asesino, perseguidor y perseguido. Dos compulsiones diferentes pero complementarias; un hombre acosado por su propio fantasma, con el más depravado de los crímenes en mente, y otro, consciente de su imperfección interior, al que la persecución del criminal ofrece el acto definitivo de autoafirmación” [En: http://www.bibliopolis.org/resenas/rese0003.htm].

En esta introspección de los personajes, presentada por encima de innovaciones tecnológicas, se puede observar como Bester antepone el estudio de los efectos al hecho en sí, es decir, se centra más en los personajes que en la tecnología. Hablamos de un mundo futurista con telépatas, en el que Bester no se centra en el uso de la tecnología para atrapar al asesino, sino en un duelo mental, una batalla entre las personalidades de Reich y Powell, entre asesino y policía. Además, la telepatía se convierte en un herramienta de la que el autor se sirve para especular la estructuración posible en un mundo de telépatas, el cual es plasmado en la novela como una grupo elitista y cerrado. Con este detalle, Alfred Bester parece anticiparse a muchas de las propuestas de la New Wave.

Pero no sólo en este aspecto, pues este autor estadounidense, por medio del recurso de la telepatía, se permite una innovación tipográfica para representar el modelo comunicativo de los ésper, lo que se junta a premisas del psicoanálisis, como la canción que se introduce Reich en la cabeza para evitar que los ésper descubran sus intenciones -y que da título a este artículo-. E incluso una destacada carga onírica, especialmente en el personaje de Reich y sus pesadillas obsesivas sobre el hombre sin cara.

De este modo, y como señala Sergio Gaut Vel Hartman, en todo momento...

“...estamos presenciando el funcionamiento de la máquina más tortuosa del universo: la mente humana. Y el autor no es ajeno al proceso, ya que se demora todo lo que cree necesario para indagar en los laberínticos pensamientos del criminal. Sabemos qué trata de hacer desde un principio, pero las motivaciones son una incógnita para el lector, para los demás personajes de la novela... y hasta para él mismo. Tal vez el final, sobreexplicado, no esté a la altura del resto del libro. Bester no logró eludir ciertos clichés freudianos que no dominaba por completo, aunque sirvieran para encandilar a los lectores menos informados. No obstante, esta falla no es un lastre importante y el libro se lee con placer como si hubiera sido escrito recientemente y no hace más de cincuenta años” [En http://es.shvoong.com/books/science-fiction/112077-el-hombre-demolido/]

En conclusión, Alfred Bester introdujo en la CF cierta irreverencia, junto a una carga idealista basada en una filantropía (la mente del hombre malvado puede ser sanada, como sucede con Ben Reich) y una más que destacable voluntad de experimentación, aunque sin desviarse jamás de una vigorosa línea narrativa. Esta novela, junto con Las estrellas, mi destino (1956), hicieron de Alfred Bester un maestro desde la lejana década de los 50.

Erase una vez... un mundo andrógino

2011-05-26T09:30:00.000-07:00

Reseña de La Mano izquierda de la oscuridad

Le Guin, Ursula K. (1969), La mano izquierda de la oscuridad (The Left Hand of Darkness), en Ursula K Le Guin, Los Mundos de Ursula K. Le Guin: Los desposeídos, El nombre del mundo es bosque, La Mano izquierda de la oscuridad. Traducción de Francisco Abelenda para La mano izquierda de la oscuridad. Minotauro, Barcelona, 2008. Pp. 575-872.

Desde luego, me resulta difícil hablar de una obra y de una autora tan elogiada. Ursula Le Guin es una pluma en el género aclamada por unanimidad entre los aficionados, y La mano izquierda de la oscuridad, una de sus mejores creaciones, galardonada con el premio Nebula (1969) y Hugo (1970), y parte del llamado Ciclo Hainish o Ekumen.

Su argumento es conocido, y la extrapolación de índole antropológica que presenta igual: un diplomático humano, representante de una federación de mundos, el Ekumen, llega al planeta Gueden (también llamado Invierno) para firmar un acuerdo de comercio con sus habitantes nativos, antropodoides andróginos.

“Lo había intentado varias veces, pero mis esfuerzos concluían en un modo de mirar demasiado deliberado: un guedeniano me parecía entonces primero un hombre, y luego una mujer, y les asignaba así categorías del todo irrelevantes para ellos, y para mí fundamentales” (589).

La naturaleza ambisexual es al que ofrece mayor riqueza a la novela. Los ojos del protagonista, como extranjero, outsider, valen de puente entre nuestra realidad y el planeta fantástico ingeniado por Le Guin. A través de los ojos de Genly (Genry) Ai, podemos analizar nuestros prejuicios y las limitaciones de nuestro conocimiento como humanos ante lo incomprensible, lo ininteligible: los guedenianos y su forma de ser pausada, reflexiva, forjada en el frío de Gueden.

Sorprende también en la historia la forma que adquiere de diario personal, y la alternancia de voces, pues a parte de Ai, otro narrador importante será Estraven, detalle que se especifica en la introducción de la novela. Por lo tanto, muchos pasajes serán relatados por ambos desde el punto de vista de cada uno, lo que enriquece con una visión multiperspectivística la trama de la novela. En este cambio de narrador, encontramos la explicación del ciclo sexual de los guedenianos en el capítulo séptimo, titulado de por sí La cuestión del sexo, donde se cede el terreno a una nueva voz, la de la antropóloga Ong Tot Oppong, quien expone el asunto en forma de tratado.

Todo ello lo sazona la autora con un enriquecimiento del planeta Gueden: dos grandes naciones enfrentadas en una tensión constante e irresoluta, con una monarquía sustentada en un valido, Karhide, frente a un mundo altamente burocratizado, Orgoreyn; un clima inhóspito, duro, lleno de regiones heladas; un trama política extrañamente compleja desde nuestra óptica, pero coherente en sí misma, etc.

Pero más destacadas resultan las pequeñas historias, entre leyendas y mitos de Gueden, incrustadas en la trama, como En el corazón de al tormenta (capítulo segundo), o Estraven el traidor (capítulo 9). Para mi gusto, el más interesante de los mismos es el que constituye el capítulo 12, Del tiempo y de la oscuridad:

“Meshe es el centro del tiempo. El momento en que lo vio todo claramente llegó a él cuando había vivido treinta años en la tierra, y luego de ese momento vivió otros treinta años en la tierra, de modo que la visión ocurrió en el centro de su vida. Y todas las edades anteriores a la visión fueron tantas como serán después de la visión, que ocurrió en el centro del tiempo. Y en el centro no hay tiempo pasado ni tiempo por venir. No ha sido ni está por venir. Es todo. Nada queda oculto” (734).

La autora parte de la presentación de una especie andrógina que ignore desigualdades de sexo, y con ello plantea un mundo donde las tensiones entre naciones no se resuelven mediante el conflicto bélico, al quedar eliminada la antinomia de los dos sexos. He aquí la reflexión sobre la naturaleza humana, el elemento especulativo de la autora, los resultados de su hipótesis puesta a prueba. Todo un trabajo prospectivo. Por todos los elementos aquí esgrimidos, y muchos otros que se podrían mencionar, La mano izquierda de la oscuridad es uno de los clásicos del género, recomendable a cualquier lector.

[Foto tomada de: http://www.papelenblanco.com/fantastico-ci-fi/la-mano-izquierda-de-la-oscuridad-de-ursula-k-le-guin]

Automovilismo y pornografía

2011-04-25T08:54:00.000-07:00

Cuando uno tiene costumbre de leer una ciencia ficción más clásica, enfrentarse a la lectura de una obra como Crash (1973), del británico James Graham Ballard, resulta una tarea chocante y una sorpresa continua. Tras terminar la obra, uno se queda reflexionando sobre la misma, y sobre su extraño vínculo con el género.

Ya en la introducción Ballard escribe:

“A lo largo de Crash he tratado el automóvil no sólo como una metáfora sexual sino también como una metáfora total de la vida del hombre en la sociedad contemporánea. En este sentido, la novela tiene una intención política completamente separada del contenido sexual, pero aún así prefiero pensar que Crash es la primera novela pornográfica basada en la tecnología. En cierto sentido, la pornografía es la forma narrativa más interesante políticamente, pues muestra cómo nos manipulamos y explotamos los unos a los otros de la manera más compulsiva y despiadada” (12)

Y no miente, Crash es una mezcla de pornografía y automovilismo, una parafilia que incluye colisiones de tráfico, una excitación sexual emulsionada en la adrenalina de una muerte buscada. Todos los personajes de la novela, de una u otra forma hastiados de la rutina de una vida predecible, se obsesionan por dar realidad a todas las fantasías sexuales que se les ocurren, sean lo depravadas que sean.

Son representantes de una marginalidad carente de valores: prostitutas, infidelidad declarada bisexualidad, etc. Así, en la novela se busca una ruptura absoluta de tabús y se analiza el sexo como algo no ya sólo cosificado a un coche (objeto material), sino a actos fisiológicos, donde el único sentimiento es el placer, ausente de cualquier espiritualidad, lo que desvirtualiza el acto sexalidad, y lo convierte en mera pornografía, simplemente, un medio eudemonista (el placer por el placer).

Lo curioso de la novela, además de su discurso en fashback, y su comienzo in extrema res, es su modelo posmoderno, fuertemente introvertido, repleto de un lenguaje que busca la belleza en la escatología, de unas descripciones sumamente detalladas, recreándose en mostrar los aspectos más depravados de cada escena, en especial de los accidentes de tráfico, y la permanente mezcla de un léxico proveniente del ámbito del sexo con otro del automovilístico.

Aún así, más raro, si se compara con otras obras del género, resulta que el protagonista sea homónimo del autor, lo que confunde al personaje con la voz narradora y con el propio Ballard, el real de nuestra realidad. A ello se le junta el tiempo ¿Cuándo transcurre la novela? El mundo ficcional parece nuestro presente en todos los ámbitos, incluso hay mención de muchos famosos de la época en que se escribió la novela, especialmente de Elizabeth Taylor. La sociedad descrita, en ese espacio reducido del Londres próximo al aeropuerto, se asemeja en gran parte a la nuestra.

¿Acaso sus protagonistas son predecesores de una posible enfermedad social que se está extendiendo, y que mezcla el gusto por el coche con el placer sexual? Es más, si no fuese por la introducción, a mi me costaría incluir la obra dentro de la ciencia ficción? Considera que la especulación o prospección que realiza Ballard en su obra, no le lleva a recrearla en una sociedad futura distópica donde las enfermedad de los protagonistas sea una muestra de un síndrome patológico general que afecta a todos los individuos, sino que nos lo muestra sólo a través de unos pocos personajes, que si representan algo, son avisos de una sociedad que enferma, la del neoliberalismo, la de la clase social adinerada, que no encuentra sentido a su vida, que pierde todo tipos de valores y principios sociales, y se ahoga en prácticas extremas ausentes de ética.

Entretanto, el tránsito se mueve en un flujo incesante a lo largo del paso elevado. Los aviones despegan de las pistas del aeropuerto, llevando los restos de semen de Vaughan hacia los tableros y radiadores de un millar de coches aplastados, las piernas torcidas de un millón de pasajeros [215].

Así concluye la novela, con una mención extensiva, divulgativa, del mensaje de Vaugham, el mensaje del mártir que se suicida por la causa. Son palabras que parecer presagiar un advenimiento fáustico, un mundo donde los accidentes de tráfico se mezclan con pulsiones sexuales. En ese sentido, Crash sí se puede considerar un aviso para caminantes, ergo, sí, se puede considerar prospectivo.

[Fotos tomadas de: http://www.bonitoviaje.com/2009/08 y http://atrocityexhibitionfanzine.blogspot.com/2010/04/crash-de-ballard-mi-libro-de-sant-jordi.html]

Una guía de supervivencia ante los vampiros

2011-03-24T08:41:00.000-07:00

Richard Matheson (1954)

Soy Leyenda (I am legend)

Traducción de Manuel Figeroa

Minotauro, Barcelona, 2009.

Se les llaman clásicos de la CF, y alguno ya se lee avejentado, pero otros, aunque la fecha del futuro que quedó registrada en su momento de escritura haya pasado, su lectura y su carácter especulativo continúa vivo. Tal es el caso de Soy Leyenda, (I am Legend, 1954), de Richard Matheson, un escritor también muy vinculado con el género de terror. Sin duda, de vez en cuando conviene recordar por qué a uno le entusiasma tanto este género.

Infinitas veces se ha señalado de esta obra el hecho de que su autor cogiese un mito propio de la literatura fantástica y lo introdujese en un mundo fantacientífico para otorgarle, así, un valor nuevo. Efectivamente, se produce en la obra una ruptura con la clásica visión del vampiro que había generado, desde la obra de Sotker, toda una serie de literatura, la vampírica. Aquí el vampiro deja de ser ese ente simbolizador de la inmortalidad y los deseos sexuales insatisfechos para convertirse en el nuevo eslabón de la humanidad, una humanidad mutada, nueva, que brota de las cenizas de la anterior.

Por ello, y como debe ser obvio en la CF, para desligar a la figura del vampiro de su carácter sobrenatural, tiene que aparecer por el género mediante el filtro de la explicación lógica. Así, la novela contiene varios pasajes donde el protagonista, Robert Neville, va investigando la causa de la mutación de la humanidad en vampiros. Se aplica la ciencia al suceso fantástico para dotar de cognición a lo sobrenatural.

“Destilado de Allium estivum, un género de liliáceas que comprende el ajo, el puerro, la cebolla, el cebollino. Es decolor pálido y olor penetrante, y contiene varios sulfuros. Composición de agua, 64,6%; proteína, 6,8%; grasa, 0,1%;, hidratos de carbono, 26,3%; fibra, 0,8%; ceniza, 1,4%” (60).

Pero no es ésta la única alabanza que se puede realizar a esta novela. Su autor ha conseguido un conjunto de elementos bien ensamblados y una exposición narrativa de gran calidad y amena, donde domina ese ambiente de soledad del protagonista. A través de Robert Neville descubrimos su supervivencia obstinada en un mundo plagado de vampiros que asedian su casa cada noche: sus técnicas de defensa y abastecimiento, sus formas de matar el tiempo, sus despresiones, sus borracheras, su música, sus recuerdos...

Sí, recuerdos, porque a diferencia de muchas obras, Matheson presenta la genialidad de reconstruir los antecedentes que han llevado a la situación que inicia la novela mediante unas pocas evocaciones de Neville, escenas sueltas, pero suficientes para que el lector comprenda lo sucedido:

Neville

cuidando de su familia, con su mujer, Virginia, ya enferma, infectada, mientras sigue trabajando, con su compañero Ben Cortman.
La muerte de su hija, Kathy, y como se la llevan de sus manos para arrojar su cadáver al “pozo de fuego”, como dictaba una ley hecha como prevención sanitaria.
Cuando entierra a escondidas el cuerpo de su mujer en un solar abandonado, inclumpliendo la ley.

Son escenas concretas y de gran carga emotiva que van trasluciendo también los traumas de Neville, los fantasmas de su recuerdo, más poderosos aún que los que acechan cada noche en su puerta, esos vampiros liderados por el mutado Ben Cortman, quien siempre le insta a salir del domicilio.

A ello se le unen nuevos pasajes, sucedidos en ese mundo de vampiros, como la mujer que Neville saca a la calle para que la derrita el sol, o el perro que tantos esfuerzos realiza para domesticarlo y finalmente, se muere. Neville va degenerando en una frustración y soledad cada vez más honda, más enloquecedora, como un ermitaño. Sus cualidades sociales se merman, y de ello la narración ofrece atisbos, como cuando se asombra de oír su propia voz después de tanto tiempo al interrogara un vampiro que ha hecho prisionero (63), o cuando descubre a una persona andando a la luz del día, y con buenas atenciones, termina por atacarla y llevarla a la fuerza a su casa.

Éste es ya el último pasaje, el de la joven Ruth, la primera compañía que encuentra Neville y que finalmente resulta ser una espía de sociedad vampírica que querían estudiar a Neville, vestigio del viejo orden, una leyenda. Y hacia la desaparición absoluta de un mundo caduco en el surgimiento de uno nuevo camina la novela hacia su fin, cuando Neville descubre esa verdad, que él representa lo obsoleto, lo acabado, y por ello es una leyenda.

[Fotos tomadas de:

http://www.vootar.com/Libros/Ciencia-ficcion?pagina=3

http://lamiradadeariodante.blogspot.com/2010/04/soy-leyenda-richard-matheson.html]

Ciegos vs plantas

2011-02-16T03:26:00.000-08:00

EL DÍA DE LOS TRÍFIDOS

John Wyndham
Minotauro-Edhasa, Barcelona, 1977.

El inglés John Wyndham legó al género una de las consideradas obras clásicas, justamente la que aquí nos ocupa: El día de los trífidos (The Day of the Trifids, 1951). La novela se presenta organizada en dos ideas: la ceguera universal, que se especula como consecuencia de armas secretas ocultas en satélites; y los trífidos, plantas con capacidad de movimiento y de lanzamiento de dardos altamente venenosos. Ello lleva a la mezcla del horror y la ciencia ficción que caracteriza a este escritor, como también se observa en Los cuclillos de Midwich (The Midwich Cuckoos, 1957) o El Kraken acecha (The Kraken Wakes, 1953).

La estructura de la obra es muy sencilla. Empieza con el protagonista en el hospital, recuperándose de una cirugía ocular, cuando descubre que no hay nadie allí y que todo el mundo está ciego. Entonces aparece una analepsis o vuelta atrás donde el protagonista nos relata los precedentes de su vida, así como el surgimiento y proliferación de los trífidos, creados por experimentación humana y cultivados por todo el planeta. Una vez puesto en antecedentes el lector sobre el mundo ficcional, el resto de la novela se constituye en las desventuras de Bill Masen por este mundo posapocalíptico, sus relaciones con otros supervivientes que va encontrando y sus pugnas con los inexterminables trífidos, hasta que al final se une a la comunidad que más posibilidades tiene, según su punto de vista, de sobrevivir en el futuro aciago que se avecina.

Los personajes resultan arquetípicos, y destaca una inocencia sublime en la mayoría de los supervivientes. El protagonista, Bill Masen, es el prototipo de héroe, bondadoso, atento, sacrificado, que pronto se une a un modelo femenino, Josella Payton, representativo de valores tradicionales, cuya mayor rebeldía fue escribir un libro de escandaloso título, pero de banal contenido. El resto de personajes se van alineando con ellos y lo único en lo que difieren es en la presentación de métodos para subsistir al caos y derrumbe de la civilización en el que están inmersos. Esa actitud benevolente se observa en detalles, como, por ejemplo, la obcecación en hacer sobrevivir a la máxima cantidad de ciegos posible.

Pocos personajes, muchos de ellos simple ambientación de fondo en la narración, representan la otra faceta humana, más oscura, más preocupada por la propia supervivencia sobre los demás, competidores con él en un mundo cada vez más escaso de recursos. Entre ellos destaca el pelirrojo, el señor Torrence. Pero en general me sorprende al facilidad con que la gente se asocia nuevamente en pequeños grupos para aumentar así sus posibilidades su subsistencia. Sin duda, ello se relaciona con las múltiples reflexiones que realiza Masen sobre la naturaleza gregaria del ser humano, pero tras ello enseña Wyndham una visión muy benevolente del ser humano, representada por los valores de justicia, solidaridad y dedicación a los demás que encarna el protagonista.

Por otra parte, el modelo de terror y de CF de Wyndham choca al plantear un mundo apocalíptico con una ceguera como plaga mundial y unas plantas móviles como enemigo letal. Ambos aspectos parecen mover la obra más hacia el lado de la parodia, lo que se contradice con el aspecto serio que el autor otorga a la narración.

Me pareció curioso que tanto la ceguera como los trífidos los usara el autor como pretextos para reflexionar sobre la naturaleza gregaria del ser humano y sobre los sistemas sociales: la ideología que los sostiene, los intentos de trasvasar esa ideología a la práctica y si consiguen o no adecuarla a las circunstancias. De esta forma la soledad aparece como un desamaparo, desangelo, desesperanza en el personaje. Bill Masen se abate en los fragmentos en que pasea en soledad por los restos de la civilización.

Respecto a los sistemas sociales, se observa que el protagonista no se decanta por ninguno en especial, a todos pone pegas, o indica sus imperfecciones o defectos. Además, analiza, especialmente, sus implicaciones dadas las circunstancias apocalípticas que rodean a las pequeñas sociedades supervivientes. Ni sistemas totalitarios como el del pelirrojo, el señor Torrence, ni con base religiosa basada en la solidaridad, como el de la señorita Durrant, ni siquiera el que emigra a la isla de With, el grupo de Michael Beadley, son utópicos en el sentido de la palabra, pero es el último el que se presenta con mayor sentido común a Bill Masen por ser el que más posibilidades tiene de afrontar el futuro que les espera, de una progresiva barbarie según vaya desapareciendo o inutilizándose la tecnología.

La fantasía de Bradbury

2011-01-07T09:27:00.000-08:00

BRADBURY, Ray

Fábulas fantásticos

Colección de El Mundo, Las novelas del verano

Unidad Editorial, Madrid, 1998.

Fue un regalo de los Reyes Magos que apareció en una librería de antiguo en algún lugar indeterminado que nunca me dijeron. Tarde en decantarme por su lectura, pero haberla realizado y regozar con la prosa lírica de Bradbury tiene su recompensa. La presente edición recoge las siguientes narraciones de este escritor estadounidense: El siguiente de la fila, Esqueleto, El peatón, El gran incendio, Las doradas manzanas del sol, tomados de las colecciones originales The October County y The Golden Apples of the Sun. A continuación, los expongo en cada caso particular, de menor a mayor relación con el género.

El gran incendio nos presenta a una familia preocupada por una niña, la única que posee nombre propio, Marianne, dado que los demás se llaman por las relaciones de parentesco, papá, mamá y la abuela. Y, para más inri, no es Marianne una hija, sino una sobrina.

En el relato los padres, molestos de la convivencia con la joven, que usa la casa como hostal (dormir y comer) esperan ansiosos que su pretendiente le pida a Marianne la mano en matrimonio y así termine alguna frustración personal que sugiere la narración que había tenido la niña y que la había abocado a vivir con sus tíos. Pero sus esperanzas se frustran al observar la abuela que el supuesto pretendiente no es un hombre, sino muchos, y que Marianne está saliendo con muchos jóvenes para aumentar así su autoestima. El relato termina con la aceptación de la carga que les supone Marianne.

El siguiente de la fila es la narración más extensa de la presente colección, que nos muestra a un matrimonio estadounidense de turismo en un pequeño pueblo mexicano. Curiosamente, Joseph y Marie, son dos visiones opuestas de la muerte, concepto sobre el que se fundamentan los rituales del pueblo. Joseph se siente atraído por la muerte y tiene deseos de visitar las momias del cementerio, que son cadáveres desenterrados cuyo rigor mortis desvela una parte de su antigua vida. Marie, por contra, es la superstición y el miedo, el aislamiento de una cultura que no comprende y un idioma que desconoce. Su estancia en el pueblo irá alejando al matrimonio más a más. La narración nos va mostrando a una Marie cada vez más enfermiza, más obsesionada, hasta que al final se tumba en la cama boca arriba y no contesta a las insinuaciones de su marido sobre que ella será otra momia más del cementerio. Así llegamos al párrafo final, donde aparece Joseph conduciendo su coche por el desierto mexicano, solo, y a veces mira el asiento vacío a su lado. Sólo un detalle nos desvela lo sucedido, “en el brazo izquierdo llevaba una cinta de seda negra” (47).

Esqueleto es más fantástico, digamos. Aquí el protagonista es un hombre a quien le duelen los huesos y en una visita al médico, comienza a obsesioanrse con la idea de que en su interior hay un esqueleto. Tanto es así que se enfada pues lo considera un parásito de su fisionomía y desea librarse de él. La obsesión llega a un punto que llama a un misterioso médico, M. Munigant. Cuando su mujer llega a casa, se puso a gritar, pues “muchas veces, en la niñez, Clarisse había corrido por las arenas de la playa, y había pisado una medusa de mar, y había chillado entonces. No es tan horrible encontrar una medusa de mar gelatinosa en tu propio vestíbulo. Puedes dar un paso atrás. / Es terrible cuando la medusa te llama por tu nombre...” (70) [en cursiva en el original].

Sí son propiamente de CF los dos que restan. El primero, El peatón, es una breve y bonita distopía donde el protagonista, Leonard Mead, pasea entre las calles frías y oscuras de una ciudad fantasma en 2052. Nos va relatando en sus reflexiones cómo la gente ya no sale fuera, se queda en sus casas absorvida por la televisión y que ya no leen, por lo que cuya profesión, escritor, ha dejado de existir. Es un individuo resistente al cambio, el bastión de un mundo pasado y terminado. Así que cuando le encuentra la policía, no entiende sus razones, le toman por un loco inadaptado y se lo llevan en el coche patrulla. Y ese fue el último sonido que se oyó en las calles de la ciudad.

Por otra parte, más lírico aún y simbólico, tenemos Las manzanas doradas del sol, donde una expedición se adentra en nuestra estrella para robar un pedacito de la misma y usarla como pila energética en la Tierra. Encontramos citas poéticas sobre el sol y su función, juegos entre calor y frío, entre la oscuridad del espacio y la luminosidad ardiente del astro... Un pequeña joyita en esta colección.

Este libro aparece así como un entremés de este controvertido escritor estadounidense que ha regalado obras de muy diversa calidad literaria, y que ha sido vinculado y desvinculado con la CF en numerosas ocasiones. Desde mi perspectiva, disfruto con el tono lírico, cercano a la poesía, es sus narraciones, y su estilo sencillo, fácilmente legible, sus descripciones coloristas, diálogos de frases cortas, sintaxis poco encorsetada, etc. En conclusión, otra forma de descubrir a Bradbury fuera de sus obras cumbre como Farenheit 451 o Crónicas Marcianas.

[Foto tomada de: http://www.artesuniversales.com/category/ebooks-pdf-ray-bradbury-fabulas-fantasticas/]

Revisión de clásicos, Puerta al verano

2010-10-20T02:55:00.000-07:00

HEINLEIN, Robert A.
PUERTA AL VERANO (The door into summer)
Colección solaris ficción, Nº 21, La factoría de ideas, 2002.

Puerta al verano es recordada hoy como una clásica novela de viajes en el tiempo. Su protagonista, Dan B. Davis, ingeniero de profesión especializado en robótica, es uno de los cronoviajeros más famosos, tras el de Wells, carente de nombre. Su autor, Robert A. Heinlein, indiscutible figura en la historia del género, y hoy problemático para definir dadas las opiniones tan diversas que han suscitado sus obras, pero sin duda, un escritor del que ningún aficionado puede eludir la lectura de alguna de sus obras, como mínimo de Tropas del espacio (Starship Troopers, 1960). La presente novela no es una de las obras más destacadas de su producción, pero sí adecuada para iniciarse en la lectura de este autor norteamericano.

La fábula se organiza en partes según los viajes en el tiempo del personaje. Por tanto, hay una parte primera, iniciada in media res, que se constituye por la presentación de la trama, la exposición de los antecedentes, y la conclusión con el primer intento fallido de venganza del protagonista. La segunda parte es su estancia en el futuro, intentando reconstruir los años que ha pasado criogenizado y recobrando su vida anterior. Entonces decide volver atrás y cambiar los hechos, lo cual le lleva hacia la visita al profesor universitario, al doctor Twitchell, y su forzado convencimiento para usar la máquina. La tercera parte es un retorno a los años 70', la resolución de la trama, de los misterios y agujeros de la primera parte y la consumación de la venganza, con un último viaje hacia el futuro, a modo de epílogo, donde se encuentra la reflexión de Heinlein sobre los viajes a través del tiempo.

Los personajes, fuera del protagonista y del gato, son más bien arquetipos. Dan Davis funciona por los conocimientos en ingeniería que introduce en la trama y que aportan verosimilitud a la misma. Es diligente y visionario, un gran inventor, y además amante de los gatos. Por ello le acompaña Pet (abreviatura de Petronius, pero que supone un gracioso juego de palabras, dado que pet en inglés significa mascota), muchas veces más humano que otros personajes de la obra, adicto al ginger ale y que incluso en distintos momentos parece conversar con el protagonista.

Los otros personajes, en cambio, son esquemáticos, especialmente los femeninos. Sólo hay dos mujeres y cada una representa a uno de los fenotipos posibles: la femme fatale, un súcubo, representada por Belle; y la niña, Federica, llamada Ricky, que es el opuesto, la mujer virgen e inocente, la donna angelicata, enamoradiza, fiel, una Penélope. Tan fiel que a pesar de su amor platónico por Dan Davis, decide acompañarlo al futuro, lo cual resulta, en mi opinión, forzado para conseguir el final feliz y recompensar al protagonista en el amor, además de la fortuna.

El socio Miles Gentry es el amigo traidor, que se deja seducir por Belle. En su contrario tendríamos a John y Jenny Sutton, el matrimonio de nudistas que encuentra Dan B. Davis al volver a los años 70'. Ellos representan la fidelidad de los amigos, pues no traicionan la confianza que Davis deposita en ellos cuando establece un nuevo negocio. En la breve estancia inicial del protagonista en el futuro encontramos pocos personajes. Por un lado, el amigo ingeniero del futuro, del año 2000, Chuck Freudenberg, que le da la idea de volver a los 70' en la máquina del tiempo. Por otro, el profesor, el doctor Twitchell, que se opone a dicho viaje, es un obstáculo que salva Davis mediante el engaño y la provocación. Probablemente ésta sea la parte más difícil de aceptar de toda la trama.

Como se observa, los personajes de la novela se estructuran en torno a Dan B. Davis en dos bloques: el de los adyuvantes y los opositores. Ello me permite especular que Heinlein trabaja sobre un esquema preconcevido, con personajes tipo, donde sólo destacan el protagonista, ingeniero y amante de los gatos, y su compañero Pet, continuamente personalizado. Es sabido que Heinlein escribía como forma de ganarse dinero, hecho destacable de que mucha de su producción apareciera primero en revistas pulp, en las que podía obtener un buen incentivo por palabra publicada. Prueba es que la inicial publicación de Puerta al verano se realizó por entregas en 1956 en The Magazine of Fantasy & Science Fiction.

A mi juicio, lo más destacado de la obra se haya en el recurso fantacientífico que erige la trama: el viaje en el tiempo. Aquí la historia no se ve distorsionada. Heinlein evita la paradoja y presenta la intervención individual concienciada, es decir, que mide la repercusión de sus actos y sólo actúa en labor a su venganza personal, en beneficio propio, sin menor intención de intervenir en los hechos históricos. La fábula, por tanto, es la historia personal de Dan Davis, que se ve estafado por su socio y su supuesta amante. La trama se centra en esos personajes, por ello no entra la paradoja temporal, no tiene cabida en este tríptico amoroso entre Davis, Miles y Belle. Además, Heinlein, en la voz de su protagonista, termina la obra reflexionando sobre los viajes en el tiempo:

“Consideremos en hipótesis. Cuando piensas en ello desde un punto de vista matemático todo parece perfectamente lógico. Supongamos que tomamos un conejillo de indias, blanco con manchas castañas. Lo ponemos en una jaula de tiempo y lo lanzamos a una semana hacia atrás. Pero una semana antes ya lo habíamos encontrado allí, de modo que entonces lo habíamos puesto en una conejera consigo mismo. Tenemos por lo tanto dos conejos de indias... aunque en realidad no es más que un conejillo, puesto que uno de ellos es el otro, una semana más viejo. De modo que cuando cogimos a uno de ellos y lo lanzamos una semana atrás y...” [218].

Poco después el personaje lo explica diciendo “«Hay una divinidad que forma nuestros fines, por más que tratemos de moldearnos a nuestro antojo». Libre albedrío y predestinación en una sentencia, y ambas cosas ciertas. Hoy solamente un mundo real, con un pasado y un futuro” [220].

Heinlein niega así la solución de los universos paralelos. Cierra las posibilidades a una única línea temporal y establece un equilibrio entre la predestinación histórica, el fatum de cada individuo del cual resulta imposible huir, junto con el libre albedrío, ilusión provocada por la ignorancia humana ante el porvenir. Por ello, en Puerta al verano la historia -con mayúsculas- no se ve alterada, porque ya había previsto la venganza personal de Dan Davis y le había concedido la recompensa: una puerta al verano.

[Fotos tomadas de:

http://www.fantasymundo.com/articulos/2530/puerta_verano_robert_heinlein

http://robert-heinlein-fansite.blogspot.com/2007/07/quotes-from-stranger-in-strange-land.html]

LA SOMBRA EN EL EDÉN

2010-09-29T01:53:00.000-07:00

Reseña de LA FUGA DE LOGAN

Ficha técnica:
Título original: Logan's Run
Año: 1976
Dirección: Michael Anderson
Guión: David Zelag Goddman (basada en la novela homónima de William F. Nolan y Clayton Johnson)
Música: Jerry Goldsmith
Escenografía: Robert De Vestel
Vestuario: Bill Thomas
Efectos especiales: L. B. Abbott
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer
Reparto: Michael York (Logan 5); Richard Jordan (Francis); Jenny Agutter (Jessica 6); Peter Ustinov (Hombre viejo); Farrah Fawcett (Holly)

Sinopsis: un futuro donde la humanidad vive en una ciudad burbuja con servomáquinas que satisfacen todas las necesidades, por lo que se abandonan a una vida hedonista de perpetuo placer. La pega reside en que la edad máxima permitida es la treintena, al cumplir la cual debe el individuo acudir ante una máquina para realizar un ceremonial del “carrusel” que le “recicla”. El protagonista, Logan 5, es un vigilante encargado de que nadie eluda su funesto y predicho final. Cuando es el turno de Logan, éste, en vez de aceptar su sacrificio, decide emprender la huida, en busca del santuario donde se promete una vida más longeva.

El filme, del año 1976, es adaptación de la novela homónima de William F. Nolan y George C. Johnson. Reconozco no haber leído el libro, pero existe en artículo en wikipedia sobre las diferencias entre la novela y su adaptación cinematográfica: http://en.wikipedia.org/wiki/Logan%27s_Run_%281976_film%29#Differences_between_the_novel_and_film. Bien es cierto que los efectos especiales han quedado desfasados, pero la película sigue entreteniendo, con un ritmo ágil y una trama basada en sucesión constante de aventuras, donde las pausas las constituyen los momentos reflexivos sobre el apocalíptico futuro.

Nefasto es el porvenir que pinta, pues si bien en primera instancia parece el paraíso, en realidad se entreve una humanidad degenerada a los placeres, controlada por máquinas, meros niños, como los Eloi de Wells. Además, treinta es la edad máxima, edad no sobrepasable. ¡Juventud, único tesoro! La obvia escusa de la superpoblación provoca que incluso el destino de los hombres quede en manos de la máquina, dios omnipresente en la ciudad burbuja.

La estructura es clásicamente distópica, con los elementos indispensables: aparente futuro perfecto, protagonista con posición destacada en el sistema y que reflexiona sobre el mismo, movimiento de resistencia portador de los valores que se conectan con nuestro presente, pretensión de crítica (huida del protagonista), etc. La mayoría de estos elementos que provienen desde los clásicos de la distopía como Nosotros (We, 1921) de Zamiatin o Un mundo feliz (Brave new world, 1932) de Huxley.

Como aspectos fuertes del film: la trama; la interpretación del hombre viejo (Peter Ustinov), personaje muy cuidado; la psicodelia de la ciudad, una maqueta de aspecto futurista; el ritual de renovación llamado “Carrusel”; la libertad sexual tratada en el film de forma evidente, aunque púdica, etc. Como aspectos detestables: la pésima escena con el robot Box en una cueva helada, poco creíble y más que terrorífica, cómica; los decorados dentro de la ciudad casi infantiles, poco creíbles, que parecen de plástico; defincientes efectos especiales en ciertas escenas; la música que parece de videojuego de marcianitos...

Un año más tarde llegaría La guerra de las galaxias (Star wars, George Lucas, 1977) y cambiaría la forma de presentación de los efectos especiales y relanzaría el género de la space-opera. La fuga de Logan constituye, por tanto, una de las últimas películas distópicas de los años 70. Todas las deficiencias de efectos y decorado de La fuga de logan, que en parte se habían erigido en obsoletos recursos del cine de CF, desaparecerán en la creación de Lucas.

Finalomente, desde 1994 hay noticias sobre pretensiones de realizar un remake, que al final parece que llegará a los cines en 2012. ¿Acudiremos nuevamente a una reinterpretación hollywoodiense de clásicos de CF como La guerra de los mundos (The war of the worlds, de 1953 la original y de 2005 el remake) o Ultimatum a la tierra (The day the earth stodd still, de 1951, el remake de 2008)? Lo siento, pero servidor prefiere el producto clásico, aunque anticuado en su presentación, que la desvirgación actual, auténtico atentado cinematográfico a obras que no habían fallecido gracias a la entrega de los aficionados de la CF.

Imágenes tomadas de:
http://cine-fantastico.blogspot.com/2009/11/la-fuga-de-logan-1976.html

Mundos en el abismo

2010-08-10T07:15:00.000-07:00

Aguilera, Juan Miguel y Javier Redal

El intento de realizar una obra hard en español incide en una apabullante plausibilidad a través de conocimientos científicos y técnicos, pero pierde legibilidad y rezuma una escasa calidad literaria. Si los fragmentos con carga técnica ralentizan la acción y entorpecen el ritmo de lectura, el resto de la obra se convierte en un cúmulo de aventuras propio de una space-opera.

El argumento, para quien no lo conozca, y sin ánimo de desvelarle el final, relata como la Utsarpini, un reciente imperio estelar, envía una nave a investigar la destrucción de otra nave de fusión, modelo rickshaw, que pertenece a otro imperio con el que compite por la hegemonía de la zona. En el velero de la Utsarpini embarca forzosamente el protagonista, Jonás, biólogo de profesión. El misterio de la nave destruida ira conllevando una serie de descubrimientos científicos, junto a complicados complots políticos, en oleada creciente, que sumergen al lector en una trama envolvente, aunque a mi juicio de resolución previsible.

La obra es, en definitiva, un compendio de aventuras dentro de un mundo ficcional que es el universo de Akasa-Puspa, donde la información se nos va ofreciendo dosificada, unida al proceso investigativo de los protagonistas, y que termina por ofrecer una explicación de la historia y del provenir de Akasa-Puspa, es decir, del cúmulo estelar que rota lentamente por la galaxia y que atrapó a nuestro Sistema Solar.

Sin embargo, al final aparece un epílogo obliga a reestructurar toda la obra. Una conversación telepática entre dos colmeneros, seres adaptados a la vida en el cosmos, que mencionan su labor de vigilancia de los hechos que acaecen en la galaxia a lo largo de su extensa vida cósmica. Considerados por los humanos a lo largo de la novela como criaturas de inteligencia limitada con las cuales casi no han conseguido interaccionar, la mencionada conversación que cierra la obra ofrece una interpretación final a los hechos en ella narrados. Si los colmeneros son vigilantes galácticos, no son tan primitivos como se había considerado, sino que se aventura que puedan ser evoluciones ulteriores del hombre adaptadas al vacío espacial. Por si fuera poco, su diálogo y la apuesta que ambos realizan por un “turno de vigilancia” abren la puerta a nuevas aventuras en el cúmulo estelar denominado Akasa-Puspa.

Ajeno a la estructura de aventuras al modelo space-opera, lo que destaca y supone un glorificación de Mundos en el abismo es la vertiente hard de la misma. Los conocimiento técnicos que esgrimen sus autores a lo largo de la novela merecen más de una alabanza, detalle que se corrobora con el protagonismo indiscutido de los científicos que pueblan la obra, en especial Jonás, el personaje principal, y que se contrapone a la otra mitad de los personajes, los militares, que personifican la vertiente de la novela, la de aventuras.

En referencia a esos conocimientos técnicos de Mundos en el abismo, he de mencionar que lo que a un lego le suena coherente, compuesto por una labor documentativa exhaustiva y cuidada, a un docto le parece verosímil. En concreto en una conversación que mantuve con el profesor de Física Teórica de la UCM Guillermo garcía Alcaine, gran aficionado al género, éste señaló que la presente obra constituía una de las mejores y más solidad obras de CF españolas. Y esa es una buena consideración dado que los gustos específicos de este aficionado son en su mayoría hard, o con relación con la física.

Aguilera y Redal destacan por su sólida formación científica y la obra la han querido modelar a través de la verosimilitud científica que culmina en Akasa-Puspa. Este hecho ha llevado a los autores a centrarse más en el mundo ficcional y en otorgar a ese universo de múltiples tramas, pero ha dejado en segundo plano a los personajes, que pululan por la obra en número excesivo y como meros estereotipos.

Por lo tanto, mis críticas negativas han de centrarse en la narración de la novela, de escasa calidad literaria a mi parecer. Eso es lo que le pido a un libro como filólogo que soy, y aquí

no lo he encontrado, más bien todo lo contrario. Eso sí, en defensa de sus dos autores y de su colaboración -elemento difícil de conseguir- hay que recordar que es una novela de juventud. No obstante, la escritura colaborativa de Aguilera y Redal presenta disonancias, en muchas ocasiones hay una diferencia estilística que hace suponer una pluma diferente. Es probable que intentaran aunar después los fragmentos que diseñaría cada uno de ellos, pero sólo consiguen una aparente sensación de homogeneidad.

Escasez de recursos literarios, en un lenguaje llano y denotativo, con gran carga de diálogos, con gran cantidad de personajes, prácticamente todos planos, y un narrador conservador, heterodiegético y extradiegético (en tercera persona, ajeno a la historia y omnipresente), una estructura lineal, narrada cronológicamente igual a la historia. Eso sí, fragmentaria, pequeño rasgo que la vincula a la modernidad. Estos rasgos definen el estilo de Mundos en el abismo y corroboran lo que vengo afirmando.

También me disgustó que en múltiples ocasiones las declaraciones de los personajes se volvían incluso incoherentes con el carácter que los autores pretenden destacar de los mismos. Junto a este aspecto, pueblan la narración muchas descripciones se vuelven extensas en exceso, compuestas por comparaciones y plagadas de oraciones copulativas que recrean un ritmo monótono y una estructura repetitiva. También se ha criticado el comienzo de la novela, lento y plagado de términos obtusos que dificultan la entrada del lector en el universo ficcional que configura la obra. Perfectamente se podría argüir que se trata de una prueba de fuego para el lector, Un escollo quizá poco aconsejable en un público tan reducido como es el de los aficionados de CF españoles que se animen con una obra autóctona. Desde luego, quien en verdad desee penetrar en esta obra y continuará su lectura para descubrir la compleja trama de Mundos en el abismo. Por mi parte, tanto término anómalo relacionado con el sánscrito vislumbra el rico universo de Akasa-Puspa.

En conclusión, Mundos en el abismo se trata de una novela de lectura sencilla -excepto en ciertos puntos de carga técnica considerable, como durante el estudio de los cintamanis-, dado su lenguaje llano, el predominio de los diálogos, y su trama in crescendo que no tarda en atrapar al lector. Sus desventajas, ya las señalé arriba: un pobre reto a la lectura y una gran dosis de aventuras. Aún así, un de las obras más destacadas de la producción fantacientífica española de lectura imprescindible.

[Fotos tomadas de:

http://untinterodesapphire.blogspot.com/2009_12_01_archive.html

http://www.cyberdark.net/portada.php?edi=6&cod=389]

CUENTOS DE CLARKE

2010-06-10T08:53:00.000-07:00

En 1998 El mundo, en acuerdo con Unidad editorial sacó una colección de libros muy finos que llamó “las novelas del verano”. Algunas eran de CF, como la que ocupa este espacio. En concreto el autor elegido es el aclamado Arthur C. Clarke, de quien ya se han tratado anteriormente en este blog sus novelas El fin de la infancia y Cita con Rama. En concreto ahora se abordarán algunos cuentos del escritor británico, aquí englobados bajo el título de el primero de ellos: 'El centinela'. El resto de relatos son 'Antes del Edén', '¿Quién está ahí?', 'En el cometa', 'El pacifista', 'El Muro de oscuridad' y 'La estrella'.

'El centinela', famoso por ser la narración precedente a 2001: odisea en el espacio, el film que dirigio Kubrick y cuyo guión escribió en colaboración Clarke y de la cual después escribió varias secuelas. El cuento es breve y no otorga la posibilidad de duda al lector. El narrador, un explorador espacial que encuentra un monolito en el monte Olimpo, en Marte, desvela toda la clave del mismo. El misterio que se mantiene en los libros y en la película sobre el extraño artefacto alienígena en el Centinela era totalmente desvelado.

'Antes del Edén' se salva a mi juicio por la aclaración final, donde se produce un salto de perspectiva por parte del narrador. Aquí se cuenta la exploración en venus. Los astronautas descubren en un abismo una condensación de oxígeno un poco mayor a la habitual. Allí acuden ante la posibilidad de que dicha proporción de aire hubiera generado vida. Hallan un ser vivo, un liquen que se arrastra por el sueño en busca de alimentos. El epílogo es demoledor. El liquen se alimenta de los desperdicios que habían abandonado los humanos tras finalizar sus estudios. En dichos desperdicios había bacterias y nuevamente la ignorancia humana provoca un desastre en el universo, el fin de una nueva vida que eclosionaba en un planeta. La moraleja es clara: el hombre no se haya aún preparado para la exploración espacial.

'¿Quién está ahí?' es un cuento que parece orientarse hacia el terror para terminar con cómicamente. Un astronauta se pone el traje espacial para realizar unos trabajos en el exterior de la nave. Una vez se encuentra en la omnipresente noche comienza a oír extraños ruidos. Le vienen a la mente leyendas de otro colega de profesión que desapareció misteriosamente. Se adueña de él el miedo y, de repente, algo le roza la nuca. Se desmaya y cuando despierta en la nave descubre que es el hazmerrier y que los ruidos tenían una razón lógica: había otro ser vivo en el traje, unos gatitos. Clarke muestra cómo el miedo es parte de la naturaleza humana y puede incluso con los más inteligentes.

En el siguiente cuento, una nave acude a explorar un cometa. 'En el cometa' la nave sufre interferencias en el funcionamiento electrónico y el ordenador no realiza los cálculos correctamente. Cuando los astronautas están más deprimidos porque se ven incapaces de trazar un rumbo de vuelta a la tierra, al protagonista se le ocurre construir un ábaco. Con este artilugio tan antiguo consiguen salvarse y salir de la estela del cometa. Clarke demuestra la fuerza del ingenio humano y de la tecnología tradicional, capaz de seguir compitiendo con todos los ingenios electrónicos modernos. Además, es un aviso para caminantes hacia la excesiva dependencia que el hombre está generando con los máquinas.

'El pacifista' es un relato enmarcado en una narración mayor, ambas sobre el mismo tema, el hombre y la máquina. Si en la que hace marco unos compañeros en un bar se enfrentan a una inteligencia artificial en un juego, en el relato que narra uno de los presentes en la taberna se describe la creación de un cerebro electrónico capaz de generar todas las estrategias militares necesarias que conduzcan a un ejército a la victoria. Pero el proyecto fracasa dado el desacuerdo constante entre militares y científicos. Sin duda, vale más la pluma que la espada. Dicha afirmación se demuestra cuando el lector descubre la venganza del científico, consecuencia del tiránico control al que le sometía el militar director del proyecto.

La narración más extensa es 'El muro de la oscuridad', y también la más fantástica. En un extraño planeta la gente vive sólo en una franja latitudinal, la única que ilumina el sol llamado Trilorne. Al norte los hielos hacen inhóspita la región. Al sur se extiende progresivamente la oscuridad de las tierras sombrías cuya luz no baña Trilorne y que culminan es un formidable muro, construcción de una civilización antigua ya extinta. El protagonista, obsesionado por superar el muro, emplea su riqueza en construir una enorme escalera. El problema es que una vez superado el muro, el misterio no es más que un problema de física, tal y como lo explica uno de los personajes.

'La estrella no sólo cierra la colección, sino que él mismo termina con una afirmación contundente. En breve espacio este cuento posee enorme fuerza. Un padre jesuíta acompaña como astrónomo a una expedición que acuda a la nebulosa del Fénix a estudiar los restos de una supernova. Allí encuentran en un planeta errante desplazado de algún sistema solar los restos de una civilización que, intuyendo el ajusticiamiento al que les sometería el sol, guardaron para no ser olvidados todos sus saberes y riquezas. La fe se tambalea en el jesuíta se queda estupefacto ante el descubrimiento. Porque, al estudiar las cronologías, descubre que coincide con un hecho relevante en la historia de la humanidad. Ese final tan rotundo es la fecha certera que señalaba otro famoso cuentista, Horacio Quiroga, como requisito de un buen cuento.

En definitiva, cuentos cuya lectura se disfruta y que muestran los fuertes del escritor británico, los problemas que plantea a partir de sus conocimientos científico. Éstos destacan por encima de sus deficiencias, cuestiones puramente literarias, ya sea utilizando estructuras más tradicionales, a veces incluso decimonónicas, o presentando personajes planos o vacías, carentes de historia o carácter con lo que con dificultad escapan a simples cliches o tipos literarios prefigurados.

La Nave, de Tomás Salvador

2010-05-23T03:29:00.000-07:00

Tomás Salvador

LA NAVE

Destino, Barcelona, 1939

La primera incursión en el género de un autor consagrado del mainstreim tiene como resultado una de las mejores obras de CF españolas. La obra no es ninguna novedad dentro del género, se incluye en la variante de las naves generacionales, y similar a La nave estelar de Bran W. Aldiss (1958). Aquí Salvador aborda la pérdida de la memoria con la sucesión de generaciones que se van alternando en la Nave.

Salvador se propone, fuera de cuestiones técnicas y científicas, realizar una obra pura de CF mediante la especulación sociológica. En la novela la Nave es el equivalente a Dios, cubre sus necesidades vitales y sus habitantes la adoran con devoción. Esa circunstancia es la que favorece el olvido, la pérdida de la memoria e incluso del valor del tiempo. En la tradición sólo sobrevive la técnica, sin ser entendida. La ciencia se ha perdido por completo. La mente degenera, se pierde la lógica y se convierten en niños, pues se menguan sus fronteras mentales.

La novela se estructura en tres partes bien diferenciadas, incluso por la voz narradora. Los cambios del narrador muestran cierta experimentación y ofrecen dinamismo a la novela que por la historia podía peligrar en un ritmo monótono que hastiase al lector. Este aspecto se corresponde con la enorme preocupación que el autor muestra por el lenguaje y la relación de éste con el conocimiento, que se convierten en un elemento indispensable para la liberación humana, una postura claramente platónica.

La primera parte se narra como un diario, donde conocemos al protagonista, Shim, desde las primeras entradas. Se le ha encargado la labor de redactar el libro de bitácora, tradición que se mantiene, pero cuyo propósito se ha perdido en el paso de las generaciones. Shim nos explica como es la Nave, como se organiza y, después, dada su inquietud, indagará en el Libro, la memoria histórica de la Nave. Así descubre al lector todas las razones que preceden a la situación donde se encuentran, le pone en antecedentes. El conocimiento le crea la duda, el relativismo, debe buscar una explicación a la tradición. De esta forma el protagonista se posiciona ante la degradación sufrida por los habitantes de la Nave, las injusticias del sistema social vigente y la pobreza intelectual que domina tanto a los kros (los poderosos que mantienen la tecnología) como a los wit (los bárbaros e inferiores de los niveles oscuros de la Nave). La última anotación de Shim queda interrumpida cuando debe ir a ver al gobernante Mei-Lum Faro con la intención de convencerle de que se debe mejorar, que se está perdiendo la humanidad de los habitantes de la Nave. La pérdida se ve reflejada en la oscuridad que va tiñendo el interior, en la luces que se apagan progresivamente. Finaliza con una inscripción del ayudante de Shim, Beni, que toma el Libro en una breve entrada para indicar cuál ha sido el destino de su maestro y que el Libro debe ser abandonado.

La segunda parte posee una narración tradicional, en tercera persona, centrada en el protagonista. Aquí Shim es recogido por el pueblo wit tras ser castigado por Faro: le cortan las manos y le destierran. Shim aprenderá a vivir con los wit, descubrirá sus secretos y la fuerza de la supervivencia, que otorga esperanzas al escriba mutilado. Se presenta la paradoja de que los bárbaros son en realidad otro modelo de civilización, un modo de adaptarse a la difícil vida de la nave sin la tecnología que mantienen los kros: su tradición es oral y demuestran la propiedad del ingenio humano ideando nuevos artilugios para mejorar su condición de vida. Con los wit Shim descubrirá la facultad de la luz. Y ello supone el renacimiento tras una etapa oscura y retrógrada que invadía la Nave. La luz disipa las tinieblas de la ignorancia que a su vez genera miedo. Se convierte el portador de la esperanza para los habitantes de la Nave.

La tercera parte, el canto de Natto, es la más floja. Ya en la introducción Salvador alude a la recreación de las literaturas nacionales mediante los cantos épicos. La Nave no podía ser distinta, y el bardo Natto realiza su cantar con los últimos días de Shim, ya nombrado Navarca. La pretensión del autor es realizar algo similar al Cantar del Mio Cid, pero el resultado queda pobre. Ignora casi todas las variantes formales de la épica medieval y se abandona a un verso libre, largo, excesivamente narrativo y, por ende, poco poético. Aunque anisosilábicos, los versos carecen de cesura y no se estructuran en tiradas de rima sonante. Además, Salvador incluye un exceso de pausas dentro de los versos, muchas veces provocando encabalgamientos abruptos, poco visibles en los poemas épicos medievales. En mi opinión dicho aspecto resta valor literario a una idea que originariamente resulta sensacional. Además, Natto adquiere excesiva subjetividad introduciendo y cerrando su canción y ofreciendo muchos rasgos de su carácter, como el de borracho, mujeriego y cobarde.

La importancia de la tradición, donde los prejuicios sociales y el miedo al cambio impiden conocer la realidad que porta el protagonista, se constituye en la base de la novela. Los símbolos de la luz como conocimiento, la relevancia del lenguaje como vía de acceso al mismo son elementos claves en La Nave. La novela destila una construcción bien concienciada, por parte de un autor buen conocedor del género, y no un simple ejercicio de estilo. Salvador era muy consciente de las posibilidades literarias que le permitiría la ciencia ficción, la cual seguiría practicando en años posteriores de su producción literaria, como se observa, por ejemplo, en Marsuf, el vagabundo del espacio, o en la trilogía Y, T y K (Killer).

La calidad de La Nave destaca tan sólo al rastrear su repercusión por el mundo del fandom: los artículos de Alfredo Benítez Gutiérrez (el principal defensor entre los aficionados de la labor de Tomás Salvador en pro de la CF); otro de Carlo Fabretti en el número 44 de Nueva Dimensión (ND), un apartado de Juan Manuel Santiago en Las 100 mejores novelas de Ciencia Ficción del siglo XX; otro artículo de Francisco José Súñer Iglesias en Pórtico 19; el artículo -que recopila los anteriores- de Pedro A. García Bilbao en La Ciencia Ficción Española de ediciones Robel (2002); una tesis de Oscar Casado exclusiva sobre la obra (Interpretación y apertura de una obra española de Ciencia Ficción: La Nave de Tomás Salvador); e incluso el apartado que le dedica Fernando Ángel Moreno Serrano en su tesis (La Ciencia Ficción en España: 1950-2000).

[Imágenes tomadas de:
http://tienda.cyberdark.net/ximg/opImg/bnave.jpg
y http://librodenotas.com/images/546.jpg]

CIENCIA FICCIÓN EN LA ARGENTINA

2010-04-09T01:15:00.000-07:00

LA CIENCIA FICCIÓN ARGENTINA
Comp.: Marcial Souto
EUDEBA, Buenos Aires, 1985.

Encontré en la biblioteca una antología de La ciencia ficción en la argentina, compilada por Marcial Souto (EUDEBA, Buenos Aires, 1985). La obra la conforman ocho relatos breves y dos extensos e intenta ofrecer una visión plural del cultivo del género en el país sudamericano. Sin embargo, su lectura me ha decepcionado y el conjunto de la compilación me ha parecido flojo [Sólo juzgo aquí la presente antología, no todo el cultivo del género en Argentina].

Para empezar, varios de los cuentos difícilmente se pueden encuadrar dentro del género fantacientífico. No me molesta que no sean ciencia ficción. Su lectura me ha resultado amena -en especial 'Sinfonía cero', de Carlos Gardini-, pero son, obviamente, relatos fantásticos. Esto crea una impresión de relleno y de falsedad, porque no se acogen a lo que promete el título de la antología.

Por ejemplo, 'Las escamas del señor Crisolaras', de Rogelio Ramos Signes, donde la mujer del protagonista homónimo narra como su marido se obsesiona por matar hormigas en el patio de su casa, remueve la tierra buscándolas, construye túneles y termina por convertirse en una hormiga gigante. Es un relato de transformaciones, una metamorfosis fantástica carente de explicación alguna.

Otro tanto se puede decir de 'La sueñera', de Ana María Shua, estructurado en varios microrrelatos que juegan con la frágil división entre realidad y sueño, creando superposiciones y paradojas entre ambos contrarios. Yo no hallo la ciencia ficción por ninguna parte.

Con 'Quiramir', de Eduardo Abel Giménez, encontramos un narrador ambiguo que vive en una ciudad subterránea porque la superficie del planeta es inhabitable. El género aparece sólo en los aspectos del futuro apocalíptico, pero en el fondo toda la narración es alegórica, así lo aclara el narrador al final del relato, cuando pone al descubierto incluso el propio proceso creativo:

“Podría decirte que Quiramir no es nada de lo que te estoy describiendo, sino un lugar vacío, un papel en blanco, donde se puede escribir lo que uno quiera con la seguridad de que, dentro de ese marco, lo que uno diga sea cierto, aunque no más concreto que los proyectos de un insomne [...]. Puede ser tu propia ciudad la que pretendo mostrarte, cuando te encuentro en medio del Puente de los Artesanos y te saludo levantando la visera de mi casco” (152).

Más estupefacto me dejó la lectura de 'Sobre las rocas', de Elvio E. Gandolfo, donde se cuenta la vida de un señor gordo que vive en una rocas de una playa alejada de una pequeña población de pescadores. Un día el hombre se queda solo porque los pescadores y los niños que solían pasar por allí no vuelven. Tras un largo periodo, aparece una vieja, que se ríe de él constantemente. Al final el gordo pregunta a la vieja que fue de los demás, y ésta responde que todos murieron. De ello se deduce una especie de apocalipsis o fin de la humanidad y que ellos son los dos únicos supervivientes.

La misma reacción me produjo 'Carteles', de Sergio Gaut Vel Hartman. Un hombre sale de casa y en la calle está rodeado de constantes carteles publicitarios. De repente estallan las luces y llega la oscuridad. Todo el mundo se asusta menos él. Entonces un cartel anuncia el inicio de una nueva realidad y nuestro protagonista se ha transformado en un cartel publicitario, lleno de etiquetas. Da la impresión de que ha atravesado el espejo, que ha pasado a la otra realidad, pero ese final queda abierto a la opinión del lector.

El relato más extenso de todos, 'Sinfonía cero', de Carlos Gardini, se subdivide en pequeñas historietas sobre un lugar extraño y acrónico (el tiempo no existe): la Llanura. Su llegada al lugar se produce porque sí, sin explicación, ni método ni tecnología alguno. El estilo me ha recordado a The Martian Chronicles, de Bradbury, pero no así el contenido. Cada historieta se transforma en una crítica encubierta de algún aspecto de la sociedad: la insatisfacción, la guerra, la vejez, la hipocresía... Es curioso por la cantidad de paradojas que presenta y los ricos juegos de palabras que contiene.

Para otro de los autores, Eduardo Goligorsky, la ciencia ficción es un pretexto para dar pie a sus pulsiones ideológicas. No obstante, su relato, 'En el último reducto', está narrado de forma ingeniosa porque se plantean dos planos superpuestos, con dos narradores diferentes cada uno, y además ofrece sólo un fragmento de vida, el final del protagonista. La historia está, por tanto, llena de vacíos que el lector debe completar.

De mediocre calidad, pero divertido en su lectura, es el relato de Alberto Vanasco, 'Post-bombum', que abre una vía hacia el humor. Los supervivientes a un apocalipsis se unen para reconstruir los saberes de la humanidad a base de yerros y falacias. El resultado es un cómico puzzle donde la mitad de las piezas faltan y la otra mitad han encajado forzosamente.

También hay espacio para la metafísica, con el relato de Juan Jacobo Bajarlia, 'Los sueños del innominado'. En mi opinión es un tributo a Starmaker, de Stapledon, con una entidad suprema, inaprehensible, que sueña consigo misma y termina por destruir la eternidad para no enfrentarse a su otro yo del sueño.

Considero que el mejor relato de la colección es 'Bajo las jubeas en flor', de Angélica Gorodischer. Aquí se nos narra la historia de un explorador espacial que es encerrado en un asilo mental del planeta que visita, y sin saber la razón. Va fraguando un plan de fuga, pero su convivencia con los otros internos, a quienes no entiende en absoluto, empeora. Las prácticas de éstos le desorientan, pues hablan de temas banales durante todo el día, y por la noche realizan orgías homosexuales. Los presos se organizan por grupos, cada uno dirigido por un venerable anciano. Cuando el anciano escoge al protagonista para ser sodomizado por el resto, éste se revela y asesina al sabio. Al día siguiente se enteran las autoridades, y dada la gravedad del delito (el asesinato no tenía precedentes en ese planeta), el protagonista es obligado a abandonar el planeta en su nave.

Dos aspectos me parece que se repiten en muchos de los relatos aquí recogidos. El primero es que la mayoría de ellos presentan un final abierto que obliga al lector a cerrar la historia o a reconstruir los que está sucediendo. El segundo es la gran carga de fantasía que tienen, que creo se debe a la tradición literaria del país y menciono en este punto, por ejemplo, a Horacio Quiroga, Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares o Julio Cortázar.

También hay dos elementos que sí quiero destacar se esta antología. El primero es la 'Introducción', donde Marcial Souto nos esboza con tres breves pinceladas la historia del género en la Argentina, y la segunda son las entrevistas que siguen a los relatos, donde se puede conocer mejor a los autores, pues hablan de su modo de trabajar, sus opiniones sobre la ciencia ficción, sus fuentes literarias y su postura ideológica.

CRÍTICA A AVATAR

2010-03-04T09:14:00.000-08:00

Mucho ha sorprendido la nueva película de James Cameron. Muchas críticas y reacciones de muy diversa índole ha despertado a lo largo y ancho del planeta. Sin duda, por sus espectaculares efectos especiales y el gran trabajo que han supuesto, merece los elogios que recibe. Sin embargo, tras analizar detenidamente el film, mi valoración no es tan positiva, pues el argumento me parece ramplón y propio de una space-opera.

En gran parte parece una film de sobremesa. La historia es de lo más simplona y predecible. Yo la reduzco al argumento de una película de indios y vaqueros, o más concretamente la historia de John Smith y la indígena Pocahontas. La diferencia es que aquí la clave fantacientífica da pie a Cameron para una reinterpretación de la historia donde son los indios los vencedores, o, interpretándolo en otro nivel, la victoria de las fuerzas de la naturaleza frente a la tecnología. También puede verse como una crítica al colonialismo, que recuerda a ese maravilloso diálogo del personaje Snaut en Solaris, de Lem (también citado anteriormente en este blog):

“No queremos conquistar el cosmos, sólo queremos extender la tierra hasta los lindes del cosmos. Para nosotros, tal planeta es árido como el Sahara, tal otro glacial como el Polo Norte, un tercero lujurioso como la Amazonia. Somos humanitarios y caballerosos, no queremos someter a otras razas, queremos simplemente transmitirles nuestros valores y apoderarnos en cambio de un patrimonio ajeno. Nos consideramos los caballeros del Santo Contacto. Es otra mentira. No tenemos necesidad de otros mundos. Lo que necesitamos son espejos” (Pág. 87-88. Edición de Minotuaro)

En este aspecto, lo más curioso que me resulto de Avatar fue el concepto de la conexión sináptica entre el mundo aborigen y su fauna animal, lo que justifica esa presencia espiritual de la naturaleza, que domina incluso la mística de los indígenas. Todo en Pandora está supeditado a la Diosa Madre, la Naturaleza, la enemiga de la tecnología, que es la intrusa traída los humanos.

Indudablemente, lo más especial es el espectáculo visual que presenta, con una rico cromatismo y una naturaleza rica y misteriosa en un ecosistema coherente y equilibrado. Desde luego, este aspecto me recuerda lo que hace especial a su director, su minuciosidad en los pequeños detalles. Como ejemplo, rememoro, en Terminator II, la imagen en que el terminator, interpretado por Schwarzenegger, saca la recortada de la caja de rosas, las cuales caen al suelo y después el ciborg pisotea una de ellas.

En mi opinión, prefiero esta otra obra en la filmografía de Cameron que su nueva creación. Terminator II es una película de acción con una reflexión detrás, en especial gracias al personaje de Sarah Connor (Linda Hamilton). Con las imágenes de la carretera de fondo, ella se pregunta acerca del futuro, si el destino del hombre está fijado de antemano, si nos queda libre albedrío en nuestra vida, si somos nosotros los que forjamos el mañana.

En conclusión, Avatar tiene mucho de bombo y poco de sustancia, un caramelo de envoltorio llamativo, pero insípido. Personalmente, he disfrutado más con películas de menos efectos especiales, pero argumentos más sólidos y reflexivos. Recomendaría ver esta película, pero no la incluiría en mi filmografía selecta del género fantacientífico.

EL OTUSIDER

2010-01-31T08:27:00.000-08:00

Revisión de los clásicos:
Mi nombre es legión, de Roger Zelazny.

Constituido por tres relatos, Mi nombre es legión, de Roger Zelazny, presenta varios trabajos de su narrador protagonista, un outsider que sobrevive ajeno en un mundo donde todo está registrado y controlado. Sin duda, un problema que se vislumbraba en la época en que el autor escribió el libro, pero que resulta más acuciante en nuestros días.

Como señalaba en el párrafo anterior, desde el primer relato el protagonista se presenta como un outsider, individuo ajeno al sistema, que entra y sale de él según su conveniencia. Cada una de las tres historias que componen este libro corresponden a un trabajo que le encarga su contacto con el sistema. No se trata del individuo que desde fuera puede presentar una óptica más crítica del sistema dominante, sino que su pretensión es sencilla: simple supervivencia. Cualquier crítica al sistema imperante queda ajena al protagonista, aunque encubierta en la novela.

La primera de las historias comienza in medias res (a la mitad) y después, mediante una larga analepsis (fashback o salto hacia atrás en la narración) se nos narra el cómo y el porqué de la situación inicial que resulta desconcertante al lector, es decir, se narra cómo el protagonista evade el registro masivo que realiza el sistema para tenerlo todo bajo su control y cómo después empieza a trabajar como agente fantasma, para concluir con la explicación de su actual trabajo, un extraño proyecto llamado RUMOKO, que da título a esta parte de la obra. Dicho proyecto pone en peligro la integridad de casco protector de algunas ciudades construidas en el fondo del océano.

El relato toma diversos elementos policiales y nos encontramos con el protagonista que pretende desvelar una posible sabotaje, pero en este caso, igual que en las otras dos historias, la resolución resulta azarosa, no fruto de la labor del protagonista, sino más bien como golpes de suerte, lo cual redunda en la cualidad del personaje mencionada más arriba: su capacidad de supervivencia.

El segundo relato nos presenta un centro de investigación con delfines cuya inteligencia ha sido mejorada. A estos mamíferos acuáticos se les acusa de asesinar a uno de sus cuidadores y el protagonista debe investigar y demostrar su inocencia. Por medio de una telépata, defensora de estos animales, el protagonista descubre un trío amoroso y un negocio lucrativo de diamantes procedentes de un barco hundido. Al final el motivo del crimen son los celos y la avaricia de los cuidadores, y los delfines quedan absueltos. A mi juicio ésta es la más floja de las tres historias, sin mencionar la farragosa y densa conversación entre el personaje principal y la telépata.

Finalmente, la última parte, 'la vuelta del verdugo', destaca sobre los otros dos relatos, los cuales parecen un complemento diseñado por el autor para transformar un relato breve en una novela. En esta ocasión el protagonista es contratado para proteger a un político que trabajó en un proyecto de robótica con fines de exploración espacial. En dicho proyecto dieron origen a una IA, similar a la humana, que tras una crisis moral, decide retornar a la Tierra para acabar con sus creadores.

En esta ocasión se observa un precepto prototípico de la ciencia ficción que da lugar a que el autor, mediante el diálogo de sus personajes, se explaye en detalles sobre la creación y desarrollo de la IA. Los personajes aparecen con una mayor profundidad psicológica y el protagonista presenta una mayor vinculación con el caso, dado que esta vez se relaciona con su pasado, la vida previa a su situación de outsider.

También aparece una reflexión más detallada sobre el sistema de registro total que dicta en el mundo de la novela y contra el cual el protagonista se revela viviendo al margen, aunque este detalle se repite con el del relato inicial, donde mencioné que se narran los orígenes del protagonista de la obra, el extraño sin nombre.

[Imagen proveniente de: http://www.velero25.net/images/2004/jul2004/legion146.jpg]

CAN COSMONAUTA

2009-11-29T03:37:00.000-08:00

A falta de tiempo, que no de temas sobre los que tratar en este blog, un servidor ha optado por divulgar un pequeño relato breve, medianamente relacionado con la ciencia ficción, o mejor dicho, con la exploración espacial. Quede aquí para deleite de quien decida leerlo. Como dijo Cervantes: Dios te guarde, querido lector, y a mi no olvide.

CAN COSMONAUTA

We did not learn enough from the mission to justify the death of the dog

Oleg Gazenko

El fragmento de comida flotaba en el aire, igual que los pájaros que tiempo atrás había intentado cazar en los parques. Pero nunca había visto, ni imaginado, que el alimento volase. Lo miraba con desconfianza. No se atrevía a comerlo. Estaba nerviosa. Todo era tan extraño en ese lugar… Y cada vez hacía más y más calor.

Desde que los amos la encerraran en aquel diminuto habitáculo de metal y la ataran con un arnés a una cesta mullida, todo había transcurrido de manera insólita. Estaba muy nerviosa. Notó al corazón palpitar con tanta fuerza que creyó que escaparía del pecho. No residía el problema en el pequeño espacio, dado que muchas veces los amos la habían encerrado durante días, a ella y a otros dos perros, en jaulas donde la movilidad resultaba escasa o nula. Por tanto, estaba acostumbrada a mantenerse quieta durante largos periodos de tiempo.

Otras veces los amos la habían introducido en una cápsula y una extraña fuerza la había golpeado hacia atrás, pero nada comparado a la enorme presión que le oprimió todo el cuerpo, durante largos y agónicos minutos, contra el acolchado de la cesta. Era como si cientos de agujas invisibles punzaran su cabeza. Creyó que iba a estallar. Su respiración aumentó enormemente. Ni siquiera consiguió aullar el dolor que la afligía. Pero ese calvario acabó, y su sustituto no fue más magnánimo: una sensación de ingravidez, como si pesase mucho menos, como si tuviera el cuerpo más ligero de lo habitual.

Intentó huir a sus recuerdos, a viejos tiempos en que correteaba por la calles de la gran ciudad, en libertad, mendigando comida con cara de pena a los transeúntes, o buscándola en vertederos y basureros; peleándose con otros perros que también querían comer; compartiendo, en época de celo, su intimidad con aquel macho que hubiera derrotado al resto de pretendientes. Aquellos fueron momentos felices, aunque pasase gran parte del tiempo sola. Pero jamás sufrió tanta soledad como ahora, atada a un arnés que sólo le permitía sentarse, ponerse de pie o acostarse, en la pequeña cesta, cohabitando con la ingravidez.

En el cubículo, fuera de su alcance, había numerosos cables y luces que parpadeaban con diversos colores. Seguía los saltos de luz con la mirada, pero tantos estímulos la saturaban. En una esquina un cable suelto se balanceaba libremente hacia arriba. Ella lo contempló con curiosidad, sin entender que no le pesase la fuerza del suelo.

La tristeza le marchitó el rostro. No comprendía cómo ellos, dioses capaces de transformar objetos a su alrededor, la habían abandonado allí. Sentía devoción por sus bípedos amos, y ellos le pagaban su fidelidad con trato cruel, y a su pesar era incapaz de enfadarse con ellos. Recordó cómo, poco tiempo atrás –menos de lo que tarda el sol en salir y esconderse-, la cogieron, la envolvieron en un extraño traje, le limpiaron el bello con un líquido que le dejó un tono blancuzco, y finalmente le aplicaron un ungüento en determinadas zonas de su cuerpo.

Después, atada con correa, la condujeron por las instalaciones, hacia el exterior. En esos momentos meneaba el rabo con frenesí, impulso inconsciente de felicidad, pensando que darían un paseo por el campo y que correría a sus anchas sobre la húmeda hierba o el áspero asfalto.

No fue así. La acercaban hacia una gran construcción. Tenía la forma de un palo derecho, alzado hacia el cielo, pero de colosal altura, como la medida de diecisiete amos juntos aproximadamente. Era demasiado grande. Se acobardó un instante, pero tiraron de la correa. No quería acercarse, pero el fervor que sentía por el amo le hizo caminar a su vera, con el rabo entre las piernas.

Probablemente fuese construcción de los amos. Ellos eran listos. Construían cosas con las manos, con esos dedos prensiles y ágiles. Ella no tenía dedos tan articulados, no podía construir, pero podía correr. Correr… ¡Qué deseos de libertad, movimiento ágil que sesga el viento, sobre la hierba verde de un prado en primavera! Ahora, atada al arnés, casi no podía ni moverse. Estaba muy nerviosa y hacía cada vez más calor. Intentó concienciarse de que los amos la habrían encerrado allí por alguna razón.

Recordó que, una vez llegados a los pies de la gigantesca construcción, la guiaron hasta el habitáculo a través de una de esas cajas de metal que se elevaban del suelo. Ya lo había visto innumerable cantidad de veces: se cerraban las puertas y al abrirse aparecía en otro sitio. Nunca pretendió comprender su mecanismo, simplemente desenvolverse en él. Esa caja metálica le llevó a una pasarela. Se podía ver a través de las rejillas la lejanía del suelo. Mirar hacia abajo le mareaba y levantó la vista al frente. Había una puertecita redonda, pequeña incluso para sus erguidos amos. Dentro se observaba el pequeño cubículo con la cesta acolchada.

Aquello no le olía bien. Agudizó los sentidos. Se le erizaron los pelos de la espalda. Alzo la cola en señal de peligro. Los amos tiraban de la correa, la acercaban hacia el agujero. Ella intentó resistirse, pero tanto se empeñaban los humanos y tanta era su confianza en ellos que finalmente se dejó arrastrar.

La introdujeron en la cápsula, la acomodaron en la cesta, le pusieron unos aparatos en la piel, allí donde antes le había aplicado un ungüento. La molestaban, pero no podía alcanzar a quitárselos con la boca. Le ataron el arnés y a partir de ahí todo fue a peor: la gran presión, el dolor, el corazón palpitando, el calor que no cesaba de aumentar, la extraña comida que olía a comida, pero no parecía comida, y que, además, volaba…

Alguno de los mecanismos allí reinantes se activó y depositó un cubo de gelatina a sus pies. Enseguida empezó a levitar por el plato. Más por hambre que por indecisión, se animó a morderlo. Estaba bueno y quedó satisfecha. Aún así, seguía nerviosa. Su corazón bombeaba sangre a gran velocidad. Su respiración permanecía acelerada. Todo resultaba excesivamente extraño. Nada que ver con la pequeñísima jaula donde muchas veces la habían dejado.

Quería volver; quería que los amos la sacaran de aquella cápsula. Allí hacía mucho, mucho calor. Su hocico estaba seco. Sacó la lengua, jadeante, con esperanza de refrigerar su deshidratado cuerpo. Deseó corretear de nuevo, libremente, por el asfalto de la gran ciudad. Pero ya con gran dificultad podía levantar el hocico. Se le iba la cabeza. Hacía tanto, tantísimo calor…

[fin]

UN VISITANTE DESAGRADECIDO

2009-09-23T00:41:00.000-07:00

He continuado con la lectura del maestro Clarke, de quien ya reseñé El fin de la infancia (Chilhood's end, 1954) en el presente blog. En esta ocasión opté por una novela posterior en el tiempo, Cita con Rama (Rendezvous with Rama, 1973), libro que, en opinión de los críticos Rabkin y Scholes[1], comparte algunas cualidades con La invencible, de Stanislaw Lem, de 1964. Además, es ganadora del premio Hugo y del premio Nébula.

El argumento se estructura en una intriga creciente que no termina de resolverse por completo. Clarke deja agujeros en la historia como muestra del los límites del conocimiento y la percepción humanos. Así, la novela narra la llegada al sistema solar de un meteorito de comportamiento inusual cuyo rumbo pretende utilizar la gravedad de nuestro sol como impulso hacia su destino, el cual se ignora.

La humanidad envía una nave, el Endeavour, para explorar al extraño visitante. El misterio crece cuando descubren en su interior un mundo, con lo cual se postura una de las dos hipótesis acerca de los viajes espaciales: el de la nave intergeneracional. La exploración se convierte en una carrera para desvelar la identidad de los constructores de tamaña obra antes de que éste alcance el perihelio del Sol que le propulsará hacia las estrellas. Cuanto más cerca del nuestro astro, más vida generará el mundo interior del meteorito y mayores serán las incógnitas que se plantea la tripulación del Endeavour.

Se me ocurre un símil para explicar la obra. Un anciano vive en un pueblo pequeño que tiene una gasolinera. Todos los días se sienta en un banco a la vera del expendedor de combustible. Un día viene un coche con varios ocupantes, recarga el depósito y se marcha. El anciano, pensativo, se pregunta: ¿Dónde irán? ¿De dónde venían? ¿Cuáles eran sus nombres? ¿Y el propósito de su viaje?... Por tanto, el ser humano aparece en esta novela limitado por su percepción de la realidad, incapaz de aprehender la totalidad de su entorno.

En Cita con Rama Clarke también nos presenta una visión futurista de la humanidad muy cercana. El hombre ha mejorado la exploración espacial y colonizado casi todos los planetas del sistema solar, detalle que aparece en numerosas obra de CF ambientadas en un futuro no excesivamente lejano como es el de los imperios galácticos (me viene a la mente ahora el relato de J. M. Aguilera El bosque de hielo). Clarke explica cómo la humanidad se rige por un consejo donde participa un miembro de cada planeta habitado y nuestra luna. Cada uno funciona como un país independiente.

Sorprende también encontrar en la tripulación de la nave tres chimpancés cuya inteligencia ha sido aumentada. Todos estos detalles fomentan que el futuro presentado por Clarke se vuelva cercano y verosímil, a pesar de las circunstancias actuales en las que está sumida la humanidad. Otros aspectos se esbozan en la obra, cuyo desarrollo habría condensado la narración, como la poligamia, las consecuencias físicas de un hábitat en diferentes gravedades a la de la tierra, etc.

Su aspecto más negativo, sin duda, es la incapacidad de Clarke de abordar con mayor profundidad la psique de los personajes (más planos que el encefalograma de un ladrillo, Manuel Pancorbo en http://www.ciencia-ficcion.com/opinion/op00070.htm ). Su misterio alcanza al hombre como especie, perdido en la inmensidad del cosmos, pero los personajes de la novela son planos, tipos, sin profundidad, casi sin disyuntivas, sin conflictos internos, excesivamente racionales, y sin evolución alguna a lo largo de la novela, a pesar de los grandes misterios que les rodean.

En conclusión, se puede etiquetar Cita con Rama como una novela de primer contacto, en este caso, frustrado. Además, la frase final (los ramanes lo hacían todo por triplicado), deja abierta toda una serie de hipótesis, y, en especial, justifica las posteriores secuelas que Clarke escribió junto a Gentry Lee, aunque se las tilda de peor calidad.

Por otro lado, en esta obra se aprecia mejor el cultivo del género hard propio del autor británico, dado el rigor científico con el que se trata la novela. Y sino, como ejemplo, vease el tratamiento que otorga Clarke al mar, encerrado por lo acantilados de los dos continente de Rama, como si fuese una tobera que permitiera transformar la energía potencial de un fluido en energía cinética.

Foto proveniente de:

[http://blogs.gamefilia.com/files/imce/u393921/rama.jpg]

[1] Scholes, Robert y Eric S. Rabkin, La ciencia ficción: historia, ciencia, perspectiva, Taurus, Madrid, 1982, pág. 98.

DE PIGMALIÓN AL ROBOT (PARTE II)

2009-09-08T01:22:00.000-07:00

[Continuación del artículo anterior. Pequeña revisión personal de la temática del robot en la Ciencia Ficción.]

Tras los Capek, es en el cine expresionista alemán donde encontramos el siguiente caso celebre, pero ahora hablamos de un androide, el de Metrópolis. El científico Rotwand construye el robot por la obsesión que tiene de superar la pérdida de su amada. Es el ansia de amor que acoge a todos los personajes de la película, pero que en el científico y en su creación tecnológica se remite al mito de Pigmalión, solo que tecnificado.

Seguidamente hay que destacar la influencia de Isaac Asimov, no sólo por la creación de las ya clásicas tres leyes de la robótica, sino por la novelización de todas las problemáticas que puede generar la coexistencia entre el hombre y la máquina. Asimov es un escritor donde, sin duda, la idea es la base, el medio y el fin de la creación literaria, y a la idea supedita todo lo demás. En sus visiones el robot se aleja de posturas serviles y se acerca más a la versión fatal del mito del Golem en que se rebela contra su creador, quien debe escribir en su mente muerte para que la creación se detenga.

Así pasamos a las nuevas visiones del robot, una evolución en diversos sentidos. Para unos el robot se equipara al ser humano, como sucede en la obra de Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Dream android with electric sheeps?, 1968), cuya versión cinematográfica, Blade Runner (Ridley Scott, 1982), ha dejado ya huella no sólo en la ciencia ficción, sino en el cine en general. Su lema reza: Man has made his macht… now is his problem (El hombre ha construido su igual… ahora es su problema). Por tanto, la creación por una especie de otra idéntica que deba coexistir en el mismo ecosistema conlleva el enfrentamiento y la aniquilación de una de esas dos especies. Este precepto es la base para todos los libros y películas que relatan una guerra entre humanos y máquinas.

Los últimos pasos se han dirigido al desarrollo de una posible sociedad mecánica, autoconfigurada por máquinas, como son las sociedades que se pueden observar en películas como Matrix (1999), Terminator (1984) o incluso la raza de los Borg en Star trek. Una sociedad de máquinas adopta la forma de la mente colmena, dirigida por un solo ente pensante, como la que desarrollo Heinlein para sus alienígenas en Brigadas espaciales (Starship Troppers, premio Hugo en 1960). Pero este detalle relaciona el tema del robot con el de la I. A. (Inteligencia Artificial), una nueva vía temática de la CF que reactualiza, a mi juicio, las historias de las máquinas artificiales.

Finalmente llegamos hasta la actualidad, donde se han establecido tres categorías en el estudio de esta temática de CF. El robot hoy designa a una máquina cuyo diseño responde a la realización de una función específica. Por otro lado está el androide, es decir, el robot cuya estructura imita la forma humana. Y finalmente la imaginería fantacientífica idea el ciborg (cibernetic organism, organismo cibernético), donde a la forma humana se le agregaba la apariencia hasta el punto de que sólo la composición interna diferenciase un humano de un ciborg.

Hay una lectura que cada vez se resalta más: el hombre no puede crear vida, no puede jugar a ser Dios, porque no es un dios. Cuando lo pretende, fracasa, y las consecuencias pueden ser atenuadas o absolutamente fatales. Esta es la lección moral que pretende transmitir la ciencia ficción, casi siempre erigida como un “aviso para caminantes”, con la habitual –pero no intrínseca- tendencia a advertir sobre los peligros del futuro a partir de la hipérbole de un elemento presente.

[http://discovermagazine.com/2005/dec/robot-robot/robot-robbie.jpg]

[http://extracine.com/wp-content/uploads/2008/02/terminator_robot.jpg]

DE PIGMALION AL ROBOT (PARTE I)

2009-08-18T11:59:00.000-07:00

Cuando los hermanos Capek escribieron la obra teatral R. U. R. (Robots Universales Rossum, 1920, estrenada en 1921), seguramente no creyeron que su imaginería generara toda una larga lista de obras en las que su creación, el robot (esclavo en checo), fuera el protagonista o el móvil de la trama.

Josef y Carel Capek deben ser interpretados en su contexto histórico: las vanguardias europeas de principios del siglo XX. En varias obras de la época es fácil percibir la influencia del mito griego de Pigmalión. En el caso de España, el mito se camufla más bien poco, como se observa en la lectura de El señor de Pigmalión (1921, estrenada dos años después en París y en Praga), de Jacinto Grau, donde se vale de muñecos manejados por un titiritero que se considera a sí mismo su Dios.

En este mito se recoge la historia de Pigmalión, un escultor obsesionado por crear una figura femenina perfecta de la cual termina por enamorarse. Afrodita, diosa del amor, se apiada del artista y da vida a la escultura. Pigmalión es la creación de la vida por las manos del hombre. Los hermanos Capek lo que hicieron fue tecnologizar el proceso, y para ello crearon el robot, una máquina que se aproximara al ser humano. De esta forma se insertaba correctamente en el ambiente de desarrollo tecnológico que se experimentaba a principios del siglo XX.

La historia del topoi fantacientífico del robot se relaciona, como han observado diversos investigadores, con las historias de creación de hombres artificiales a lo largo de la literatura universal, donde se encuentran las leyendas del Golem y el Homúnculo. Estos ofrecen otras perspectivas al robot, sin duda su autonomía y deseo de completarse y de mejora que le aleja de la función primordial por la cual el hombre le creo y le aproxima a su liberación personal y a su independencia y posterior superación del creador. Así va surgiendo el aspecto negativo de la máquina y la mirada desconfiada entre hombre y robot.

Pero la historia de Pigmalión, una de las tantas de la mitología griega, pilar básico que sustenta toda la ideología occidental, es la que se esconde en los autores de principios de siglo que trataron el tema, tal y como he señalado anteriormente. Por eso considero que el origen del robot reside en Pigmalión más que en el Golem o en las diversas huellas halladas acerca de muñecos autómatas desde la antigüedad.

Eso sí, resulta indudable que el robot se ha constituido como un elemento básico en la imaginería fantacientífica, tanto que no existe glosario de término de ciencia ficción que no lo recoja. Merece la pena realizar una pequeña revisión de diversos robots que pueblan novelas y filmes de CF para observar su evolución. Para lo cual realizaré una entrada particular, dividiendo el presente artículo en dos partes.

[Fotos provenientes de:
http://weblogs.clarin.com/antilogicas/archives/PygmalianGalatea.jpg
y http://minombre.es/victoriacaro/files/robot-y-mujer-ok1.jpg]

ADIOS AL HOMO SAPIENS

2009-07-02T04:23:00.000-07:00

Revisión de El fin de la Infancia, de Arthur C. Clarke

Todavía reciente su fallecimiento -afamada pluma nonagenaria-, Arthur C. Clarke nos ha legado un puñado de obras que no se rinden al olvido del tiempo. Este autor inglés, siempre al tanto de las innovaciones científicas, es conocido principalmente por la escritura del guión de 2001: una odisea en el espacio (2001: a space Odessy, 1968), gran obra maestra cinematográfica de Stanley Kubrick.

El fin de la infancia se puede situar en una etapa del autor en que se halla muy influido por la metafísica y la mística. Se muestra, en una imagen que ha influenciado muchas producciones del género, la llegada de naves alienígenas sobre las ciudades más importantes del planeta. Estos extraterrestres pretenden eliminar los desmanes del hombre y purificar la sociedad de vicios y corrupciones.

Al principio la estructura de la novela se me asemeja a los pequeños episodios englobados de la serie fundación de Asimov. La llegada de los superseñores (en inglés overlords), la reacción de los humanos, la investigación por descubrir su identidad, después sus planes, la convivencia entre humanos y alienígenas, etc. Con esos pequeños episodios va avanzando la trama principal, desarrollado por un protagonismo colectivo.

Primero se narra la exploración espacial, motivo por el cual llegan los superseñores a la Tierra. Después tenemos un par de historias centradas en el personaje del finés Stormgren –momento que aprovecho para criticar el exceso de americanismo en los gentilicios de la novela-, único contacto humano con los superseñores. El primer episodio el secuestro de este por una entidad antialienígena; el segundo por desvelar la identidad de los superseñores, aún ocultos a los humanos.

Después cambiamos de personajes. El misterio se centra en torno al lugar de origen de los superseñores y un personaje, Jan Rodricks, encuentra una forma de llegar allí, como polizón en la nave de los extraterrestres, igual que Jonás en la ballena. Este episodio se mezcla con una sesión de espiritismo donde conocemos las coordenadas del planeta de los superseñores.

Seguidamente se narra el proyecto de una colonia cultural en dos islas: Nueva Esparta y Nueva Atenas, emulando el proceso histórico ocurrido en la antigua Grecia en el siglo IV A. C. Pero aparece un cierto alo de misterio. No me malinterpreten. El misterio en torno a los superseñores está presente desde su llegada a la tierra, narrada en las primeras páginas. No obstante, el narrador va introduciendo sutilmente detalles que hacen pensar en un plan oculto de los nuevos amos del planeta. Los humanos especulan, pero yerran en sus previsiones.

La novela se nutre de fuerza dramática con el giro cercano al final en que se descubre la verdad. Se intercambian los papeles. Los superseñores son simples servidores de un ente más poderoso y los humanos, antes simples siervos, están destinados a trascender y formar parte de ese poderoso ente –clara herencia de Hacedor de Estrellas (Starmaker), de O. Stapledon, ya comentada en este blog-.

Clarke plantea que el progreso humano está limitado por el árbol de la ciencia. Un árbol que no puede crecer más allá de ciertas dimensiones. En El fin de la infancia plantea la evolución humana en la trascendencia más allá de la materia. Apoya su desarrollo en la oscuridad de la mente humana, precisamente el órgano humano más desconocido por la ciencia médica actual. Para Clarke aquí se encuentra el poder de los hombres, pues todos los velos de misterio erigidos se centraban en el esoterismo y la superchería, esos oscuros poderes de la mente human cuya creencia es materia de discusión todavía en los tiempos que corren.

Para ofrecer verosimilitud a este proceso evolutivo, no se explica el porqué, tan sólo se remite al enigma de la telepatía o poderes mentales paranormales. Los superseñores, enclaustrados en la materia, desconocen este misterio. Así que al lector no le queda mayor solución que creer en lo narrado. Más allá de la ciencia ficción se adentra en lo maravilloso, es decir, en un hecho insólito que carece de alguna explicación dentro de las leyes que rigen nuestra realidad. Pero sucede. La raza humana trasciende, escapa el alma del cuerpo y cobra entidad propia, independiente. El periodo infantil del hombre quedaba marcado por su cuerpo corrompible, pero ahora ya no tiene límites.

El final, por lo tanto, resulta tan desalentador como esperanzado: la muerte del último homo sapiens que observa la transformación de los antiguos miembros de su raza en energía. Queda al lector posicionarse en el vaso medio lleno o el vaso medio vacío. Sin embargo, la mirada triste de Karellen, el superseñor que organizó el proyecto del despertar humano, al observar la tierra, el final de su labor en el Sistema Solar, y con ello, ser consciente nuevamente de su limitación, conlleva una visión positiva. El hombre, tan débil, tan insignificante, ha conseguido lo que no logra la ciencia de Karellen.

Como apunte final, destaco el dominio de la voz narradora de la información, que, dosificada, aparece en el momento exacto, introduciendo al lector lentamente en la presentación del mundo ficticio de la obra y en el desarrollo de la trama. También se observa intrínsecamente las ideas liberales de Clarke en su denuncia a espectáculos que maltraten animales –las corridas de toros- o preconizando una libertad sexual, sin duda ideas avanzadas para el momento de publicación de la obra, 1953.

Fotos tomadas de:

[www.latimes.com/media/photo/2008-03/36899638.jpg]

[http://agaudi.files.wordpress.com/2009/02/el-fin-de-la-infancia.jpg]

¿CF EN CLAVE DE PARODIA?

2009-04-12T10:58:00.000-07:00

Buscando por el magno ciberespacio películas de CF, que luego conseguí por diferentes medios, llegó a mi disco duro un filme: Dark Star (1974), de John Carpenter. Ya sabía, aunque nunca me había dignado a visualizarlas, que sus películas no tienen gran aprecio por su falta de seriedad en el tratamiento de temas fantásticos –véase Fantasmas de Marte (John Carpenter's Ghosts of Mars, 2001) o Vampiros (John Carpenter's Vampires, 1999)-.

Dark Star, en concreto, se trata de su primera película. A modo de sinopsis, una nave espacial, tripulada por cuatro hombres, se dedica a viajar por el espacio para destruir posibles planetas que en el futuro una supernova podría provocar que viajase directo hacia la Tierra e impactase con nuestro planeta.

Fuera del tratamiento psicológico de los personajes, camino de la demencia, inmersos en la rutina y en la oscura soledad del espacio, la película no ofrece mayores alicientes. No critico los medios escasos con los que cuenta, o los escasos efectos visuales con los que cuenta, sino cuestiones como:

a) El extraño animal extraterrestre que no es más que una pelota hinchable con unos guantes haciendo de manos. La secuencia con el espécimen se vuelve excesivamente larga, tedios y casi incomprensible cuando arroja por la pasarela del ascensor a uno de los personajes. Se intenta crear una situación dramática, pero más que a la tensión, mueve al humor absurdo, pues carece de sentido toda la secuencia: ¿Por qué se activa el ascensor cuando está el tripulante en el hueco de la maquinaria? ¿Cómo el ordenador de la nave, sabiendo que está en peligro uno de los tripulantes, no activa un medio de emergencia que detenga el ascensor? Quedan muchos interrogantes sin resolver.

b) la bomba dialoga con la computadora de la nave, incluso se enfada con una pueril rabieta por no cumplir su cometido. Por si eso no fuera poco, al final de la película el protagonista mantiene una larga disquisición filosófica con el arma, sin convencerla, acerca del sentimiento de existencia de una máquina, un discurso que fácilmente podría haber puesto Asimov en boca de uno de sus personajes hablando con un robot, pero que resulta absolutamente inverosímil tratándose de un simple misil con forma de prisma.

Lo que quiero señalar es que con escasos medios se puede crear una película de CF bastante aceptable, como sucede con gran parte del cine del género de los años cincuenta, y especialmente con El planeta prohibido (The Forbiden planet, 1956). La idea es simplemente un guión sólido, y no una idea vagamente diluida en absurdas situaciones como sucede en Dark Star.

Como espectador, si se trata de una sátira, me deja confuso. En algunos aspectos parece acercarse al género con conocimiento de causa, y termina ya con el absurdo del astronauta surfero, que si concluye la parodia que se construye lentamente, pero que se contradice con muchos presupuestos iniciales, los cuales a mi gusto reciben un tratamiento más concienzudo y menos humorístico de lo que debieran.

[Foto proveniente de: http://en.wikipedia.org/wiki/Dark_Star_(film)]

UNA GRAN FAMILIA

2009-03-10T01:50:00.000-07:00

Encontrar guiños dentro del mundillo de la CF resulta algo habitual para cualquier aficionado inmerso en el género, en cualquiera de sus modalidades. Es fácil descubrir como unas series remiten a otras, o películas, o libros. Las direcciones son múltiples.

Traigo a colación, verbigracia, el curioso ejemplo de Klaatu Barada Nik To!, las palabras que activan al androide Gort del extraterrestre Klaatu en Ultimátum a la Tierra (The Day the Earth stood still, la versión de 1951, no me he dignado aún a visualizar el remake) y que también son las palabras que el personaje de Bruce Campbell debe recitar para coger el libro del Necronomicón en El ejército de las tinieblas, la tercera parte de la trilogía de cine de terror Evil Dead, de Sam Reimy.

Así, desde la emisión de Star Trek TNG (The Next Generation), resultaba curioso hallar actores, ya sea como colaboradores en un episodio o en papeles secundarios cuyo renombre ha alcanzado cierto standing. Asombra descubrir las dos colaboraciones de James Cromwell (famoso por su papel de granjero en Baby, un cerdito valiente), quien las describió como provechosas y divertidas, tanto en TNG como en DS9 (Deep Space Nine). O también una jovencísima Nikki Cox que frisaría los diez años, interpretando a una extraterrestre, Sarjenka, que se hace amiga del androide Data en un episodio de TNG que ahora no recuerdo.

Por otro lado, otros actores empezaron en TNG y su interpretación ha alcanzado papeles en películas de público más amplio, como el caso de Woopie Goldberg, que representó a la camarera en TNG, o Colm Meaney, que comenzó como segundón en el transportador de la Enterprise y trabajó después en películas como Con Air (19??) o en Layer Cake, crimen organizado (2006), con Daniel Craig.

Al visualizar Stargate, también encontramos numerosas colaboraciones, en especial, de actores de diversas series de Star Trek, en parte intuyo que para captar al público Trikkie, extenso grupo de espectadores fans de este tipo de productos. Probablemente los productores observador las serias deficiencias que la serie poseía, mucho más inverosímil y contradictorio que el universo de Gene Rodemberry, construido con mucho detenimiento y atención, y así pretendieron otorgar a Stargate una mayor fuerza para conseguir cuotas más altas de pantalla. No lo sé, es sólo una hipótesis.

Lo indudable es encontrar a Robert Picardo (El doctor en VOY –Voyager-) como el Sr. Woolsey tanto en Stargate SG-1 como en Stargate Atlantis; a Colm Meaney como líder de la Genei en Stargate Atlantis; o a Connor Trineer como Michael, el espectro medio humano, también en Stargate Atlantis.

La lista no se queda ahí. ¿Qué sucede con en caso de Ben Browder y Claudia Black? Ambos empezaron a despuntar en la CF gracias a sus papeles de, respectivamente, protagonista y coprotagonista en Farscape. Terminada esta serie, reaparecen como protagonistas también en la novena y décima temporada de Stargate SG-1. Cierto es que Claudia Black ya había aparecido como invitada en un episodio de la octava temporada, pero ahora se convierte en permanente, incorporándose como quinto miembro del SG-1.

¿Qué será la siguiente? -me pregunto- ¿Actores de Battlestar Galactica en Stargate Universe? Todo se andará.

FUTURO IMPERFECTO, de Domingo Santos

2009-02-19T01:44:00.000-08:00

Domingo Santos, nacido en 1951 y llamado en realidad Pedro Domingo Mutiñó, es uno de los escritores de CF española más conocidos y aclamados, cuya obra ha sido traducida a diversos idiomas como inglés, francés o italiano. Él constituye una de las piezas fundamentales para entender la denominada década de oro y la entrada de España en el panorama de la CF mundial. La obra que aquí nos atañe, Futuro Imperfecto, apareció en la segunda época de la colección Nebulae, en el número 50, y está formada por una serie de relatos cuyo único aspecto común es el desarrollo de visiones futuristas a partir de algún elemento del presente.

En primer lugar aparece un paratexto, donde se explica, por un lado, el futuro imperfecto del subjuntivo, un tiempo verbal hoy en desuso y en camino de la desaparición, “que expresa una acción hipotética considerada como no acabada, en el presente o en el futuro”. Así, con esa premisa, presenta ya Santos esta colección de relatos, y justifica el título de la obra. El otro paratexto proviene de la obra El mundo de los acusados, de Walter Jens, que presenta un equilibrio climático y la personificación del sol y la luna mirando la insignificancia de la humanidad.

A continuación hay un prólogo donde un historiador, situado en un tiempo futuro al de los relatos que componen el libro, presenta dichos textos en su valor histórico, en los cuales pretende desentrañar la verdad de entre la ficción de los mismos, detalle en el que hace hincapié en varias ocasiones. Así, Santos, a través de esta voz narradora, realiza un examen de lo que quedará del presente mañana, lo que difumina el paso del tiempo, y también una crítica de la metodología historicista actual y la imposibilidad de hallar la Verdad de los hechos sucedidos.

La serie de relatos son de lo más dispar, en gran parte constituyen pequeñas distopías en donde Santos va desarrollando críticas a diversos aspectos de la actualidad. En parte, parece un precedente del cyberpunk que dominaría pocos años después el panorama de la CF, aunque la cuestión tecnológica queda un poco a la zaga en los relatos.

El primero de ellos, ‘Smog’, recoge una visión casi apocalíptica con ciudades repletas de polución y aire contaminado imposible de respirar. El protagonista, que trabaja en medio ambiente, reflexiona en diversas ocasiones sobre los graves problemas pulmonares y la reducción de la esperanza de vida que ello conlleva. En ‘Negocios del corazón’ nos plantea la visita de un enfermo cardíaco a un centro de “reemplazo de órganos”, donde Santos aprovecha para explicar cómo sería el negocio de órganos humanos, con las distintas filosofías y métodos de empresa.

‘Extraño’ es, sin duda alguna, el relato más duro de la obra, su lectura provoca desagrado al presentarnos, sin pudor alguno, a un pobre niño deforme, sin brazos ni piernas e incapaz de pronunciar palabras, cuyos padres detestan hasta el punto de propinarle sucesivas palizas. El niño, ante esta situación de asilamiento e inadaptación, termina por volverse loco y lo ingresan en un manicomio. Cuando escapa del centro, sólo queda una salida. Aquí tenemos dos voces narradoras que se alternan, una es la clásica del narrador omnisciente que aparece en todos los relatos, y la otra es la primera persona, la voz del monstruo, con escasez de signos de puntuación que pretenden yuxtaponer la velocidad con que el cerebro reproduce e interconecta las ideas. Probablemente este último aspecto sea una de los detalles estilísticos más sobresaliente de la obra.

El cuarto relato, ‘El programa’, permite a Santos presentar un violento espectáculo que recuerda a la crudeza del circo romano. Un presidiario es soltado en mitad de una ciudad para ser cazado por miles de perseguidores. Aquí el autor reflexiona sobre la naturaleza violenta del hombre: “[la gente] vio en el Programa un cauce por donde descargar los instintos sanguinarios inherentes al ser humano y un sucedáneo que aboliría las guerras al suprimir su necesidad fundamentalmente morbosa”.

‘Señor, su cuenta no existe’, presenta, con tintes cómicos, la curiosa historia de un hombre cuya cuenta bancaria ha desaparecido del ordenador central y con ella su dinero. Este hecho permite a D. Santos opinar sobre las posibles repercusiones de la informatización de la vida diaria. Cada fragmento del relato viene precedido de eslóganes publicitarios o declaraciones diversas sobre la sustitución del papel-moneda por la tarjeta de crédito. Éste es el relato más cercano a nuestra realidad de los recogidos en la obra.

Por otro lado, ‘Encima de las nubes’, posee dos historias interrelacionadas. La principal relata una reunión de socios de una empresa que pretende sacar al mercado un nuevo combustible cuya fabricación deja una enorme cantidad de residuos. Santos vuelve al tema ecológico, pero lo presenta aquí desde la despiadada visión de los ejecutivos de la empresa que sólo miran por una ganancia económica y una minimización de las pérdidas. La otra historia, más secundaria, tiene por protagonista a un trabajador de una clase media con afán de superación social. Su ascenso laboral y económico se ve acentuado en ese ascenso a las ciudades plataforma que orbitan en la estratosfera.

En “…si mañana hemos de morir” hay un pesimismo latente. En gran medida muchos aspectos proclamados por el autor acerca de la juventud, protagonista de este relato, se han cumplido: el escepticismo, la inmovilidad, el ocio controlado, el afán de velocidad, la rebeldía sin objetivos, etc. Aquí el lenguaje se adecua a la jerga juvenil, lo cual otorga mayor verosimilitud al relato.

Finalmente, el relato más largo de todos, que perfectamente por extensión podría considerarse una novelita o novela breve, titulada “Fábula”, constituye una visión distinta. Esta vez, más que distopía, opta por la utopía y nos presenta una sociedad futura que funciona. El éxito de esta recreación futurista de D. Santos es que esta sociedad no es perfecta y explica las renuncias que ha realizado para alcanzar la estabilidad y el bienestar. Es decir, el sistema es válido, pero no totalmente correcto. El protagonista, como es normal en estas obras, es un outsider que analiza críticamente lo que observa. El final resulta esperable, pues no se podía desarrollar de otra manera. A mi juicio esta pequeña obrita, de la cual muchos más detalles se podrían comentar, es la pequeña joya de este libro.

En general, me impresiona que los personajes femeninos de la obra sean meros clichés, amas de casa ignorantes e impertinentes, mujeres seductoras o empleadas de tareas propiamente femeninas, como la de secretaria. Quizás ello se deba a la educación y modelos vividos por el autor, o a una incapacidad de abordar la psique femenina. Por el contrario, los personajes masculinos si presentan mayor variedad, desde el ingenuo y servil trabajador Olivera de ‘Señor, su cuenta no existe’, hasta el presidiario del ‘programa’ o el ejecutivo sin escrúpulos de ‘Encima de las nubes’.

Pese a todo lo señalado, considero esta obra digna de lectura, en primer lugar por considerarse propiamente escrita en castellano, y no ser una traducción, con lo que se consigue un juego y uso de la lengua propio de un nativo. Además, se trata de uno de los autores más singulares de la CF española, promotor y precedente de la denominada “década de oro”, en cuyos autores se observa una mayor lirismo que en la narrativa de Domingo Santos.

EN DEUDA CON LOS CLÁSICOS

2008-10-15T09:03:00.000-07:00

Metrópolis, del director alemán Fritz Lang y con guión de su mujer, Thea Von Harbou, se estrenó en 1927. Con cerca de 40.000 extras, esta soberbia creación supone un segundo estadio en el nacimiento del cine de CF, después de los pasos de George Melléis. Pero mayormente, este filme alemán supuso una revolución absoluta de los efectos especiales cinematográficos mostrando una urbe de dimensiones colosales coronada de grandísimo rascacielos, amplias calles saturadas de vehículos y trenes velocísimos surcando los cielos. Un espectáculo visual sin precedentes y sorprende todavía en nuestro tiempo.

Ficha Técnica
Alemania, 1926
Título original: Metropolis
Dirección: Fritz Lang
Guión: Fritz Lang y Thea von Harbou, basado en la novela homónima de Thea von Harbou
Producción: Erich Pommer
Música: Gottfried Huppertz
Fotografía: Karl Freund, Günther Rittau, Walter Ruttmann
Reparto: Alfred Abel (Johhan Fredersen); Gustav Fröhlich (Freder Fredersen); Brigitte Helm (Maria/The Machine Man/Death/The Seven Deadly Sins); Rudolf Klein-Rogge (C.A. Rotwang, der Erfinder); Fritz Rasp (Der Schmale/Slim); Theodor Loos (Josaphat); Erwin Biswanger (Georg - No. 11811); Heinrich George (Grot)
[Sitio de Ciencia Ficción: http://www.ciencia-ficcion.com/pelis/pmetropol.htm]

Argumento. El filme se desarrolla en el año 2026, en una ciudad-estado de enormes proporciones llamada Metrópolis. La sociedad se ha dividido en dos grupos antagónicos y complementarios: una elite de propietarios y pensadores, que viven en la superficie, viendo el mundo desde los grandes rascacielos y paisajes urbanos, y una casta de trabajadores, que viven bajo la ciudad y que trabajan sin cesar para mantener el modo de vida de los de la superficie. […] Éstos últimos, incitados por un robot se rebelan contra la clase intelectual que tiene el poder, amenazando con destruir la ciudad que se encuentra en la superficie. Pero Freder, hijo del dirigente de Metrópolis, con la ayuda de la hermosa María, de origen humilde, intentarán evitar la destrucción apelando a los sentimientos y al amor (Wikipedia, enciclopedia libre).

Se trata de una distopía futurista que recuerda en gran parte al eslabón anterior que H. G. Wells presenta en su novela “La maquina del tiempo” cuando explica el origen de las dos especies: Elois y Morlocks. Aún así, posee diversas interpretaciones políticas que pueden relacionar la película tanto con ideas marxistas (sociedad clasista y lucha de clases sociales), ideas nazis (idéntica estructura económica corporativista que defendía el programa del Partido Nacional-Socialista de los Trabajadores de Alemania, el NSADP), y ciertos tintes del cristianismo como la historia de la torre de Babel que aparece en la mitad del filme. Sin duda, Metrópolis presenta la confrontación entre clases sociales a través de una crítica al capitalismo y a sus consecuencias alienantes.
Aún así, su interpretación queda abierta y la película encuadrada en la denominada CF política. A juicio personal, todo ello me parece un paralelismo de la convulsión de la sociedad alemana de la república de Weimar durante los años veinte.

Bajo el lema final de "Mittler zwischen Hirn und Hand muss das Herz sein" (mediador entre el cerebro y la mano ha de ser el corazón) queda expresado el objetivo último de la película, una apelación al sentimiento amoroso como motor del planeta. Muchas son las cacotopías que en el mundo de la CF terminan por colocar el amor como solución o como motor de cambio de las sociedades frías y enfermas que dibujan, como, por ejemplo, “Nosotros”, de Zamiatin, donde el protagonista se enamora de una disidente, o “Fahrenheit 451”, de Brabury, donde el amor del protagonista por una lectora hará surgir en él sentimiento de aversión por su trabajo y por la vida en la que vive. A veces el amor no consigue solucionar el problema y se presenta una visión tenebrosa y apocalíptica como el caso de “1984”, de Orwell, donde el amor de los protagonistas es totalmente aniquilado mediante agónicas torturas que revuelven el estómago incluso al mismísimo lector de la obra.

Pero más que la historia, hay que resaltar de esta película, como señalé en la introducción, que supone un espectáculo visual sin precedentes y que constituirá la base del cine de CF y de la recreación del futuro por parte de muchos directores y escritores venideros cuya deuda con Lang es elevada. El film recrea espacios agobiantes, máquinas todopoderosas que alienan al hombre, robots de aspecto humaniode, grandes edificios que desafían el cielo, trenes que corren a altas velocidades por carriles construidos a gran altura de la superficie, calles abarrotadas de vehículos, el oscuro y dantesco subsuelo donde habitan los trabajadores, etc. La recreación futurista es, indudablemente, lo más sorprendente, incluso en los tiempo que corren.
Una visión fruto del expresionismo alemán que parece preconizar el aspecto de las urbes de nuestro presente.

A pesar de los problemas iniciales, como el escaso nivel de taquilla, las críticas negativas en la época y cierta desilusión del director con respecto a su propia creación, Metrópolis es considerada a día de hoy película de culto e icono del siglo XX, por lo cual es indispensable su visualización para cualquier fan de la CF o del cine que desee ahondar mínimamente en su hobby.

[Bibliografía digital consultada:

http://es.wikipedia.org/wiki/MetrÃ³polis_(pelÃcula)

http://www.ciencia-ficcion.com/pelis/pmetropol.htm (También tomadas de aquí las imágenes)

http://www.clarin.com/diario/2008/07/02/um/m-01706863.htm
http://cinematofilos.com.ar/2008/09/el-malo-de-metrpolis.html]

EL JUEGO DE ENDER

2008-08-29T09:12:00.001-07:00

Me vendieron a Orson Scott Card (Richland, Washington, 1951) como un nuevo Asimov con libros de rápida lectura y trama compleja que enganchan de principio a fin. Al final me animé con su obra más conocida: El juego de Ender (Premio Nebula en 1985 y Hugo en 1986). Pese a las adversidades de una detestable traducción, puedo decir que el juicio no queda desencaminado con la realidad.

A modo de sinopsis, Ender es un niño superdotado que una especie de gobierno mundial requiere para salvar a la humanidad. Es el tercer hijo en una sociedad donde existe un férreo control de la natalidad, y posee un hermano mayor demenciado. Ante esta situación Card genera toda una compleja trama donde cada capítulo es una pequeña historia –se estructura la novela con breves historias individuales interrelacionadas por la figura del protagonista- y en los cuales el autor nos dosifica lentamente la información hasta que al final cuajen todas las piezas. Asistimos a la progresión del protagonista que es instruido para convertirse en un líder militar, el adalid de la humanidad frente a la amenaza de una sociedad de insectos.

No es la primera vez que me hallo ante una obra de CF que desarrolla una sociedad conformada por insectos. La idea del desarrollo de la inteligencia por parte de insectos con una especie de mente colmena se puede remontar en la historia del género. Encontramos casos como los bichos de la obra Starship Troopers (brigadas del espacio), de Robert A. Heinlein, o incluso la raza alienígena de los Borg, en Star Trek. Lo que sí me ha alegrado y no negaré este éxito en O. S. Card es el paso que da en el desarrollo de la mente colmena. Los insectores no tienen lenguaje y se provoca un enorme error de comunicación en todo momento entre seres humanos e insectos que conlleva tres cruentas guerras. Nuevamente se presenta la incomunicación como síntoma de la ignorancia del ser humano sobre el inmenso universo.

Respecto a la organización del gobierno sobre la tierra, el autor presenta una escasa visión de futuro. Aunque esté escrito en a principios de los ochenta, es difícil imaginar que no previera el fin de la URSS y que, además, presente una hegemonía comunista en la vieja Europa. Esa parte me costó asimilarla, y más desde una óptica presente. Por otro lado, también éste es un detalle a enmarcar en la CF, y sin remontarse a muchos clásicos, aquí en España ya encontramos numerosos autores que plantean la disyuntiva capitalismo/comunismo como dos bloques antagónicos siempre en conflicto.

Fuera de aspectos referentes al contenido, hay que admitir que el autor es un experto en el trato psicológico de los personajes. Además, resulta anodino el ambiente que genera al tratar los juegos de guerra en los que Ender participa, de una descripción sublime, verosímil que casi lleva al lector a flotar el también en la ingravidez de la sala de batalla. Y por si fuera poco, es ésta una novela pionera en el tratamiento de la realidad virtual.

En definitiva, coincido con cientos de opiniones que preceden a la mía y otras tantas que vendrán que este prolífico autor estadounidense de pluma hábil, narración sencilla y llevadera y trama envolvente puede considerarse, pese a la cercanía del tiempo, como un clásico del género y su obra El juego de Ender como una lectura aconsejada, en especial para lectores iniciados en la CF.

[Fotos tomadas de:

http://www.alohacriticon.com/viajeliterario/article1183.html

y http://psychocorp.net/criticorum/book/el_juego_de_ender/162/]

EL ENIGMA VASCO

2008-06-25T04:21:00.000-07:00

Revisión de “Gu ta Gutarrak”, de Magdalena Mouján Otaño.

La revista Nueva Dimensión dio cabida en sus páginas a autores españoles y también latinoamericanos, luchando contra la incomunicación que provoca el Gran Charco. En su número catorce publicaron el relato breve “Gu ta Gutarrak” (Nosotros y los nuestros), de la autora argentina Moujan Otaño. De tema fantacientífico y estilo paródico, esta obrita no fue del agrado de los censores franquistas, quienes decidieron secuestrar la publicación y casi provocar la ruina de esta revista a la que tanto debemos los fans de este género en España.

Es absurdo. El relato no hace daño a nadie. No es peligroso. Su secuestro debió motivarse por la ignorancia de los censores franquistas, que no entendían nada de lo que leían. No es más que una parodia, sobre un enigma científico, un oscurantismo histórico aún no desvelado. ¿Cuál es el origen del euskera? Magdalena Moujan Otaño nos ofrece una cómica versión del asunto que, por lo menos, alegra el espíritu.

Sorprende el estilo y conocimientos de la cultura vasca por parte de una argentina. Supongo que realizó una labor de documentación amplia, aunque el relato presenta varias incongruencias y posee una exageración del habla típica del País Vasco, dado que en todo momento la autora cambia el orden habitual de las frases en español. Tan potenciado está este aspecto que muchas veces más que registro vasco, el que habla parece el maestro Yoda.

Por lo demás, aseguro que su lectura resulta divertida, amen de entretenida. Siendo yo oriundo de Euskal Herria, me reí de lo lindo con la visión de la argentina. Es irreal, sí. La ciencia ficción siempre es más ficción que ciencia, pero resulta cómico ver a un grupo de vascos construir una máquina del tiempo y remontarse años atrás para descubrir su origen. El final lo presenta la autora, cómicamente, encubierto en la narración. El lector debe avisparse para obtener la conclusión lógica: los vascos proceden de sí mismos.

[Imagen obtenida de www.eke.org/es/euskal_herria]

LOS LÍMITES DEL CYBERPUNK

2008-06-25T04:14:00.000-07:00

La CF no puede negar la deuda contraida con William Gibson a partir de “Neuromante” (Neuromancer, 1984). Es una compleja presentación cacotópica realizada desde muchos de los preceptos de la llamada posmodernidad: el protagonista antihéroe que lucha únicamente por sus supervivencia dentro del sistema; la información como fuente absoluta de poder y control; el desarrollo de nuevas tecnologías como la IA; neologismos hoy plenamente aceptados como ciberespacio; un lenguaje nuevo para una realidad nueva, etc.

Estamos de acuerdo. El cyberpunk ha revolucionado los planteamientos de la CF y ha creado una visión futurista más cercana al presente y hasta cierto punto más verosímil. Gibson nos ofrece en su obra un mundo amplio, lleno de posibilidades. Él centra su novela en un aspecto concreto, dado que la intención de construir una novela global no sólo resulta una tarea ardua y penosa, sino con excesiva probabilidad un fracaso rotundo para un escritor novel.

Ideado el universo, quizás el elemento más difícil del proceso, lo que ofrece son unas nuevas reglas de juego. Además, éstas no son fijas, si no, lo que terminamos por hacer serían reproducciones de la obra gibsoniana. Nos convertiríamos en meros imitadores. Prácticamente este espectáculo es el que hasta ahora he encontrado en las versiones cyberpunk realizadas en la literatura de CF española, y me remito en caso concreto a: “Un jinete solitario”, de Rodolfo Martínez (en DÍEZ, Julián. Antología de la Ciencia Ficción española 1982-2002. Barcelona, Minotauro, 2003); o “La traición de Judas”, de Joaquín Revuelta Candón; o “Argos”, de José Antonio Cotrina (los dos últimos en VV. AA. Certamen Alberto Magno de Fantasía Científica 2006. Bilbao, UPV, 2007).

No se debe recrear el mismo aspecto del universo del cyberpunk una y otra vez. Considero que las opciones de juego son más ricas. Sí que se debe mantener cierta estética decadente y oscura, de corte distópica; un exceso de tecnología; neologismos sin explicar; personajes decadentes o en proceso de convertirse en ello, siempre víctimas de sus circunstancias, de un mundo que no comprenden, sin poder revelarse; el poder de una economía globalizada irreductible que lo controla todo como el Gran Hermano de Orwell; el ciberespacio contra la realidad, etc.

No encuentro mejor posibilidad que el ciberespacio para jugar con conceptos técnicos de la literatura como realidad y fantasía, porque, en ese mundo tan tecnologizado y herrumbroso frente al otro digital frecuentado por Inteligencias Artificiales, ¿quién diferencia entre sueño y vigilia? ¿Qué es qué? ¿Acaso la realidad digital se convierte en mayor verdad que la realidad tangible y analógica? Las fronteras de los mundos se difuminan. Entra la confusión, tanto para escritor, personajes y lector, hasta el punto en que resulte difícil diferenciar entre ambos planos.

Quizás el ejemplo que mejor llegue a ilustrar mis palabras está en la película “Desafío Total” (Total Recall, 1990), porque transcurre toda la película y siempre permanece en el espectador la incógnita de si el protagonista vive realmente la aventura o todo es parte de la proyección holográfica que solicita al comienzo del film.

Ésta idea me propongo realizar en el nuevo relato que estoy escribiendo. No sólo abarcar el cyberpunk, sino usarlo como herramienta para algo más. Espero que el resultado merezca la pena, aunque todavía es pronto para afirmarlo.

[Imagen obtenida en http://lacomunidad.elpais.com/blogfiles/da-go-agu/cyberpunk_symphony.jpg]

Un ahogado grito del océano; un tímpano sordo del hombre.

2008-05-08T12:04:00.000-07:00

Revisión de Solaris, de Stanislav Lem

Por fin tuve el gusto de leer una tradicional novela de CF de este aclamado autor polaco que tan recientemente nos ha abandonado. Lem (1945-2006) es un afamado escritor de CF, de tono satírico y filosófico. Esta obra, publicada en el año 1961, es una de sus más celebradas creaciones.

Javier Negrete resume así el argumento:

“En esta novela, de ambiente claustrofóbico y obsesivo, hay tan solo tres personajes humanos. Pero el principal protagonista es el propio planeta, Solaris, un mundo cubierto por un inmenso océano de una extraña sustancia, con no menos extrañas propiedades, que parece ser un único organismo vivo y sintiente. Durante muchos años, los científicos han intentado desentrañar el misterio de Solaris, comprender las fascinantes estructuras que se originan en su superficie e incluso trabar contacto con la ¿posible, supuesta? mente del planeta. Pero en el momento de la novela, se ha renunciado prácticamente a este empeño. El principal protagonista humano, Kris Kelvin, llega a la estación Solaris para sustituir a uno de sus tres ocupantes y averiguar en qué circunstancias ha muerto. Allí, descubrirá que los dos miembros del equipo que sobreviven se encuentran al borde de la locura, y que en la estación hay otras extrañas presencias, fantasmas convertidos en carne y hueso de los que no se puede huir. Él mismo recibirá una visita de su pasado, Harey, una mujer a la que en un tiempo hizo daño y que ahora el propio planeta parece haber materializado para Kelvin. ¿Cuál es el propósito de estas creaciones? ¿Estudiar a los hombres, comunicarse con ellos, permitir que los hombres estudien a Solaris?” [J. Negrete, El auténtico sentido de la maravilla, en http://www.gigamesh.com/criticalibros/solaris.html]

Desde luego, la temática de esta novela se puede encuadrar en el llamado “primer contacto”, y, según han declarado muchos, posee un cierto parentesco con la novela de Arthur C. Clarke “Cita con Rama” [Rendeviouz with Rama]. El universo es un espacio infinito donde los escritores de CF dejan volar su imaginación para crear todo tipo de seres. El escritor polaco nos propone un primer contacto fallido. La clave de la novela es la incomunicación, la cual se muestra en todos los niveles.

La criatura o semidiós de Solaris es un ente tan ajeno a la prepotencia y la limitación mental humana que resulta incomprensible su comportamiento en toda la novela. Es el protagonista y actúa como personaje encubierto. Moviliza la trama y sin embargo, él siempre es observado en la novela. La incomunicación con el océano queda también patente en las largas diatribas con cierto aire escolástico que nos presenta Lem a modo de ensayo sobre la denominada ciencia solarística. Cientos y cientos de hipótesis incomprobables e irreconciliables se aglutinan en la biblioteca que frecuenta el psicólogo Kris Kelvin.

Otro de los elementos más destacables de Lem es, sin duda alguna, la ironía patente en su pluma, en especial, al describir la aprehensión humana de la realidad como “nuestra comprensión prehistórica, grosera, antropomórfica del mundo de alrededor” (Stanislav Lem -1961-, Solaris, pág. 197. Edición Clásicos Minotauro, 2008). O, si se prefiere, en palabras del propio personaje Snaut: “Evitamos decirlo, por pudor, pero en algunos momentos pensamos muy bien de nosotros mismos. Y, sin embargo, bien mirado, nuestro fulgor es puro camelo. No queremos conquistar el cosmos, sólo queremos extender la tierra hasta los lindes del cosmos. Para nosotros, tal planeta es árido como el Sahara, tal otro glacial como el Polo Norte, un tercero lujurioso como la Amazonia. Somos humanitarios y caballerosos, no queremos someter a otras razas, queremos simplemente transmitirles nuestros valores y apoderarnos en cambio de un patrimonio ajeno. Nos consideramos los caballeros del Santo Contacto. Es otra mentira. No tenemos necesidad de otros mundos. Lo que necesitamos son espejos” (Pág. 87-88, Ibidem.). Ésta es la incomunicación humana con la realidad desconocida y nueva.

Tampoco se produce un entendimiento adecuado entre el protagonista y la aparición, o entre los miembros de la expedición, cada uno aislado en su propio refugio de la estación y en una evasión continua de cualquier contacto directo. Incomunicación dentro del propio protagonista, que lucha por entender medianamente su vida y por comprender cuáles son sus verdaderas intenciones vitales.

Como nos declara Jordi García:

“Al terminar de leerla la inquietud de lo leído permanece en los recovecos del alma, recordándonos que el Universo, a fin de cuentas, permanecerá siempre misterioso, y que la naturaleza, en su pasiva existencia, es tanto más aterradora en tanto en cuanto no se la puede vencer, en tanto en cuanto su inexorabilidad nos pone ante los ojos el espejo de nuestra propia insignificancia en el cosmos.” [Jordi García, en http://www.ciencia-ficcion.com/opinion/op00246.htm, con fecha de 27 de diciembre de 1999]

Bien, llegados a este punto, termino con mi alabanza del contenido. Pero si me adentro en la forma mi opinión varía. Lem consigue crear el ambiente claustrofóbico, el silencio terrorífico y la soledad perpetua en medio del universo que recorren casi todas las páginas de la novela con un lenguaje eficaz. Sin embargo, considero un error el tratamiento de la novela mediante un narrador protagonista. Durante toda la primera parte, a mi juicio, la obra peca de un exceso de acciones en primera persona que dañan el progreso de la narración y la vuelven excesivamente egocéntrica.

Desconozco la literatura polaca y la tradición de los cuentos fantásticos de los países del este que influyeron en la prosa de Lem, pero creo que la elección de un narrador protagonista conlleva un relato más introspectivo, más psicológico y, en cambio, durante la primera parte Lem se mantiene en el exterior de Kelvin, relatando lo que hace, lo que dice, lo que gesticula, pero, prácticamente, sin centrarse en sus pensamientos, miedos, opiniones, ideas, etc. Cuestión que va remediando a medida que Solaris le obliga a participar en su juego, a medida que el lector va descubriendo cómo es el protagonista.

Tampoco parece que sea el único en apreciar este detalle, dado que el cibernauta Reginairae Señala: “Lo he notado más bien frío en lo tocante a las emociones. Cuando Kelvin recibe la visita de la que parece su mujer (aunque él descarta enseguida tal posibilidad, en buena lógica), no se nos describe la tormenta emotiva que esto podría haber causado. Su relación con esa Harey que no es Harey parece más bien de recelo, aunque al final del libro él declara que la ama. No obstante, eso no se aprecia. Los sentimientos no están bien tratados en la novela. Lem no parece interesado en profundizar en la historia de amor de ellos, ni la presente ni la pasada.” [Críticas liteararias: Solares, de Stanislav Lem, en http://reginairae.blogcindario.com/2005/10/00227-solaris-de-stanislav-lem.html, con fecha de 10 de octubre de 2005]

Como conclusión, que Solaris es una obra de lectura obligatoria para un aficionado es algo que queda patente, pero no por ser Lem un gran escritor. Dado que éste no se merece un completo halago, sino una crítica correcta y constructiva.

REVISIÓN DE "EL MUNDO DE YAREK"

2008-03-10T03:59:00.000-07:00

Elia Barceló (Alicante, 1956), profesora de hispanística en la universidad de Innsbruck (Austria), es una de las escritoras más conocidas en el núcleo de plumas revolucionarias de la CF española de las dos últimas décadas del siglo pasado. Esta pequeña novela, ‘El mundo de Yarek’, le permitió a la escritora obtener el cotizado Premio UPC en el año 1991.

Encontré esta obra en la biblioteca y dado que últimamente me escasea el tiempo de lectura, me he de conformar con relatos cortos antes que con novelas extensas. Sin ánimo de menosprecio, sino todo lo contrario. Los relatos también pueden ser formidables, pues, como decía Cortázar en un símil con el boxeo: “La novela gana por puntos, pero el relato gana por KO”.

No es la primera obra que leo de esta autora. También leí un relato breve titulado ‘La estrella’, recogido en la antología de Julián Díez: “Antología de la Ciencia-Ficción española (1982-2002)”. Dicho cuento me dejó buen sabor de boca, pero no puedo realizar la misma valoración acerca de la obra que aquí nos atañe.

La narración es fluida, el léxico cuidado y los tiempos verbales correctos. Además, posee frases muy bien construidas e imágenes muy poéticas. Pocos errores en el texto, más allá de alguna recóndita repetición inconsciente. El estilo es claro y de vez de encunado realiza recursos estilísticos allí donde el texto lo solicitaba.

La trama también está bien desarrollada. Sin la necesidad de parafernalia tecnológica, Barceló narra una historia muy humana: un exilio, una soledad infinita. El abandono que sufre el protagonista en un planeta olvidado durante veinte años, aunque sólo dos de ellos nos son contados.

El progreso de la narración y la presentación de los acontecimientos, de la vida del planeta y de sus variables estaciones dotan al relato de fuerza y de cuerpo. A través de Yarek vamos conociendo progresivamente las causas de su situación y su exploración del planeta y acomodo a éste, hasta que llegue un punto en que se considere colonizador y llame al lugar con su propio nombre: el mundo de Yarek

Pero la escritora nos muestra un final francamente decepcionante. Da la sensación de que no sabía como cerrar la historia. Más allá de las posibilidades de un final abierto, que perfectamente hubiera funcionado cuando Yarek desconecta su localizador y niega con ello su regreso a la civilización, la escritora podría, recurriendo al mismo giro inesperado de que todo fuese ficción en una cámara crioestática, haberlo realizado de alguna otra manera más rica.

Barceló recurre a una subtrama política un poco superflua entre los miembros del Tribunal Supremo, deliberando sobre el futuro de Yarek, al cual vemos en su cámara crioestática. La conversación en gran parte se pierde en derroteros poco claros, entre las discordias de los propios miembros, el caso Yarek y la presión encubierta del Gobierno.

Para mi gusto toda esa parte sobra. Deja mal sabor de boca al lector. Pierde fuerza y, principalmente, la gran fuerza de los relatos es el final. Primero: hay un cambio de vista radicalmente distinto al que se había mantenido durante el resto del relato. Segundo: tiene cierto aire de epílogo para cerrar el relato. Tercero: pretende ser una explicación completa de lo sucedido desde una nueva perspectiva que resultaba innecesaria. Cuarto: aparecen nuevas voces diferentes a la anterior y ligeramente confusas para el lector. Probablemente puedo acuñar más razones, no obstante tan sólo deseo dejar constancia de que este cierre es mejorable en todos los sentidos.

Lo mejor es aprender de los errores ajenos y recordar que el final una parte esencialmente importante del relato y merece un clímax que otorgue fuerza a la obra y sacie los deseos del lector.

Cuando los mundos chocan

2008-02-11T09:46:00.000-08:00

Esta genial y clásica película de Ciencia Ficción no podía estar más en boga hoy dado que está programada la realización de un remake de esta joya fílmica que será producida por Steven Spielberg y dirigida por Stephen Sommers, conocido por malas producciones de índole comercial como ‘La Momia’ o ‘Van Helsing’.

Ficha técnica:
EE.UU., 1951Título original: When Worlds CollideDirección: Rudolph MateGuión: Sydney Boehm. Adaptación de la novela homónima del año 1932 escrita por Edwin Balmer & Philip Wylie.Producción: ParamountMúsica: Leith StevensFotografía: W. Howard Greene IMDb:
ISBN('tt0044207', '');
Reparto: Richard Derr (David Randall); Barbara Rush (Joyce Hendron); Peter Hansen (Dr. Tony Drake M.D.); John Hoyt (Sydney Stanton); Larry Keating (Dr. Cole Hendron); Rachel Ames (Julie Cummings); Alden Chase (Dr. George Frye,); Frank Cady (Harold Ferris); Hayden Rorke (Dr. Emery Bronson); Sandro Giglio (Dr. Ottinger)
[Fuente: Alfonso J. Merelo, 2000, en http://www.ciencia-ficcion.com/pelis/pcuandomu.htm]

Sinopsis: Pese a que una estrella errante va a estrellarse contra nuestro planeta de forma inminente, la ONU hace oídos sordos al doctor Hendron y sus colaboradores cuando estos advierten del peligro. Ante este panorama, un grupo de industriales decide financiar la construcción de una nave que llevará a cuarenta personas y algunas especies animales a otro planeta para poner en marcha allí una nueva Humanidad. Pero, a medida que se va aproximando el fin, además de luchar contra el tiempo, los creadores de esta moderna arca de Noe habrán de enfrentarse al pánico de los que se quedan en tierra.
[Fuente: Javier Memba, ‘La década de oro de la ciencia-ficción (1950-1960)’, T&B editores, Madrid, 2005]

No nos hallamos más que en un palimpsesto o reinterpretación de la historia bíblica del arca de Noe, y como tal, la película se presenta y se cierra con una cita bíblica acerca de este pasaje archiconocido del Antiguo Testamento, lo cual sirve como prueba de la capacidad inspiradora de esta enorme obra compendio de historias y saberes. No se me malinterprete: alabo el libro, no lo que de ellos se ha desprendido.

Probablemente lo más destacado en medios tecnológicos son las imágenes de destrucción de la tierra cuando el planeta Zyra, al que se dirigirá el cohete espacial para salvar a la humanidad, se acerca demasiado a nuestro planeta. A este respecto señala Alfonso J. Merelo en su crítica: “Uno de los momentos culminantes de la película se produce con el paso de Zyra cerca de la Tierra. Imágenes de volcanes en erupción, olas gigantes y edificios derruidos, sacadas de documentales evidentemente, dan idea de la destrucción que produce este fenómeno en el mundo. Previamente vemos imágenes muy bien realizadas de las ciudades costeras desalojadas y vacías. Esto sólo será una medida provisional ya que el impacto con Bellus destrozará la Tierra. Después se pueden ver imágenes de ciudades sumergidas”. Un despliegue de maquetas en los años cincuenta cuyo resultado no es tan desastroso como cabía esperar.

Pero a cerca del argumento habría que destacar la subtrama donde se analiza el comportamiento humano. Los científicos se pierden en un racionalismo como el de Locke y olvidan la realidad de la naturaleza humana, la cual si la recuerda el denigrante personaje del magnate paralítico: Sydney Stanton. “Para el villano impedido, Hendron y su equipo ‘han pasado demasiado tiempo mirando las estrellas”, lo que les ha hecho olvidarse de la maldad humana”, explica Javier Memba. Es verdad, en esta película lo interesante es el culmen final cuando brota el instinto de supervivencia humana y entonces todos nos convertimos en lo que Hobbes llamó el último hombre: “Homo hominis lupus est”.

Otro detalle que enriquece la película es el triángulo amoroso entre los tres protagonistas, que ofrece al filme una subtrama que escapa del pesimista planteamiento de una destrucción cósmica de nuestro planeta. Estos tres personajes presentan distintas visiones ante la catástrofe mundial. Podemos ver a Randall quemando billetes para encender sus cigarros porque conoce el escaso valor del dinero ante la nueva situación; a Joyce cambiando radicalmente sus posturas vitales y lanzándose a los brazos de un nuevo amor distinto a la vida establecida de casada en la que se veía encasillada. Y finalmente el sacrificio de Drake, el exnovio, quien pretende abandonar a su competidor, pero finalmente prepara un ardid para que los nuevos amantes estén juntos en el nuevo mundo.

En otro orden de aspectos, también debo puntualizar que esta película tiene planteamientos típicos de los años cincuenta, como, por ejemplo, que todos los tripulantes elegidos para viajar en la moderna arca sean blancos. Además, se le niega el pasaje al magnate minusválido por su condición física, no por la maldad de su corazón. No existe nada de la diversidad racial de nuestro planeta en el nuevo mundo. En cierto modo parece que la adorada solución de Hitler puede llegarnos desde el cielo. Puede que en el remake se solucione tal gazapo.

Como conclusión cito a Alfonso J. Merelo: “El film se nos ofrece en toda su extensión como un reportaje novelado sobre los últimos meses de la vida humana y los esfuerzos por salvar a una pequeña parte. Se trata de dotar a la película con una pátina científica creíble; desde el análisis de los datos astronómicos en un ordenador de la época (un aparato diferencial), hasta las explicaciones de la construcción de la nave, que se lanza desde unos raíles inclinados, son intentos de hacer verosímil la trama”.

Que sirva de muestra de cómo Hollywood en tiempos recientes se ha quedado sin ideas y sólo ofrece refritos de otras producciones de décadas pasadas, y sino, véase títulos como ‘Deep Impact’ o ‘Armaggedom’, de planteamiento similar. Y, más recientemente, tendremos ya no sólo una versión del mismo tema, sino un remake, una reedición algo más moderna. ¿Cuál será el resultado? ¿Empeorarán el planteamiento de la película del año 51? Probablemente, pero por ahora sólo queda esperar.

CORTÁZAR CULTIVA CIENCIA-FICCIÓN

2008-01-23T10:19:00.000-08:00

Julio Cortázar (1914-1984), famoso escritor bonaerense, podría incluirse en la inmensa lista de famosas plumas que demostraron cierta inversión en este interesante género de la CF.

¡Qué sorpresa! Abrir una colección de cuentos de este gran novelista que engloba entre su producción joyas como la magna novela “Rayuela”, o relatos como “la noche boca arriba”, con su estilo cercano al surrealismo, repleto de imágenes sorprendentes y fabulosas, o de oraciones inquietantes tan bellamente concluidas, y en mitad de la colección de cuentos encontrarse uno muy breve que se puede englobar en el mundo de la CF.

No será recordado por la producción en este campo, desde luego, pero, como otros muchos escritores ilustres, ha sido una mano más que demuestra a los detractores de este querido ghetto lo que puede alcanzar la CF. El novelista, que recientemente escuchábamos en un anuncio (“No te regalan un reloj, tú eres el regalado”), regaló a la humanidad este cuento:

De la simetría interplanetaria

This is very disgusting
DONALD DUCK

Apenas desembarcado en el planeta Faros, me llevaron los farenses a conocer el ambiente físico, fitogeográfico, zoogeográfico, político-económico y nocturno de su ciudad capital que ellos llaman 956.
Los farenses son lo que aquí denominaríamos insectos; tienen altísimas patas de araña (suponiendo una araña verde, con pelos rígidos y excrecencias brillantes de donde nace un sonido continuado, semejante al de una flauta y que, musicalmente conducido, constituye su lenguaje); de sus ojos, manera de vestirse, sistemas políticos y procederes eróticos hablaré alguna otra vez. Creo que me querían mucho; les expliqué, mediante gestos universales, mi deseo de aprender su historia y costumbres; fui acogido con innegable simpatía.
Estuve tres semanas en 956; me bastó para descubrir que los farenses eran cultos, amaban las puestas de sol y los problemas de ingenio. Me faltaba conocer su religión, para lo cual solicité datos con los pocos vocablos que poseía –pronunciándolos a través de un silbato de hueso que fabriqué diestramente-. Me explicaron que profesaban el monoteísmo, que el sacerdocio no estaba aún del todo desprestigiado y que la ley moral les mandaba ser pasablemente buenos. El problema actual parecía consistir en Illi. Descubrí que Illi era un farense con pretensiones de acendrar la fe en los sistemas basculares (‘corazones’ no sería morfológicamente exacto) y que estaba en camino de conseguirlo.
Me llevaron a un banquete que los distinguidos de 956 le ofrecían a Illi. Encontré al heresiarca en lo alto de la pirámide (mesa en Faros) comiendo y predicando. Lo escuchaban con atención, parecían adorarlo, mientras Illi hablaba y hablaba.
Yo no conseguía entender sino pocas palabras. A través de ellas me formé una alta idea de Illi. Repentinamente creí estar viviendo un anacronismo, haber retrocedido a las épocas terrestres en que se gestaban las religiones definitivas. Me acordé del Rabbi Jesús. También el Rabbi Jesús hablaba, comía y hablaba, mientras los demás lo escuchaban con atención y parecían adorarlo.
Pensé: “¿Y si éste fuera también Jesús? No es verdad la hipótesis de que bien podría el Hijo de Dios pasearse por los planetas convirtiéndolos a los universales. ¿Por qué iba a dedicarse con exclusividad a la Tierra? Ya no estamos en la era geocéntrica; concedámosle el derecho a cumplir su dura misión en todas partes”.
Illi seguía adoctrinando a los comensales. Más y más me pareció que aquel farense podía ser Jesús. “Qué tremenda tarea”, pensé. “Y monótona además. Lo que falta saber es si los seres reaccionan igual en todos lados. ¿Lo crucificarían en Marte, en Júpiter, en Plutón…?”.
Hombre de la Tierra, sentí nacerme una vergüenza retrospectiva. El Calvario era un estigma coterráneo, pero también una definición. Probablemente habíamos sido los únicos capaces de una villanía semejante. ¡Clavar en un madero al hijo de Dios…!
Los farenses, para mi completa confusión, aumentaban las muestras de su cariño; prosternados (no intentaré describir el aspecto que tenían) adoraban al maestro. De pronto, me pareció que Illi levantaba todas las patas a la vez (y las patas de un farense son diecisiete). Se crispó en el aire y cayó de golpe sobre la punta de la pirámide (la mesa). Instantáneamente quedó negro y callado; pregunté, y me dijeron que estaba muerto. Parece que le habían puesto veneno en la comida.

(‘Prolegómenos a la Astronomía’,1943)

Qué larga lista podríamos confeccionar con autores que en algún momento de su vida han cultivado CF: Jorge Luis Borges, Ramón Gómez de la Serna, Víctor Hugo, Italo Calvino, Miguel de Unamuno, y un largo etcétera. Constátese por tanto que el aquí presentado no es más que un ejemplo.

Visto lo visto: ¿Acaso no se merece un elogio la CF? ¿Acaso no resulta coherente defender su calidad literaria, sus influencias, sus posibilidades?

Mística en la Ciencia-Ficción

2007-12-07T09:44:00.000-08:00

Parece una paradoja –irracionalidad en una literatura de aspecto científica, es decir, base lógica-, pero esa es la visión que se desprende de una primera lectura de la obra “Hacedor de Estrellas” (Starmaker, 1937), del escritor británico Olaf Stapledon (1886-1950).

Mediante una estructura progresiva, Stapledon nos va mostrando la insignificancia de un hombre en la infinitud del cosmos. Pero no sólo de un hombre, también de la humanidad, del resto de razas de la galaxia -variopintas y variadas- y de los propios astros. Así hasta arribar al ente supremo que nos propone el autor: el Hacedor de Estrellas.

Me ha sorprendido, no se si se debe a cuestiones de traducción, la confusión que presenta el libro entre los términos crear y hacer. El segundo requiere materia prima, el primero se hace de la nada. Según el concepto del Ser Supremo que aparece en la obra, éste es creador, no hacedor. En ningún momento se especifica que requiera material para realizar su obra, sus universos.

También me disgustó en cierto modo su planteamiento. Para Stapledon queda como algo similar al Dios de los cristianos, es una visión demasiado occidental. Es un paso más en la abstracción del Dios que recoge La Biblia, pero a mi juicio es simplista esta visión de Stapledon después de la asombrosa y angustiosa presentación que recoge del universo y de su historia.

Un punto a su favor consiste en la teorías de orden biológico aplicado al desarrollo de civilizaciones que nos presenta en cada planeta, como los seres planta y los seres simbióticos, además de los procesos de desarrollo futuro como el momento culmen de la creación de una mente cósmica en la que todos los seres del universo están mentalmente conectados entre sí.

Como colofón final recomiendo su lectura ya que posee, a pesar del estilo ensayístico que convierte su lectura en una tarea más ardua, innumerables aspectos que convierten a esta obra en un clásico de la CF.

Revisión de “crónicas marcianas”, de R. Bradbury

2007-11-03T03:25:00.001-07:00

Hace pocos años leí “Fahrenheit 451” (1953) y ya me asombré del talento de este autor, pero al fin hallé tiempo para profundizar más en la obra bradburiana y proseguí la tarea con “Crónicas marcianas” (The martian chronicles, 1950) y la experiencia sigue siendo más que positiva. ¿Estamos ante un gran autor de la CF? Según cómo se mire.

“Crónicas marcianas” se compone de una serie de relatos cortos sobre la colonización de Marte, relatados al modo de crónicas, sucesos aislados históricos que forman un croquis final sobre la presencia humana en el planeta rojo. Siendo una obra anterior, ya se atisba en ella la maravilla de un autor con posibilidades, un creador de imágenes geniales, con una gran carga poética.

Como lector suyo hay varias oraciones que se han quedado en mi cabeza al leer esta obra: El rayo partió la noche en dos / Lloraba con el rostro entre las manos; los hombros sacudidos por los sollozos / La voz de Anna murió en la superficie rizada del agua. Las recojo aquí como ejemplos para mostrar el talento de Ray Bradbury. Reconozco mi mediocridad por haberlo leído traducido, pero ya maldecí lo suficiente con los errores de traducción que fui encontrando en el libro y que restaban mucha fuerza a la obra. Y a pesar de eso pude disfrutar de “Crónicas marcianas”.

Hablamos de un curioso fenómeno, un habido lector y escritor autodidacta que incluso posee un asteroide con su nombre. Un clásico de la CF, aunque no tan inmerso en el mundo como otros autores, ya que él mismo se ha declarado más escritor de fantasía que de CF. Bradbury posee la cualidad de usar cimientos de la CF más que como fin, como un medio. Se convierte de tal modo en un pretexto a través del cual construye su obra.

Este autor estadounidense va más allá. Nos presenta la colonización de Marte como una revisión de la colonización americana: las expediciones de ultramar, los primeros asentamientos, la relación con los nativos, etc. Pero Bradbury no se queda allí, da un paso más. Él se consideró a sí mismo “un narrador de cuentos con propósitos morales”. Eso sucede en esta obra. El lector se siente empequeñecido, perdido en una marisma de dudas existenciales cuando lee los relatos de la tercera expedición, con el capitán Black; o cuando lee el relato del humano que se cruza con un marciano de otro tiempo y el presente se ha fundido con el pasado, como una ilusión.

Muchos detalles se podrían resaltar de este libro, pero prefiero dejarlos en manos cada lector, para que cada uno disfrute a su manera, extraiga sus propias conclusiones y se quede con aquellos detalles que más le han complacido. Me despido con unas palabras de J. L. Borges acerca de esta obra bradburiana: “¿Qué ha hecho este hombre de Illinois, me pregunto, al cerrar las páginas de su libro, para que episodios de la conquista de otro planeta me llenen de terror y de soledad?”

Fuente de la fotografía: http://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Bradbury

EL HIJO PRÓDIGO DE ZAMIATIN

2007-09-24T06:46:00.000-07:00

Nosotros, del ruso Yevgueni Zamiatin (1884-1937), es una novela poco conocida, al igual que su autor, pero relevante en el mundo de la CF. Su influencia es más que perceptible en la obra que denominaré como su hijo, 1984, uno de los trabajos más conocidos del escritor inglés George Orwell (1903-1950), junto con Rebelión en la granja.

Lo que Orwell debe a Zamiatin es más que perceptible para cualquier lector que se aventure con las dos obras señaladas. El propio escritor inglés se ha tenido que defender de acusaciones de plagio a su homólogo ruso, pero en realidad lo que ha admitido es la influencia que Yevgueni Zamiatin ha causado en él.

Sí que se puede afirmar el parecido de ambas obras. Sin embargo, también poseen diferencias que las convierten en obras afines y no idénticas. En primer lugar, el estilo de ambos autores es diferente, algo obvio teniendo en cuenta que ambos se situaban en una etapa madura de su creación literaria en la cual ya habían encontrado más que de sobra su voz personal.

La obra de Zamiatin, en su narrativa, posee algunas características que considero primitivas en el sentido de que encajaban perfectamente en la época, pero no en la actualidad, tras la revolución que las vanguardias de principios de siglo han provocado en la literatura. Por ejemplo, alusiones al lector, e incluso algunas anomalías temporales -en la conjugación de los verbos- creadas por el estilo de diario íntimo que escoge para desarrollar la trama... (Esta última crítica puede no verse correspondida en la versión original de la novela y deberse a la traducción. No lo sé y no lo puedo comprobar porque desconozco absolutamente el idioma ruso).

La prosa de Orwell me pareció no sólo más actual, sino más envolvente e incluso catártica con el escalofriante momento de las torturas a los protagonistas.

Pero las obras también se diferencian en su temática. El Estado de Orwell es más omnipresente, más cercano que el de Zamiatin. Además, mientras que la sociedad ideada por el ruso se basa principalmente en la anulación absoluta de la esfera privada y de la personalidad del individuo, la ideada por Orwell es más simple y se basa mayormente en el terror. Eso sí, el Estado de 1984 es más factible en los tiempos que corren que el de Zamiatin, cuya consecución sería más ardua, compleja y conllevaría mayor cantidad de tiempo. También indica esta diferencia Julián Diez, amigo de este mundo de la CF, cuando afirma: El Estado presentado por Zamiatin no es tan cerradamente opresivo como los de Huxley y Orwell: se adivina la existencia de humanos libres más allá de un descomunal muro (Julián Díez, “La conversión del hombre”, en http://www.bibliopolis.org/extramur/extr0034.htm).

En lo referente a los parecidos, podemos resaltar un protagonismo masculino por parte de ambas obras, pero mientras que en la del inglés el personaje ya posee cierta antipatía por la sociedad en la que le ha tocado vivir, en Zamiatin el personaje es inicialmente un producto más de la sociedad, pero que según avanza la novela cambia de postura.

En ambas novelas hay un personaje femenino que actúa como detonante de la acción. Son las femme fatale que encaminan a la perdición a los protagonistas. Pero la “activista de faldas para abajo” de Orwell es mucho más simple e inconsciente que la I-330 de Zamiatín, la cual realiza una labor de espionaje encubierto y encamina a la perdición al protagonista de forma consciente.

¿Cómo llega a fluir esta influencia? Sabido es que en la literatura el presente se enriquece con el pasado, es decir, el proceso es acumulativo. Por ello, “Nosotros, considerada por algunos como novela de ciencia ficción, puede verse como antecedente de Un mundo feliz de Huxley y de 1984 de George Orwell. Nosotros está escrita entre 1919 y 1921 y fue publicada en París de modo clandestino, al igual que la mayoría de las novelas de los exiliados políticos rusos. Muy pronto Nosotros llegó a los círculos intelectuales de la época -tanto Huxley como Orwell llegaron a leerla-, pero nunca fue editada de modo oficial en Rusia hasta los años de la perestroika” (http://frente-espanol.mforos.com/1253027/6632124-las-anti-utopias-literarias/).

En conclusión, mucho se podría decir, y mucho se ha dicho ya, sobre estas dos fantásticas distopías y sobre la influencia que una ha originado en la otra, pero no deseo extenderme más allá de la necesario y prefiero terminar este pequeño artículo con las palabras de Julián Díez acerca de la novela del escritor ruso:

“Un libro, pues, imprescindible para quien quiera disfrutar del poder de la literatura de realidades alternativas como escalpelo de nuestra propia realidad. Y un cúmulo de argumentos para afrontar a la hegemonía del pensamiento imperante, el que identifica capitalismo necesariamente con libertades y socialismo indefectiblemente con totalitarismo, como si no fuera posible un socialismo humanitario -véase la concienzudamente exterminada experiencia yugoslava, o el modelo mixto sueco- de igual manera que vivimos en nuestro día a día un capitalismo cada vez más censor y salvaje” (Julian Díez, art. cit.).

2007-09-03T09:06:00.000-07:00

HACIA UNA NUEVA CONCEPCIÓN DEL TIEMPO

El Tiempo, personaje desleído omnipresente en la historia de la literatura, puede ser mucho más de lo que imaginamos; puede ser protagonista; puede ser un Dios; puede ser destruido.

Leía yo el otro días a Jorge Luis Borges (1899-1986), y me sorprendió, como ya lo había hecho anteriormente. Me estoy refiriendo al relato “El jardín de senderos que se bifurcan”, incluido en el libro Ficciones (1944), un conjunto de relatos breves considerados hoy en día joyas de la literatura. Cito textualmente:

A diferencia de Newton y de Schopenhauer, su antepasado no creía en un tiempo uniforme, absoluto. Creía en infinitas series de tiempos, en una red creciente y vertiginosa de tiempos que se aproximan, se bifurcan, se cortan o que secularmente se originan, abarca todas las posibilidades. No existimos en la mayoría de esos tiempos; en algunos existe usted y no yo; en otros yo, no usted; en otros, los dos.

Quien piense que buscar modelos para la CF fuera del mundillo, en la denominada 'alta literatura', es un error, aquí le muestro un ejemplo para eliminar esa idea. Quien, por otra parte, considere la CF un género menor o desprestigiado, también aquí le enseño un ejemplo de como la CF puede ofrecer obras cuidadas y completas gracias a autores que aspiran a hacer literatura. Y si aún así no me cree, que observe la repercusión de autores como el polaco Stanislaw Lem (1921-2006) en el mundo de la literatura en general.

Sin irme más por las ramas a cuestiones que podré tratar en otro momento, lo que deseo mostrar aquí es una concepción del tiempo superior a la idea de linealidad que nos permite la existencia de nuestra naturaleza humana, la cual se limita a (en el caso de alcanzar una longevidad media) cerca de un siglo.

El Tiempo es un ente mayor y mucho más complejo. Borges nos presenta una bonita imagen para demostrarlo. Un jardín que es metáfora del tiempo, repleto de caminos casi laberínticos que sin aparente orden ni concierto se aproximan, se bifurcan, se cortan o que secularmente se originan. El Tiempo, como tal, no tiene ni principio ni final, los sucesos que registra se repiten o se suceden de infinitas maneras diferentes, o no llegan a producirse. Todo es posible y todo lo comprende.

Visto así ya podemos comprender en él muchas de las historias que se tratan en la CF: universos paralelos, ucronías, criaturas espaciales atemporales... O también jugar con otros conceptos literarios como la realidad, irrealidad y la fantasía. Lo que sucede o no realmente. Las posibilidades son amplias y los tratamientos diversos. Aquí sólo pretendo mostrar un marco teórico que sirve de base para edificar una historia de CF.

Pero todo esto que he tratado hace referencia al Tiempo en el tema de una obra de CF. Sin embargo, ¿qué sucede si añadimos el tratamiento formal que puede recibir? Más allá del concepto de la historia in media res o a fine, nuestros padres vanguardistas de principios y mediados del siglo XX con sus experimentaciones literarias nos abrieron y mostraron caminos para tratamientos literarios distintos, novedosos.

La consecuencia es un Tiempo que puede ser tanto destruido (en su concepción tradicional), como reedificado, como recuperado en su protagonismo, e, incluso, deificado. Algo que en gran parte no permite la literatura realista, encasillada y encorsetada en una limites de los cuales la CF puede, por lo menos en este aspecto, escapar.

Expuesto de esta manera, suena demasiado abstracto, pero no es difícil concretar todo esto en una historia que sea no sólo legible, también amena y entretenida. Aquí ofrezco un esqueleto, ahora hay que añadirle los músculos y darle vida. No es tan difícil, yo lo he conseguido en un relato breve que titulé “Renacer” y que a día de hoy rezo para que aparezca publicado en algún sitio.

Yo pude realizarlo, ¿por qué no tú? Te he ofrecido un punto de partida. Ahora te deseo suerte si te animas a realizar un proyecto literario o audiovisual a partir de esta característica que he pretendido (y no se si conseguido) esbozar en este artículo. También te deseo suerte para que tu obra, en caso de que la realices, tenga éxito. Todo sea por el maravilloso mundo de la CF.

M. Peregrina

Nota: Fotos tomadas de:

Tiempo_2, de antona2.blogspot.com/2007_04_01_archive.html
Linea-tiempo-universo, de www.abadiadigital.com/noticia1968.html

CÓMO DESMANTELAR UN FILM HOLLYWOODIENSE

2007-08-28T07:28:00.001-07:00

Anacronismos e incongruencias en la película “El único”

Es cierto, a veces duele la manera en que la industria de Hollywood trata a la ciencia ficción, y el caso enigmático de la película “El único” (The One, 2001), protagonizada por Jet Li y cuyo guión es obra del director, James Wong, y de Glen Morgan, nos ofrece una nueva oportunidad para desechar la paja del grano en el mundo de la CF.

De este film señalaría varias cuestiones que no se han tenido en cuenta a la hora de elaborar el guión y que demuestran, a mi juicio, errores de base en la película.

“El único” trata sobre un asesino que se dedica a viajar por el multiverso asesinando a representaciones de su propio “yo” en otros universos con la finalidad de ser el único, el ser más poderoso. En primer lugar, aplaudo la idea de que si muriese una representación de ti mismo en otro universo, su esencia vital se reparta entre los otros “yo” de los otros universos paralelos. Es ésta la que les sirve para construir toda la acción trepidante que configura el film.

Pero analicemos detenidamente el planteamiento.

En primer lugar, mientras visualizaba “El único”, me surgió una pregunta esencial basada en una ley física universal que se recuerda en otras películas de Hollywood, como en Regreso al futuro (Back to the Future, 1985): “Una misma materia no puede ocupar el mismo espacio al mismo tiempo”. No soy ningún científico, ni mucho menos, pero cada vez que Jet Li se cruzase con otros “yo” y se tocasen, ¿no se distorsionaría la existencia por romperse esta ley? Esta pregunta queda volando dudosa en el aire, ya que se podría argüir que en realidad no es el mismo y exacto espacio el que ocupan.

Por otro lado, en la película señalan que el personaje de Jet Li ha asesinado a más de cien “yo”. Sin embargo, ¿Qué es el multiverso? El conjunto de representaciones de varios universos, donde un universo difiere de otro en algo diferente, o en todo, o en gran parte. Podemos concluir que hay un número infinito de universos. En el caso de Jet Li únicamente, su personaje puede tener un infinito de “yo” distribuidos cada uno en un universo diferente.

Presuponiendo que el universo comenzase con nuestro nacimiento, a cada milésima de segundo tomamos decisiones, realizamos acciones que por nimias que sean éstas influyen en nuestra vida y cada una de ellas genera un camino y abre nuevas posibilidades. Entonces, cada milésima de segundo se genera una posibilidad diferente de nosotros mismos y cada una de ellas sería un universo. Sólo de nuestra vida, a cada año que pasa, las posibilidades de nosotros mismos han crecido en una proporción inimaginable. Hasta aquí, ya poseemos un cantidad limitada, pero de enormes proporciones, de representaciones de nosotros mismos.

Aún así, solo estamos teniendo en cuenta al sujeto, no al entorno. Cualquier cambio en el entorno supone una diversificación en el tiempo y la creación de otro universo paralelo que forma parte de ese multiverso. Por tanto, cada instante se generan otra cantidad inimaginable de universos. Tras esa reflexión, es fácil pensar entonces que los universos son infinitos.

¿Y si añadimos el factor tiempo? Según Nietzsche, el tiempo es infinito, lo cual elimina la simple concepción humana del tiempo lineal y construye una visión macroexistencial del tiempo como cíclico. Así que el tiempo no tiene principio ni final, y en tal caso nosotros podemos repetirnos en el universo, y las variantes de nosotros mismos también pueden repetirse.

De esta forma se deduce que el argumento de la película es imposible. El personaje de Jet Li jamás podría conseguir convertirse en “el único” porque la posibilidad de representación del “yo” es infinita y una vida humana dedicada a asesinarlos sería incapaz de cumplir tamaña tarea. Es como si el propio universo se hubiese defendido inconscientemente de esta posibilidad.

La conclusión principal que se puede obtener de todo esto es que esta película será paja en el mundo de la CF. Habrá que buscar el grano en otra parte. Después de todo, ya lo señaló el autor de CF Theodor Sturgeon cuando dijo: “El 90 por 100 de la ciencia ficción es una porquería, pero es que el 90 por 100 de todas las cosas es una porquería”.

M. Peregrina

Presentación

2007-08-28T01:27:00.000-07:00

Saludos, cibernauta:

He aquí una pequeña declaración de principios que puede aclararte, como navegante errante por estos inmensos oceanos digitales, cuales serán los contenidos sobre los que verse mi blog.

No soy más que un aficionado a un curioso mundo como el que nos ofrece el género literario de la ciencia-ficción (CF a partir de ahora), y como tal, haré aquí mención de lecturas recomendadas, de críticas de libros leidos, de documentación teórica sobre el tema, de estudios, de vivencias personales relacionadas con este tema, de incursiones personales como preliterato...

Espero que te sea de utilidad. Si no es así, mi más sincera disculpa y mis mayores deseos de que arribes al puerto ansiado.

Un saludo a todos,
M. Peregrina